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    <video:title>L&apos;empire - Trailer</video:title>
    <video:description>In einem kleinen Dorf an der Côte d’Opale sorgt die Ankunft eines Neugeborenen für Unruhe in der Galaxie. Die imperialen Streitkräfte des finsteren Beelzebub (Fabrice Luchini) landen auf der Erde, um sich des Kindes zu bemächtigen, dem ein außergewöhnliches Schicksal vorhergesagt wird. Doch die Abgesandten der Königin (Camille Cottin) wollen sie daran hindern. Unter dem apathischen Blick von zwei vertrottelten Polizisten wird Nordfrankreich zum Epizentrum eines Krieges von ungeheuren Ausmaßen… Ein apokalyptischer Heidenspaß zwischen sozialem Realismus und burlesker Space Opera.

DAS IMPERIUM (Originaltitel: L’Empire) ist der jüngste Film von Bruno Dumont, der für seine kompromisslosen Werke bekannt ist. Hier verbindet er Elemente der Space Opera mit seinem typischen, oft provokativen Stil. Zwischen absurden Situationen, lakonischem Witz und brachialen Bildern entfaltet sich eine Erzählung, die gleichermaßen unterhält und irritiert. Unterstützt wird Dumont von einem Ensemble aus bekannten französischen Darstellerinnen und Darstellern, die den skurrilen Figuren eine eindringliche Präsenz verleihen.

Seine Weltpremiere feierte DAS IMPERIUM 2024 im Wettbewerb der Internationalen Filmfestspiele Berlin. Dort erhielt der Film den Silbernen Bären – Preis der Jury, eine der höchsten Auszeichnungen des Festivals. Diese Ehrung machte deutlich, dass Dumonts Mischung aus Genre-Experiment und Gesellschaftskommentar internationale Beachtung finden würde. Mit der Berlinale-Präsenz und dem renommierten Preis konnte sich der Film als außergewöhnlicher Beitrag des europäischen Autorenkinos etablieren.</video:description>
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    <video:title>7 Minutes - Trailer</video:title>
    <video:description>Ein 55-jähriger Polizist aus Toulouse steht vor einem Rätsel: Sein Sohn und dessen Freund werden tot in einem Hotelzimmer aufgefunden. Die Autopsie ergibt, dass sie an einer Überdosis GHB starben, mit einem zeitlichen Abstand von sieben Minuten. Getrieben von Trauer und dem Wunsch nach Antworten taucht der Vater in das nächtliche Leben seines Sohnes ein und betritt den Club BISOU, einen beliebten Treffpunkt der LGBTQ+-Community. Dort begegnet er Fabien, einem engen Freund seines Sohnes, und beginnt, die Welt seines Kindes aus einer neuen Perspektive zu erleben.

Während er tiefer in diese unbekannte Szene eintaucht, verschwimmen die Grenzen zwischen Trauerbewältigung und der Suche nach eigener Identität. Die Begegnungen im Club eröffnen ihm nicht nur Einblicke in das Leben seines Sohnes, sondern konfrontieren ihn auch mit eigenen, bislang verborgenen Sehnsüchten. Der Film thematisiert auf eindringliche Weise die Komplexität von Verlust, die Suche nach Nähe und die Herausforderungen, die Akzeptanz und Selbstfindung mit sich bringen.

Mit 7 MINUTEN präsentiert Regisseur Ricky Mastro ein intensives Drama, das die Zuschauer*innen in eine emotionale Reise mitnimmt. Die authentische Darstellung der Charaktere und die sensible Inszenierung machen den Film zu einem bemerkenswerten Beitrag im Genre des queeren Kinos. Ein Werk, das zum Nachdenken anregt und die Vielschichtigkeit menschlicher Beziehungen beleuchtet.</video:description>
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    <video:title>Blind und Hässlich - Trailer</video:title>
    <video:description>Der hässlich Ferdi (Tom Lass) will unbedingt eine Freundin. Das geht aber nicht, weil er hässlich ist. Doch eines Tages trifft er Jona (Naomi Achternbusch) und Jona ist perfekt für ihn, den sie ist blind.

Zum ersten Mal in seinem Leben gibt es Grund zur Hoffnung. Doch was Ferdi nicht weiß, ist dass Jona nur so tut. Sie ist nämlich von zuhause abgehauen, um ihr Abitur hinzuschmeißen und brauchte dringend eine Wohnung. Nun wohnt sie bei ihrer Cousine Cecile (Clara Schramm) im Blindenwohnheim und spielt blind. Und wenn Ferdi das raus findet, bringt er sich vermutlich um.</video:description>
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    <video:title>Blue Box Blues (die Inszenierung einer Fotografie) - Trailer</video:title>
    <video:description>&quot;Ein herausragendes Werk von Michael Brynntrup, das die Gewalt und Zärtlichkeit neben der Dominanz und Unterwerfung einfängt, die in einer einzigen, intimen Umarmung zu finden sind.&quot; (Tipp Berlin)

Technisch präzise und mit der ihm eigenen optischen Versiertheit führt Michael Brynntrup in ‘BLUE BOX BLUES’ eines seiner Wahrnehmungsexperimente durch. In quälend langen Minuten kontrastiert er den sinnlich-lebendigen, spontanen Eindruck einer Fotografie, die ein lesbisches Liebespaar in zärtlicher Umarmung zeigt, mit ihrer langwierigen, akribischen Inscenierung im sterilen Blue-Box-Studio. Die Dekonstruktion durch Rekonstruktion gelingt, aber sie nachzuvollziehen erweist sich als mühselig. (FILMDIENST)

Wie lange dauert ein Augenblick...? / Was alles passiert in einem Moment...? / Knall und Fall – das Dokument einer Inszenierung und ein Video über die Halbwertszeit von Halbbildern.</video:description>
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    <video:title>Saturn Returns - Trailer</video:title>
    <video:description>Gemeinsam machen sie die Straßen zu einem Spielplatz, einer Bühne, einer nie enden wollenden Party. In dieses Leben dringt die junge Israelin Galia ein. Sie trägt das Versprechen einer besseren, reineren Lebensart.</video:description>
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    <video:title>Normal - Trailer</video:title>
    <video:description>Adele Tullis formal gradliniges und ästhetisch überzeugendes Filmdokument handelt von starren Genderrollen und der unkritischen Unterwerfung unter das Diktat der (Hetero-)Normativität. 

Die Regisseurin richtet die Kamera auf alltägliche Handlungen, Rituale und Szenen und lässt einige Situationen durch eine widersprechende Bild-Ton-Montage befremdlich erscheinen. In langen, ruhigen Einstellungen zeigt sie, wie Mädchen zu Prinzessinnen geschminkt werden, wie ein Vater seinen Sohn auf ein Motorradrennen begleitet und wie kreischende Teeniemädchen sich mit dem angehimmelten YouTube-Star ablichten lassen. Sie zeigt Jungs beim Ego-Shooter- und Gotcha-Spielen, verfolgt das Fotoshooting eines frisch verheirateten Paares, zeigt ausufernde Junggesellinnenabschiede, filmt einen Kurs, der jungen Männern zeigen soll, wie man zum Alphamännchen wird, und einen, in dem Frauen lernen sollen, wie man dem Mann in der Ehe am besten dienen kann. Dabei bleibt Tulli konsequent beobachtend, fast distanziert. In der kommentarlosen Aneinanderreihung dieser unzähligen stereotypen Handlungen ist letzten Endes dann doch ein Kommentar enthalten.</video:description>
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    <video:title>El fulgor - Trailer</video:title>
    <video:description>EL FULGOR öffnet den Blick auf eine schwer fassbare Welt, in der junge Gauchos im ländlichen Argentinien und Karnevalstänzer bei ihren Vorbereitungen für den Umzug zu einem gemeinsamen Beobachtungsraum werden. Martín Farina macht aus der einfachen Beobachtung etwas Unruhiges und Leuchtendes, indem er Körper, Gesten und Abläufe verfolgt, als seien sie Hinweise.

Der Film wechselt zwischen der täglichen Arbeit mit dem Vieh, dem harten Rhythmus der Jahreszeiten und den Vorbereitungen auf den Karneval, wo sich der Blick auf Bewegung, Erwartung und Auftreten richtet. Traumsequenzen und eine angedeutete Liebesgeschichte zwischen einem Tiertreiber und einem der Tänzer schaffen emotionale Spannung, ohne die Gefühle je ganz zu erklären.

Farina verwischt Dokumentarisches, Fiktion und Essay, ohne diese Formen sauber zu trennen. Genau daraus gewinnt EL FULGOR seine Wirkung: Männlichkeit, Folklore, Gewalt und Begehren werden aus der Nähe beobachtet, während die Kamera Kleidung, männliche Körper und das Verhalten in der Öffentlichkeit studiert. So entsteht ein Film, der eher Stimmungen als Handlung lesbar macht.

Martín Farina bezeichnet seine Arbeiten als künstlerische Dokumentarfilme und übernahm hier auch Kamera, Schnitt, Musik und Ton, was der Form eine sehr persönliche Prägung gibt. EL FULGOR hatte seine Weltpremiere beim Filmfest Mannheim-Heidelberg und lief später regulär in deutschen Kinos. EL FULGOR bleibt eine still herausfordernde Begegnung.</video:description>
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    <video:title>Kaugummiblase - Trailer</video:title>
    <video:description>Emma ist kaugummisüchtig und mitten in der Pubertät, aber möchte das nicht so richtig wahr haben. Sie möchte am liebsten mit ihrem Sandkastenfreund Lasse nichts Anderes machen, als zu schaukeln, mit der Eisenbahnwelt ihres Vaters zu spielen und Kaugummi zu kauen - es soll sich einfach nichts verändern. Aber Lasse hat plötzlich eine Freundin und noch schlimmer: Er interessiert sich auch noch für Sex. Aber nicht nur Lasse ist plötzlich komisch, sondern auch Emmas Eltern, die ihre Eisenbahnwelt abbauen wollen - sie ist ja nun aus dem Alter raus. Aber hat das überhaupt etwas mit dem Alter zu tun? Und kann Emma ihren Sandkastenfreund wieder für sich gewinnen? Oder muss ihre kindliche Kaugummiblasenwelt jetzt zerplatzen?

KAUGUMMIBLASE von Anja Gurres ist ein sensibler Coming-of-Age-Kurzfilm über den inneren Widerstand gegen das Erwachsenwerden. Der Film wurde 2018 an der Filmakademie Baden-Württemberg realisiert und mehrfach auf nationalen und internationalen Festivals gezeigt, unter anderem bei der Filmschau Baden-Württemberg, dem FiSH Filmfestival Rostock und dem San Diego International Kids Film Festival. Dort erhielt er u. a. den UFA-Fiction Petra-Mosselman-Gedächtnispreis. Gurres inszeniert mit großer emotionaler Präzision den Moment, in dem die Blase der Kindheit zu platzen droht, und lässt zugleich Raum für die zarte Hoffnung, dass Veränderung nicht immer Verlust bedeuten muss.</video:description>
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    <video:title>Fa yeung nin wah - In the Mood for Love - Trailer</video:title>
    <video:description>Hongkong, 1962. Der Journalist Chow Mo-wan und die Sekretärin Su Li-zhen ziehen am selben Tag in benachbarte Wohnungen. Beide sind verheiratet, doch ihre Ehepartner sind häufig abwesend. Zunächst begegnen sich Chow und Su nur beiläufig – im Treppenhaus, auf den Fluren oder auf dem Weg zum Essen. Bis kleine Details sie zu derselben schmerzhaften Erkenntnis führen: Ihre Partner haben eine Affäre miteinander.

Diese Entdeckung bringt Chow und Su einander näher. Gemeinsam versuchen sie nachzuvollziehen, wie die Affäre begonnen haben könnte, verbringen immer mehr Zeit miteinander und entwickeln schließlich selbst Gefühle füreinander. Doch beide wollen nicht den gleichen Verrat begehen wie ihre Ehepartner. Aus Zögern, verpassten Gelegenheiten und all dem, was unausgesprochen bleibt, entwickelt Wong Kar-Wai eine Liebesgeschichte, in der gerade die Zurückhaltung zum emotionalen Zentrum wird.

Wiederholungen, flüchtige Begegnungen und scheinbar stillstehende Momente geben dieser unerfüllten Beziehung ihren unverwechselbaren Rhythmus. Maggie Cheung und Tony Leung Chiu-wai erzählen mit Blicken und Gesten ebenso viel wie mit Worten, während die Bilder von Christopher Doyle und Mark Lee Ping-bin und die Musik von Shigeru Umebayashi die melancholische Atmosphäre des Films entscheidend prägen.

IN THE MOOD FOR LOVE feierte 2000 im Wettbewerb der Filmfestspiele von Cannes Premiere. Tony Leung wurde als Bester Darsteller ausgezeichnet, zudem erhielt der Film den Grand Prix de la Commission Supérieure Technique. Wong Kar-Wais Geschichte über Sehnsucht, verpasste Momente und eine Liebe, die kaum ausgesprochen werden kann, gilt heute als eines der prägenden Werke des modernen romantischen Kinos.</video:description>
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    <video:title>Working On It - Trailer</video:title>
    <video:description>Karin Michalski und Sabian Baumann untersucht wie Akteur_innen der Queerszenen in Berlin und Zürich tradierte Genderrollen wahrnehmen und auch zu durchbrechen versuchen.

«Was passiert, wenn man nicht in die eine oder andere Genderkategorie passt oder passen will?». Der Sountrack des Films stammt von folgenden Bands der „Riot Grrl“-Bewegung: Lesbians on Ecstasy, Scream Club, Heidi Mortenson und Rhythm King and her friends.</video:description>
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    <video:title>Ich bin Anastasia - Trailer</video:title>
    <video:description>Der Film erzählt die Geschichte von der trans Frau Anastasia Biefang und ihrer Karriere als Oberstleutnant bei der Bundeswehr.

Auf dem Höhepunkt ihrer Karriere bei der Bundeswehr entscheidet sie sich, zukünftig in ihrem gefühlten weiblichen Geschlecht zu leben. Zu ihrem eigenen Erstaunen gibt es nach ihrem Outing als Transfrau bei der Bundeswehr keine Karriereeinbussen für sie. Gleich nach ihrer Geschlechtsanpassung übernimmt sie das Informationstechnikbataillon im brandenburgischen Storkow. 

Sie ist die erste Transperson in der Geschichte der Bundeswehr, die diesen Posten bekleidet. Der Film begleitet Anastasia bei ihrem Transitionsprozess und verfolgt ihren Dienstantritt als Kommandeurin. Auch ihr neues Bataillon muss sich einer mentalen Transition unterziehen.

ICH BIN ANASTASIA wurde 2019 veröffentlicht und feierte seine Premiere auf dem DOK.fest München, wo er von Publikum und Kritik gleichermaßen gelobt wurde. Der Film gewann den Publikumspreis des DOK.fest München und wurde anschließend auf zahlreichen Festivals gezeigt, darunter das Queer Film Festival München, das Filmfest Schleswig-Holstein und das Human Rights Film Festival in Berlin. Zudem erhielt er den Preis der Deutschen Filmkritik in der Kategorie Bester Dokumentarfilm. Produziert wurde der Film von Filmgarten und MissingFILMs in Kooperation mit dem Rundfunk Berlin-Brandenburg. Durch seine sensible Inszenierung und die persönliche Nähe zu Anastasia Biefang gelingt es Thomas Ladenburger, ein präzises Porträt über Selbstbestimmung und den gesellschaftlichen Wandel innerhalb der Bundeswehr zu zeichnen.</video:description>
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    <video:title>Hot Dog - Trailer</video:title>
    <video:description>Hannah war nicht immer glücklich über die Existenz ihres &quot;Vajayjay&quot;. Sie erinnert sich, wie sie sich Sex wie einen Song von Céline Dion vorstellte und wie sie dank ihres PlayStation-Controllers die Selbstbefriedigung entdeckte. Sie führt eine Hassliebe zu ihrer Vagina und berichtet, wie sich ihre Gefühle gegenüber ihrer Sexualität im Laufe der Zeit verändert haben. Vom Hass bei der ersten Periode bis hin zur großen Liebe. Eine Liebe die sogar größer ist als die zu Netflix.</video:description>
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    <video:title>Concrete Night - Trailer</video:title>
    <video:description>Ihre hilflose und unberechenbare Mutter überredet Simo, seine letzte Nacht mit seinem Bruder zu verbringen. Im Laufe der Nacht werden die Brüder Zeugen von Ereignissen, die sie lieber nicht sehen würden und die Simo dazu bringen, seine fehlende Identität zu finden, sein wahres Ich.

Regisseur Pirjo Honkasalo schrieb das Drehbuch auf der Grundlage des Romans von Pirkko Saisio von 1981. Der 30 Jahre alte Roman ist ein Vorbote unserer Zeit.

CONCRETE NIGHT bietet &quot;wunderschöne, wohl dosierte, scharfe und kontrastreiche Schwarz-Weiß-Bilder, die perfekt im Einklang mit einer bemerkenswerten Auswahl an klassischen Musikstücken stehen.&quot; (screenanarchy.com)</video:description>
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    <video:title>La Folie Almayer - Trailer</video:title>
    <video:description>Der niederländische Händler Kaspar Almayer, der in Malaysia festsitzt, heiratet die Adoptivtochter des einst reichen Kapitäns Lingard, um seine Zukunft zu sichern. Aber Lingards Vermögen geht verloren, sodass Almayer in einer unglücklichen Ehe gefangen ist und isoliert in einem Handelsposten im Dschungel lebt.

Almayer liebt seine gemischtrassige Tochter Nina und schickt sie weg, damit sie durch eine westliche Ausbildung „weißgewaschen“ wird. Als sie zurückkommt, fühlt sie sich zu dem charmanten Abenteurer Dain hingezogen, der Almayers Schatzsuche als Vorwand nutzt, um mit ihr durchzubrennen. In dieser melancholischen Landschaft verlorener Träume kämpfen sowohl die westlichen Kolonisatoren als auch die einheimische Bevölkerung mit ihrer Identität, ihrer Ehrlichkeit und ihren Herzen – und finden sie oft hohl.

Chantal Akermans Genialität liegt in ihren eindrucksvollen Bildern: Die erstickende Hitze, die üppige Vegetation und die trägen Flüsse werden zu Metaphern für die zum Scheitern verurteilte koloniale Ambition. Ihre elliptische Erzählweise, die stilisierten Darstellungen und die langen, verweilenden Kameraeinstellungen können jedoch für Zuschauer, die eine klare, lineare Erzählung suchen, eine Herausforderung sein. Der Film spiegelt Conrads Sinn für Sinnlosigkeit wider, jedoch mit einer poetischen, fast traumhaften Intensität.</video:description>
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    <video:title>Heimspiel - Trailer</video:title>
    <video:description>Wotan Wilke Möhring spielt den Ethiklehrer und Hooligan Andreas, dessen Doppelleben von seinem Schüler Benny, gespielt von Kai Malina, aufgedeckt zu werden droht.

Der Gymnasiallehrer Vossen prügelt sich in der Meute, bis sein Kopf leer ist und das Adrenalin durch seine Adern pumpt. Dieser Rausch lässt ihn leben und macht ihn süchtig. Als ein neuer Schüler in die Klasse kommt und Vossen als Hooligan erkennt, drohen die sauber getrennten Welten zusammenzufallen. Denn Benny ist selber Hooligan. „Kurzweilig und spannend.“ (bild.de)

Bogdana Vera Lorenz&apos; HEIMSPIEL gewann den Preis der deutschen Filmkritik für den besten Kurzfilm und wurde beim Filmfest Dresden mit zwei Preisen ausgezeichnet.</video:description>
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    <video:title>The Beautiful Summer - Trailer</video:title>
    <video:description>In den späten 1930er Jahren zieht eine 17-jährige Näherin aus der piemontesischen Provinz nach Turin, um bessere wirtschaftliche Perspektiven zu finden. Dort begegnet sie einem jungen Maler, der sie in die künstlerische Bohème der Stadt einführt. Durch diese Begegnung entdeckt sie neue Facetten ihrer selbst und wird mit Fragen der Identität, Sexualität und persönlichen Freiheit konfrontiert. Ihre Reise durch diesen &quot;schönen Sommer&quot; wird zu einem intensiven Prozess der Selbstfindung und des Erwachsenwerdens.

Der Film DER SCHÖNE SOMMER der italienischen Regisseurin Laura Luchetti basiert auf dem gleichnamigen Roman von Cesare Pavese. Mit einer Mischung aus sinnlicher Poesie und historischem Kontext fängt der Film die Herausforderungen und Freuden des Erwachsenwerdens in einer sich wandelnden Gesellschaft ein. Die Hauptrollen werden von Yile Yara Vianello und Deva Cassel verkörpert, deren Chemie auf der Leinwand die Komplexität ihrer Charaktere sensibel widerspiegelt.

DER SCHÖNE SOMMER feierte seine Premiere im August 2023 beim Locarno Film Festival in der Sektion Piazza Grande. Der Film wurde für seine einfühlsame Darstellung der Themen Jugend, Liebe und Selbstentdeckung gelobt. Bei den Nastro d&apos;Argento 2024 wurde Yile Yara Vianello mit dem Premio Guglielmo Biraghi ausgezeichnet, was die Bedeutung ihrer Leistung und die Resonanz des Films bei Kritikern und Publikum unterstreicht.

Mit Yile Yara Vianello als Ginia, Deva Cassel als Amelia, Nicolas Maupas als Severino, Alessandro Piavani als Guido.</video:description>
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    <video:title>Les Héroïques - Trailer</video:title>
    <video:description>Michel, ein ehemaliger Junkie, ist ein ewiger Kindskopf, der nur von Motorrädern träumt und mit seinem großen Sohn Léo und seinen Kumpels rumhängt. Mit fünfzig muss er sich um das Baby kümmern, das er gerade mit seiner Ex bekommen hat, und kämpft darum, nicht die gleichen Fehler zu machen und ein guter Typ zu sein.

Michel ist ein ewiger Teenager im Körper eines Fünfzigjährigen: Er hängt mit seinem großen Sohn Léo und dessen Freunden ab, träumt von Motorrädern und wirkt, als hätte er die Verantwortung längst abgeschüttelt. Doch die Realität holt ihn ein, als er sich plötzlich um ein Baby kümmern muss, das er mit seiner Ex bekommen hat. Zwischen Alltag in Paris, alten Gewohnheiten und dem Wunsch nach einem Neuanfang kämpft er darum, nicht wieder dieselben Fehler zu machen und endlich ein verlässlicher Mensch zu werden. Dabei prallen Freiheitsdrang, Vaterrolle und Selbstbild hart aufeinander.

Das Spielfilmdebüt von Maxime Roy verbindet Sozialdrama und Familiengeschichte mit einem direkten Blick auf Abhängigkeit, Verantwortung und die Frage, was ein guter Vater eigentlich ist. Michel sucht Halt bei Léo und in seiner Clique, während er gleichzeitig lernen muss, Grenzen zu akzeptieren und Fürsorge zu zeigen. THE HEROICS wurde 2021 im offiziellen Programm des Festival de Cannes als Séance spéciale präsentiert. So entsteht ein französischer Film über zweite Chancen, der Nähe und Reibung nicht glättet, sondern konsequent sichtbar macht.</video:description>
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    <video:title>C&apos;était mieux demain - Trailer</video:title>
    <video:description>DIE PROGRESSIVEN NOSTALGIKER beginnt als Familienbild aus den 1950er-Jahren: Michel geht zur Arbeit, Hélène führt den Haushalt, der kleine Sohn ist ein liebenswerter Tolpatsch und die Tochter Jeanne ein verschlossener Teenager. Das Haus der Dupuis wirkt wie eine Postkarte aus dem Wirtschaftswunder, mit gepflegtem Garten und der Aussicht auf Grillabende mit den Nachbarn. Als ein Streit um eine neue Waschmaschine in einen Schock kippt, wird das Paar plötzlich in die Gegenwart versetzt.

In dieser neuen Welt stolpern Michel und Hélène staunend durch die Wunder des Alltags. Kaffeemaschinen reagieren auf Zuruf, Saugroboter ziehen ihre Kreise über den Boden, und Videoanrufe setzen den fernen Ehepartner auf einen Bildschirm. Was zunächst wie komische Verwirrung wirkt, wird bald zum härteren Konflikt, weil das Paar begreift, dass sich die Regeln des Familienlebens mit ihm verändert haben.

Die tiefere Überraschung ist sozial, nicht technisch. Hélène arbeitet inzwischen und steht sogar im Beruf an der Spitze, während sich die Familie mit einer Gesellschaft auseinandersetzen muss, die die Ehe für alle kennt. Als Jeannes Hochzeit mit einer Frau näher rückt, prallen die alten Gewissheiten des Paares auf eine Welt, die nicht mehr zu ihren Annahmen passt. Die Komödie nutzt diese Spannung, um reaktionäre Reflexe gegen die Möglichkeiten einer offeneren Gegenwart zu stellen.

Vinciane Millereaus Langfilmdebüt wird von Elsa Zylberstein und Didier Bourdon getragen, deren Spiel der Geschichte ihre überzeugendste Balance aus Widerstand und Neugier gibt. Die Kritik merkt einige logische Sprünge und eine eher knappe Figurenentwicklung an, lobt aber auch, dass das zentrale Duo den Film lebendig hält. DIE PROGRESSIVEN NOSTALGIKER ist eine Zeitreise-Komödie über Familie, Wandel und den schwierigen Weg von der Gewohnheit zur Akzeptanz.</video:description>
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    <video:title>Mond - Trailer</video:title>
    <video:description>MOND folgt Sarah, einer österreichischen MMA-Kämpferin, gespielt von Florentina Holzinger, die nach Jordanien reist, um in einer Luxusvilla drei jugendliche Schwestern zu trainieren. Von Beginn an setzt der Film sie in einen abgeschlossenen, glänzenden und überwachten Raum, in dem körperliche Stärke das Unbehagen nicht vertreibt.

Nach einer Niederlage im Käfig ist Sarahs Karriere vorbei, und der neue Job bringt ihr vor allem Isolation. Abgeschnitten von zu Hause und umgeben von höflichen, aber distanzierten Menschen, bewegt sie sich wie ein Fremdkörper durch Hotel und Villa, während Andeutungen, Gerüchte und Nachrichten sie immer stärker verunsichern. Nour, Fatima und Shaima ziehen sie Schritt für Schritt in eine Welt, in dem Freundschaft, Training und Gefahr kaum noch zu trennen sind.

Der Film nutzt diese Unsicherheit, um über Frauenunterdrückung, Kontrolle und die Verführung von Rettungserzählungen zu sprechen. Kurdwin Ayub setzt nicht auf einfache Helden: Das Haus wirkt wie ein goldener Käfig, die Familienhierarchie wird durch Überwachung stabilisiert, und die gezeigte Wirklichkeit ist von Resignation geprägt. Zugleich verweigert sich MOND dem Zynismus und gibt seinen Figuren Mut und Widerstandskraft, ohne die Vorstellung zu bestätigen, eine entschlossene Außenseiterin könne ein solches System im Alleingang sprengen.

Mit MOND setzt Kurdwin Ayub in ihrem zweiten Spielfilm ihre Beschäftigung mit Patriarchat, Eingesperrtsein und Selbstbehauptung fort, hinter der Produktion steht Ulrich Seidl. Der Film versammelt Florentina Holzinger, Andria Tayeh, Celina Sarhan und Nagham Abu Baker.</video:description>
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    <video:title>Kongo - Trailer</video:title>
    <video:description>Zwischen Heilung, Glauben und Anschuldigung bewegt sich der Apostel Medard in Brazzaville. Während er Menschen behandelt, die sich als Opfer bösen Zaubers sehen, wächst der Verdacht gegen ihn selbst. Medard wird beschuldigt, schwarze Magie zu praktizieren und für einen Blitzschlag verantwortlich zu sein, der den Tod von Kindern zur Folge hatte.

Die Regisseure Hadrien La Vapeur und Corto Vaclav bevorzugen den Blick &quot;über die Schulter&quot; statt einer reinen Außensicht und begleiten ihren Protagonisten, der einem traditionellen Glauben, der sich auf den Geist der Vorfahren, den Glauben an magische Wesen und Zaubersprüche stützt.

&quot;Der mystische und fesselnde Film KONGO urteilt nicht, sondern wirft einen wohlwollenden Blick auf alle gefilmten Personen und überlässt es dem Publikum, sich seine eigene Meinung über die Relevanz oder Lächerlichkeit dieser Riten und Glaubensrichtungen zu bilden.&quot; (Abus de Cine)</video:description>
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    <video:title>MPU - Medizinisch Psychologische Untersuchung - Trailer</video:title>
    <video:description>MPU - MEDIZINISCH PSYCHOLOGISCHE UNTERSUCHUNG: Der Angstgegner vieler Führerscheininhaber erfährt in Robert Bohrers gleichnamiger Komödie eine neue Betrachtungsweise.

Zwei Jahre MPU Vorbereitung – zwei Jahre nüchtern. Naja, nicht so ganz... Aber heute ist der große Tag der letzten Tests und des entscheidenden Gesprächs. Moment: heute? HEUTE??? Da hat Frankie wirklich nicht mehr daran gedacht, als er Montagmorgen mit seiner Freundin Lanka aus der Disco kommt. Also hin und versuchen die Sache irgendwie noch über die Bühne zu bringen. Wenn Lanka nur nicht denken würde, dass es zu einem Casting geht…

MPU wurde auf dem Brest European Short Film Festival, dem Exground Filmfest Wiesbaden und dem Internationalen Kurzfilmfestival Interfilm Berlin aufgeführt.</video:description>
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    <video:title>Si tu meurs, je te tue - Trailer</video:title>
    <video:description>Der in Frankreich lebende kurdisch-irakische Regisseur Hiner Saleem (MY SWEET PEPPER LAND) widmet sich in IF YOU DIE, I&apos;LL KILL YOU der kurdischen Community in Paris. Siba, gespielt von Golshifteh Farahani (Paterson), muss sich nach dem plötzlichen Tod ihres Verlobten Avdal tradierten Rollenbildern widersetzen.

Zwischen Philippe und Avdal entsteht eine Freundschaft. Avdal, der davon träumt, in Frankreich zu bleiben, hat geplant, seine Verlobte Siba nach Paris zu bringen. Avdal stirbt plötzlich und Philippe sieht sich gezwungen, sich um die Beerdigung seines Freundes zu kümmern. Siba kommt in Paris an und erfährt vom Tod ihres Verlobten.</video:description>
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    <video:title>Der Anschlag - Trailer</video:title>
    <video:description>Frau und Mann geraten in einer Hamburger Bar aneinander: sie verpasst ihm (fast) aus dem Nichts eine Ohrfeige. Seine Reaktion – eine ganz andere als erwartet: der Anschlag wird als Anstoß angenommen und eröffnet eine Folge befreiender Prügel, die die Stadt wie ein Lauffeuer erfasst.

&quot;Es kann mir doch nicht einfach einer eine runterhauen und das zu Kunst erklären.&quot; Diese Aussage des damaligen BRD-Innenministers Zimmermann über sein Kunstverständnis und die von ihm angestoßene Änderung der Richtlinien zur Filmförderung waren der Ausgangspunkt für Pia Frankenbergs zweiten Film.</video:description>
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    <video:title>Alam - Trailer</video:title>
    <video:description>Das alltägliche Leben des palästinensischen Teenagers Tamer aus Galiläa wird durch seine neue Mitschülerin Maysaa aufgewühlt. Um sie zu beeindrucken, schließt er sich dem Plan an, die israelische Flagge an ihrer Schule am israelischen Unabhängigkeitstag, einem Trauertag für Palästinenser/innen, durch eine palästinensische zu ersetzen. Diese Aktion zwingt Tamer dazu, sich mit der Komplexität seiner Identität unter israelischer Herrschaft auseinanderzusetzen.

Der Film spielt vor dem Hintergrund des von Israel besetzten Palästina und beschäftigt sich mit Themen wie Erinnerung und Geschichte. Er zeigt die Generation von Tamer, die sich mit ihrem Erbe auseinandersetzt, während die vorherrschende Erzählung versucht, es auszulöschen. Charaktere wie Tamer&apos;s vorsichtiger Vater und der Revolutionär Adel bieten verschiedene Perspektiven auf ihre Situation.

Inmitten seiner ernsten Themen schafft ALAM ein Gleichgewicht zwischen Wärme und Humor und fängt die Unschuld des Highschool-Lebens ein. Die Kameraführung lässt den Zuschauer durch weite Einstellungen in die Welt der Figuren eintauchen und macht ihre Erlebnisse so noch nachvollziehbarer.

ALAM ist mehr als nur ein politisches Statement, sondern beschäftigt sich mit der Bedeutung von Symbolen und dem Kampf um Geschichte und Identität. Der Film lässt die Zuschauer über die sich verändernde Natur nationaler Symbole und die Umschreibung der Geschichte nachdenken.</video:description>
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    <video:title>Ich hätte am Kronleuchter hängen bleiben müssen - Trailer</video:title>
    <video:description>Inmitten der schillernden Welt des Circus Roncalli kreuzen sich 1985 die Wege von Ulrike und Olli. Der Beginn einer großen Liebe mit vielen Hindernissen. 
Er, ein Clown, der seinen Kindheitstraum lebt; sie, eine ehemalige Krankenpflegerin aus Berlin, die sich dem Zirkusleben anschließt. Was als romantisches Abenteuer beginnt, verwandelt sich mit der Zeit in eine Geschichte über die Herausforderungen des Alltags, kreative Krisen und das Älterwerden.

In seinem 2020 erschienenen Dokumentarfilm ICH HÄTTE AM KRONLEUCHTER HÄNGEN BLEIBEN MÜSSEN porträtiert Regisseur Diego Hauenstein einfühlsam das Leben seiner Eltern. Der Film kombiniert dokumentarische Elemente mit inszenierten Szenen, in denen Ulrike und Olli sich selbst spielen. Diese Herangehensweise ermöglicht einen tiefen Einblick in ihre Beziehung, ihre künstlerische Zusammenarbeit und die Balance zwischen Familie und Beruf.

Die Produktion entstand an der Filmakademie Baden-Württemberg ist ein bewegendes Porträt eines Künstlerpaares, das trotz aller Widrigkeiten gemeinsam durchs Leben geht.</video:description>
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    <video:title>Au-delà des montagnes - Trailer</video:title>
    <video:description>In einer sich rasant verändernden Welt muss eine Frau über ihre Zukunft entscheiden – und die ihres Kindes. TAO wächst in den 1990er Jahren in der chinesischen Stadt Fenyang auf. Sie steht zwischen zwei Verehrern: dem wohlhabenden, aufstrebenden Geschäftsmann JINSHENG und dem bodenständigen Kohlearbeiter LIANGZHI. Ihre Wahl wird nicht nur ihr eigenes Leben, sondern auch das ihres Sohnes DOLLAR bestimmen. Der Film folgt den Figuren über drei Jahrzehnte hinweg – von China über Australien bis in eine ungewisse Zukunft.

WEICHEN DES LEBENS feierte seine Premiere im Wettbewerb um die Goldene Palme bei den Filmfestspielen von Cannes 2015. Zudem wurde er in der Sektion &quot;Special Presentations&quot; des Toronto International Film Festivals 2015 gezeigt.  

Regisseur Jia Zhangke, bekannt für seine einfühlsamen Porträts des modernen China, präsentiert hier ein episches Drama, das die tiefgreifenden sozialen und emotionalen Veränderungen über mehrere Jahrzehnte hinweg beleuchtet.  

Die Hauptrolle der Shen Tao wird von Zhao Tao verkörpert, die für ihre Zusammenarbeit mit Jia Zhangke bekannt ist. Der Film wurde für seine tiefgründige Erzählweise und die Darstellung der rasanten gesellschaftlichen Veränderungen in China gelobt.  

WEICHEN DES LEBENS ist ein bewegendes Werk, das die Zerbrechlichkeit menschlicher Beziehungen und die Suche nach Identität in einer sich ständig wandelnden Welt thematisiert.</video:description>
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    <video:title>Bastarden - King&apos;s Land - Trailer</video:title>
    <video:description>KING&apos;S LAND folgt Ludvig Kahlen, einem ehemaligen Soldaten, der 1755 an den dänischen Hof kommt und ein kühnes Versprechen macht: Wenn er die karge Heide Jütlands urbar machen und dort eine Siedlung gründen kann, soll ihm endlich der Adelstitel verliehen werden, der ihm bisher verwehrt blieb. In einem Saal voll skeptischer Magistraten setzt seine unbeirrbare Haltung sofort den Ton.

Auf der Heide beginnt Kahlen mit fast nichts: einem Pferd, einem Zelt und einer Pistole. Tag für Tag bearbeitet er den harten Boden, trotzt Stürmen und versucht, aus dem unwirtlichen Land etwas Lebensfähiges zu machen. Doch sein Vorhaben wird schnell zum Zweikampf, denn Frederik De Schinkel, ein brutaler Gutsherr und Bezirksrichter, beansprucht das Territorium für sich und will Kahlen mit Geld, Intrigen und Gewalt scheitern lassen.

Damit weitet sich die Geschichte zu mehr als einem Kampf ums Überleben. Der Film verhandelt Macht, Klassenunterschiede, Rassismus, sexuellen Missbrauch und Ausbeutung und zeigt, wie Herrschaft auf Kosten der Schwächeren funktioniert. Gleichzeitig bringen starke Frauenrollen Bewegung in Kahlens starre Fassade und zwingen ihn, Verantwortung nicht nur als Pflicht, sondern als menschliche Entscheidung zu begreifen.

Nach dem Roman Kaptajnen og Ann Barbara von Ida Jessen wird KING&apos;S LAND als roher skandinavischer Western und menschliches Drama beschrieben, getragen von den eindrucksvollen Bildern der rauen Landschaft. Als dänischer Oscar-Beitrag verbindet KING&apos;S LAND harte Konflikte mit einer konsequenten Verwandlungsgeschichte. So bleibt ein klares, eindringliches Historienepos zurück.</video:description>
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    <video:title>Königin von Niendorf - Trailer</video:title>
    <video:description>Die Liebeserklärung an die Kindheit, über den Kampf eines Mädchens für ihren Platz in der &apos;Jungs&apos;-Welt lief nach der MOP-Premiere auf zahlreichen Festivals wie dem Achtung Berlin New Berlin Film Award.

Im kleinen brandenburgischen Ort Niendorf, in dem auch die Regisseurin Joya Thome ihre Schulferien verbrachte, haben gerade die Sommerferien begonnen, doch die zehnjährige Lea (Lisa Moell) fährt in diesem Jahr nicht wie sonst mit ihren Freundinnen ins Ferienlager. Überhaupt ﬁndet sie die anderen Mädchen in ihrer Schule zunehmend seltsamer.</video:description>
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    <video:title>Love &amp; Revolution - Trailer</video:title>
    <video:description>Spanien im Jahr 1977: Die Diktatur ist vorüber, doch konservative Werte prägen weiterhin den Alltag. In Sevilla kämpft eine junge Generation für Freiheit und Selbstbestimmung – allen voran Miguel, ein talentierter Künstler, der von einer Zukunft auf der Bühne träumt. Seine Mutter Reme, fest verwurzelt in alten Traditionen, wird durch ihn mit einer Welt konfrontiert, die sie nicht versteht. Während sich um sie herum die ersten LGBTI-Aktivist*innen organisieren, wird Reme unfreiwillig Teil dieser Bewegung und muss sich fragen, ob ihre Liebe zu ihrem Sohn stärker ist als ihre gesellschaftlichen Vorstellungen.  

Der Film LOVE &amp; REVOLUTION von Alejandro Marín erzählt eine Geschichte von Aufbruch und Identität in einer Zeit des Wandels. Mit einem energiegeladenen Soundtrack und eindringlichen Bildern fängt die Inszenierung den Geist einer Ära ein, in der Mut und Rebellion untrennbar miteinander verbunden waren. Die Besetzung überzeugt durch authentische Darstellungen, insbesondere Omar Banana und La Dani, die für ihre Leistungen mehrfach ausgezeichnet wurden.  

Der Film wurde auf renommierten Festivals präsentiert und erhielt zahlreiche Nominierungen und Auszeichnungen, darunter Prämierungen bei den Premios Carmen und Nominierungen bei den Goya Awards. Besonders hervorgehoben wurde die herausragende Nachwuchsregie von Alejandro Marín sowie das mitreißende Originaldrehbuch.</video:description>
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    <video:title>TerraForma - Trailer</video:title>
    <video:description>TERRAFORMA erzählt die außergewöhnliche Geschichte von Ascension Island, einer abgelegenen Vulkaninsel im Südatlantik, die über Millionen Jahre nahezu unbewohnt und karg blieb, bevor sie zum Schauplatz eines der ehrgeizigsten ökologischen Experimente der Geschichte wurde. Im 19. Jahrhundert brachten britische Naturforscher Pflanzen und Bäume aus aller Welt auf die Insel und verwandelten sie in eine üppige, künstlich geschaffene Landschaft.

Von dieser historischen Begebenheit aus entfaltet der Film größere Fragen nach dem Verhältnis von Mensch und Natur. Die Geschichte einer einzelnen Insel wird zur Reflexion über koloniale Ambitionen, Landschaftsgestaltung und den menschlichen Wunsch, Umwelt nach den eigenen Vorstellungen zu formen. Das Experiment auf Ascension Island eröffnet dabei eine historische Perspektive auf heutige Debatten über Geoengineering und die Zukunft unseres Planeten.

Mit eindrucksvollen Bildern von Lavafeldern, dichter Vegetation und der einzigartigen Landschaft der Insel sowie Gesprächen mit Expert aus Ökologie, Geologie, Politik und Design untersucht TERRAFORMA, wie Vorstellungen von „Natur“ entstehen, verändert und kontrolliert werden. Der Film lädt dazu ein, die Grenze zwischen natürlicher und künstlicher Umwelt in einer zunehmend vom Menschen geprägten Welt neu zu überdenken.

Unter der Regie von Kevin Brennan und Laurence Durkin verbindet TERRAFORMA eindrucksvolle Naturbilder mit einer Reflexion über Umweltgeschichte und aktuelle ökologische Fragestellungen. Der Dokumentarfilm eröffnet neue Perspektiven darauf, wie die Landschaften, die wir vorfinden – und jene, die wir selbst erschaffen –, die Zukunft unseres Planeten prägen.</video:description>
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    <video:title>Reporters - Trailer</video:title>
    <video:description>Pressefotografen und Paparazzi: eine anstrengende und zynische Welt mit ihren eigenen Regeln, Vorschriften und Risiken. Raymond Depardon begleitet die Reporter der Agentur Gamma auf Schritt und Tritt: stundenlanges Verstecken, um ein Foto von Caroline von Monaco zu schießen, Jacques Chiracs Besuch bei kleinen Ladenbesitzern, Valéry Giscard d&apos;Estaings Abreise nach China, François Mitterrand im Palais du Luxembourg, eine Cartier-Party auf der Place Vendôme mit Catherine Deneuve und Serge Gainsbourg, Coluches Pressekonferenz... Ein erstaunlicher Einblick in das politische und mondäne Leben der 80er Jahre.

Mit seiner dokumentarischen Klarheit und gesellschaftlichen Präzision gilt REPORTERS als exemplarischer Beitrag zum Cinéma vérité. Depardon verzichtet auf Stimme und Auteur-Inszenierung, er zeigt vielmehr das Zusammenspiel von Macht, Öffentlichkeit und medialer Präsenz im Frankreich der frühen Achtzigerjahre.

Der für die französische Pressefotografie unverzichtbare Film startete am 10. Juni 1981 in Frankreich. Bereits 1982 gewann er den César-Preis für den besten Dokumentarfilm.Zudem wurde er bei der New York Film Festival (NYFF62) im Jahr 2024 im Rahmen einer Restaurierung gezeigt und neu gewürdigt – ein Zeichen seiner langfristigen kulturellen Relevanz. 

REPORTERS eröffnet einen Blick hinter die Kulissen: auf die Konfrontation zwischen Fotograf und Sujet, auf Wartezimmer der Macht, auf Augenblicke, die gefangen werden wollen und zugleich fliehen. Der Film ist eine schonungslose Reflexion über den Mechanismus von Bildproduktion und Öffentlichkeit – und bleibt ein Schlüsselwerk im Dokumentarfilm über Medien und Macht.</video:description>
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    <video:title>Alltag - Trailer</video:title>
    <video:description>&apos;Keiner bekommt etwas geschenkt&apos; und &apos;Wer ein Risiko eingeht, kann tief fallen und sehr hoch aufsteigen&apos; sind auch die Leitlinien von Veit, Erbe einer verschuldeten Reinigung, einzementiert in einem gleichförmigen Leben auf 2 Quadratkilometern Kreuzberg. Doch in dieser Nacht ist Schluss mit ALLTAG. Fest entschlossen zu fahren und nie mehr zurückzukehren, hat Veit das Mädchen seiner Träume dabei, einen Bruder voller guter Vorsätze und einen Freund mit einem Koffer voller Geld.

&quot;In &quot;Alltag&quot; kann jeden Moment etwas explodieren, und dies ist keine behauptete Gefahr (wie es schlechte Filme vorgeben), sondern eine spürbare, die Personen und Konstellationen und Orte gebären, eine, die in der Kinoluft liegt wie in Scorseses Bronx.&quot; (WELT)</video:description>
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    <video:title>Komm und Spiel - Trailer</video:title>
    <video:description>Grisha, ein deutsch-russischer Junge, spielt Krieg im Berlin der Gegenwart, ein sensibler Ort für dieses Spiel. Es bringt die dunklen Schatten der Vergangenheit unerwartet in Bewegung. 

Die Bilder des Zweiten Weltkrieges kommen an die Oberfläche, die in Gebäuden und Straßen dieser Stadt ruhen: Einschusslöcher, Explosionen und Artilleriefeuer. Grisha findet sich im tatsächlich nicht beendeten Krieg wieder. Er irrt durch die Alpträume der Stadt, begegnet Tod und Verzweiflung und kämpft um sein Leben. Er wird mit der Grausamkeit eines jeden Krieges konfrontiert, aus dem es kein Entrinnen gibt. 

„Dieser Kurzfilm ist ein gelungenes Beispiel für einen Exkurs in Erinnerungspolitik und zeigt, wie sehr das Grauen des Zweiten Weltkriegs noch immer im Diskurs der Gegenwart präsent sind.“ (Jurybegründung - FBW Deutsche Filmbewertungsstelle)</video:description>
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    <video:title>Doppelleben – Der Film - Trailer</video:title>
    <video:description>Regisseur Douglas Wolfsperger (WIEDERSEHEN MIT BRUNDIBAR) setzt sich mit dem Phänomen von Doubles auseinander, indem er zwei Angela-Merkel-Doppelgängerinnen porträtiert.

Wie die vorübergehende Annahme einer fremden Identität die (eigene) Wahrnehmung neu definieren, aber auch verzerren kann, das untersucht der Dokumentarfilm DOPPELLEBEN. Dabei hält Wolfspergers Kamera komische, teilweise auch absurde Momente fest und reflektiert Schein und Sein, plötzlichen Erfolg und Rückschläge – ohne seine Protagonistinnen lächerlich zu machen oder ihnen zu nahe zu treten. 

&quot;Erneut überzeugt Douglas Wolfsperger mit einer Dokumentation, deren Thema mitten aus dem Leben stammt.&quot; (kino-zeit.de)</video:description>
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    <video:title>Ausstieg Rechts - Trailer</video:title>
    <video:description>Wie geht man gegen Fremdenhass vor? Ist es richtig sich einzusetzen oder riskiert man dabei selbst Opfer von Aggression zu werden? Ein fiktionalisiertes Alltagsbeispiel.

Als ein Mann in einem voll besetzten Bus von jemand fremden grundlos schikaniert wird, gibt es nur einen Fahrgast, der die Situation nicht wie alle anderen ignoriert. Er hat den Mut etwas zu sagen und mischt sich ein. Dies passt seinem aggressiven Gegenüber jedoch gar nicht und es kommt zur Konfrontation.</video:description>
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    <video:title>Junk Space Berlin - Trailer</video:title>
    <video:description>Durch das dystopische Berlin von Morgen zieht sich ein unerklärlicher Riss, in den sich vier Outsider*innen auf eine Mission wagen, um ihre verschwundene Freundin, die KI Billie, zu finden. Die Kulisse, geprägt von der berliner Architektur, verstärkt die beklemmende Atmosphäre und lässt die Stadt zu einem weiteren Akteur in der Handlung werden. Aber wohin führt sie Billies Spur? Und ist das überhaupt alles echt?

Je näher sie Billie kommen, desto tiefer dringen sie in die marginale Abweichung der Wirklichkeit vor. Der Riss fragmentiert dabei nicht nur die Erzählweise des Films, sondern nimmt uns Zuschauer mit in eine Welt, in der die Grenzen zwischen Realität und virtueller Manipulation im digitalen Grundrauschen verloren gegangen sind. Die Darstellung, geprägt von der einzigartigen berliner Architektur, unterstreicht den Konflikt zwischen Tradition und futuristischen Visionen.

Juri Padels dystopisches Filmdrama JUNK SPACE BERLIN zwischen Psycho-Thriller, Mystery und Science Fiction untersucht gesellschaftliche Spaltung, Marginalisierung und Missbrauch, spürt den aktuellen Gefahren und Chancen von Digitalisierung und künstlicher Intelligenz nach und setzt sich mit Identitätspolitik und neuen gesellschaftlichen Konzepten auseinander. Inmitten dieser Geschichte bleibt die Architektur Berlins ein Sinnbild für Transformation und den Bruch mit alten Strukturen.</video:description>
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    <video:title>Siska Deluxe - Trailer</video:title>
    <video:description>Drei schräge Vögel eröffnen in Sloweniens Hauptstadt eine Pizzeria und um das Geschäft anzukurbeln, wird zu jeder Pizza auch ein Wunsch erfüllt.

Regisseur Jan Cvitkovics Komödie SISKA DELUXE überzeugte beim FilmFestival Cottbus und wurde dafür mit dem Publikumspreis ausgezeichnet.

Die drei grundverschiedenen Freunde Mile, Fedr und Zekir eröffnen eine Pizzeria. Aber da die drei Chaoten keine Ahnung von der Gastronomie haben, droht das Projekt bald zu scheitern. Da hat die hilfsbereite Obdachlose Jana eine schier geniale Idee…

„Eine erfrischend absurde Sommerkomödie.“ (derstandard.at)
„Eine herzerwärmende und einnehmende Ode an die Freundschaft, menschlichen Beziehungen und die leichten Seiten des Lebens, mit absurdem Humor.“ (filmdoo.com)</video:description>
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    <video:title>Dramarama - Trailer</video:title>
    <video:description>Im Sommer 1994, kurz nach dem High-School-Abschluss, versammeln sich fünf enge Freunde zu einer letzten gemeinsamen Murder Mystery Party. Als begeisterte Theaterliebhaber haben sie sich für diesen besonderen Abend in aufwendige Kostüme literarischer Figuren gehüllt: von Alice im Wunderland über Mina Harker bis hin zu Dr. Jekyll. Doch hinter der fröhlichen Fassade verbirgt sich eine unausgesprochene Spannung. Gene, einer aus der Gruppe, trägt ein Geheimnis mit sich, das er endlich teilen möchte, aber die Angst vor der Reaktion seiner tief religiösen Freunde hält ihn zurück.

Während die Nacht voranschreitet, werden die Gespräche tiefgründiger, und längst verborgene Gefühle treten zutage. Die bevorstehende Trennung durch den Collegebeginn wirft Fragen auf: Wie stark ist ihre Freundschaft wirklich? Können sie die Herausforderungen des Erwachsenwerdens gemeinsam meistern? In diesem Coming-of-Age-Film werden Themen wie Identität, Akzeptanz und der Mut zur Wahrheit einfühlsam behandelt. Die authentische Darstellung der Charaktere und die nostalgische Atmosphäre der 90er Jahre machen diesen Film zu einem besonderen Erlebnis.

Mit seinem Debütfilm DRAMARAMA gelingt es Regisseur Jonathan Wysocki, eine liebevolle Hommage an Theater-Nerds und die intensiven Freundschaften der Jugend zu schaffen. Der Film wurde auf zahlreichen Festivals gezeigt und mehrfach ausgezeichnet, darunter der Jurypreis für die beste Komödie beim Woods Hole Filmfestival. Ein Muss für alle, die sich an ihre eigene Jugend erinnern und die Herausforderungen des Erwachsenwerdens nachvollziehen möchten.</video:description>
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    <video:title>Roomies - Trailer</video:title>
    <video:description>Für ihr letztes Studienjahr ziehen Bibi und Ama, zwei lesbische Freundinnen Anfang zwanzig, zusammen in eine neue Wohnung in Brüssel. Obwohl sie total unterschiedliche Persönlichkeiten und Hintergründe haben, denkt das schräge Duo, dass sie bereit sind für ihr Erwachsenenleben als Mitbewohnerinnen. Jetzt müssen sie nur noch rausfinden, was es eigentlich heißt, erwachsen zu sein.

Wie sich bald herausstellt, starten Bibi und Ama ihre Reise mit ganz unterschiedlichen Plänen: Bibi, die noch total in ihre beste Freundin aus der Schule, Telma, verknallt ist, träumt von einer Freundin, während Ama, die verzweifelt versucht, mit ihrer Ex Samira abzuschließen, so frei wie möglich leben will.

ROOMIES wurde von Flo Van Deuren und Kato De Boeck inszeniert und erzählt eine queere Geschichte, die in Belgien ein großes Publikum fand. Die Serie besticht durch ihren realistischen Blick auf das Erwachsenwerden und die feinfühlige Darstellung junger Frauen, die sich zwischen Freundschaft und Liebe neu entdecken. Produziert von De Wereldvrede, umfasst das Projekt acht halbstündige Episoden, die filmisch durch eine Mischung aus Intimität und präziser Beobachtung geprägt sind.

Die Serie feierte 2023 ihre Premiere im Wettbewerb der CANNESERIES in der Kategorie „Short Form“. Dort erhielt sie internationale Aufmerksamkeit und wurde für ihre Ehrlichkeit und emotionale Tiefe gelobt. Bei den Ensor Awards 2023 wurde ROOMIES mehrfach ausgezeichnet, darunter als Beste Fictieserie, für die Beste Regie, das Beste Drehbuch und die Beste Musik. Diese Erfolge machten das Werk zu einem Aushängeschild des modernen belgischen Serienhandwerks und zu einem wichtigen Beitrag der queeren Fernsehkultur in Europa.</video:description>
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    <video:title>Im Spinnwebhaus - Trailer</video:title>
    <video:description>In IM SPINNWEBHAUS inszeniert Regisseurin Mara Eibl-Eibesfeldt die ergreifende Geschichte einer überforderten alleinerziehenden Mutter (Sylvie Testud) und ihrer drei Kinder Jonas (Ben Litwinschuh), Nick (Lutz Simon Eilert) und Marie (Helena Pieske), erzählt in einem düsteren Schwarz-Weiß-Stil. Das Sozialdrama beginnt mit den alltäglichen Herausforderungen des Familienlebens: Jonas von der Schule abholen, pünktlich zu Maries Kita kommen und mit dem hyperaktiven Nick, einem Schüler einer Sonderschule, umgehen. Die Situation eskaliert, als die Mutter beschließt, die Kinder zu ihrem Vater zu bringen, der jedoch ihre Annahme verweigert.

Die Mutter begibt sich in eine psychiatrische Klinik, um gegen ihre inneren Dämonen zu kämpfen, während die Kinder zuhause bleiben und einen Schwur ablegen, ihre Abwesenheit zu verheimlichen. In der Zwischenzeit verwandelt sich das Familiendrama in eine märchenhafte Geschichte. Die Kinder sind in ihrer verwahrlosten Wohnung auf sich allein gestellt, bauen Höhlen und sammeln Käfer.

Eine Schlüsselfigur in IM SPINNWEBHAUS ist Felix von Gütersloh, dargestellt von Ludwig Trepte. Er ist ein charismatischer Gothic-Straßenmensch, der sich mit Jonas anfreundet. Während Jonas versucht, seine Familie zusammenzuhalten und die Lügen über die Abwesenheit der Mutter aufrechtzuerhalten, bietet Felix mit seiner unkonventionellen Spinnen-Philosophie und poetischen Ratschlägen einen Kontrast.

Der Film wandelt sich allmählich zu einer symbolischen Traumwelt, in der die Kinder darum kämpfen, ihre Kindheit in einer herausfordernden und oft feindseligen Welt zu bewahren. IM SPINNWEBHAUS entwickelt sich zu einem surrealen Erlebnis, das die Zuschauer in eine faszinierende Mischung aus Realität und Fantasie entführt.</video:description>
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    <video:title>Haus ohne Dach - Trailer</video:title>
    <video:description>Drei Geschwister kehren nach Jahren in ihre kurdische Heimat zurück, um den letzten Wunsch ihrer Mutter zu erfüllen: Sie soll neben ihrem Mann begraben werden. Auf der nervenaufreibenden Kurdistan-Odyssee werden sie nicht nur mit ihrer kurdischen Großfamilie konfrontiert, die den letzten Wunsch der Mutter nicht akzeptiert, sondern vor allem mit sich selbst. Sie haben sich in den letzten Jahren sehr voneinander distanziert, jeder lebt sein eigenes Leben, und wenn dann mal Gespräche stattfinden, bestehen diese meist nur aus gegenseitigen Vorwürfen. Parallel wird imVerlauf ihrer Reise spürbar, dass sich in ihrem Heimatland ein fürchterlicher Konflikt anbahnt, dessen Ausmaß zunächst niemand erahnen kann. Die Auswanderer wissen wenig voneinander, und wenn gesprochen wird, dann hagelt es Vorwürfe. Doch es wird auch spürbar, dass sich in ihrem Land ein mörderischer Konflikt anbahnt.

HAUS OHNE DACH, das Spielfilmdebüt der deutsch-kurdischen Regisseurin Soleen Yusef, wurde 2016 produziert und vielfach ausgezeichnet. Er feierte seine Premiere beim Montreal World Film Festival, wo er den Grand Prix des Amériques erhielt, und lief anschließend auf renommierten Festivals wie dem Filmfest München, dem Duhok International Film Festival und dem Beirut International Film Festival, wo Yusef für ihre Regie geehrt wurde. Der Film wurde außerdem mit dem Preis der Jury beim Hamburg Film Festival und dem Preis der International Federation of Film Critics (FIPRESCI) gewürdigt. Produziert von mîtosfilm in Zusammenarbeit mit der Filmakademie Baden-Württemberg und MissingFILMs überzeugt HAUS OHNE DACH durch seine authentische Bildsprache und die feinfühlige Darstellung einer Familie zwischen zwei Welten.</video:description>
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    <video:title>Symphony of now - Trailer</video:title>
    <video:description>Die nächtlichen Straßen Berlins dienen als Bühne für eine visuelle und akustische Symphonie, unter der Regie von Johannes Schaff. Inspiriert von Walther Ruttmanns avantgardistischem Meisterwerk aus dem Jahr 1927, zeichnet Schaff ein vielschichtiges Bild der Metropole, das sich aus zahlreichen urbanen Panoramen, privaten Momenten und dem pulsierenden Nachtleben zusammensetzt. Die Kameraführung von Lil&apos; Internet und Alexandra Weltz, ergänzt durch Schaffs eigene visuelle Interpretationen, taucht tief in das Herz der Stadt ein und fängt ihre ungeschminkte Schönheit ein.

Die musikalische Untermalung, kuratiert von Frank Wiedemann und in Zusammenarbeit mit Berliner Musiklegenden (Modeselektor, Samon Kawamurs, Gudrun Gut, Thomas Fehlmann, Frank Wiedemann oder Hans-Joachim Roedelius) verschiedener Generationen, verstärkt die Stimmung jeder Szene und spiegelt das reiche kulturelle Erbe der Stadt wider. Der Film erhielt Anerkennung für seine innovative Darstellung und seine Fähigkeit, das Lebensgefühl Berlins einzufangen, was bei seiner Premiere deutlich wurde.

SYMPHONY OF NOW ist nicht nur eine Hommage an die Stadt Berlin und ihre pulsierende Energie, sondern auch ein kritischer Kommentar zu den sozialen und kulturellen Dynamiken, die in den nächtlichen Stunden besonders deutlich zum Vorschein kommen. Der Film stellt eine einzigartige Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart her und beleuchtet das kontinuierliche Ringen um Identität und Ausdruck in einer sich ständig verändernden Metropole.</video:description>
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    <video:title>Fukushima und die Mopsfledermaus - Trailer</video:title>
    <video:description>Der Film geht der Frage nach, ob erneuerbare Energien und Naturschutz ein Widerspruch sein müssen. &quot;Geht dem Projekt „Energiewende“ in all seiner Komplexität nach.&quot; (Tagesspiegel)

Angesichts der Katastrophen der Atomkraft und der Endlichkeit der fossilen Brennstoffe gehört die Zukunft den erneuerbaren Energien. Doch was bedeutet die in Deutschland eingeleitete &quot;Energiewende&quot; ganz konkret? Vor allem der Ausbau der Windkraft sorgt deutschlandweit für scharfe Konflikte. In unzähligen Kommunen streiten Politiker, Unternehmen, Bürgerinitiativen und Naturschützer um den Erhalt von Heimat, Landschaft und Natur sowie um wirtschaftliche und monetäre Interessen.</video:description>
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    <video:title>I Am Truly A Drop of Sun on Earth - Trailer</video:title>
    <video:description>Das Leben der Frauen in Tiflis, Georgien wird von Männern bestimmt, für die sie eine Wegwerfware sind - etwas, an dem man seine Wut auslassen kann. Dann begegnet sie im Schatten des Luxushotels Dije, einem jungen nigerianischen Einwanderer.

„Die sehr persönliche Art, mit der sich Elene Naveriani der Realität nähert, verleiht ihrem Debütfilm eine vergiftete Kraft, die die ganze Melancholie und die zerbrochenen Träume ihrer Protagonisten zu komprimieren scheint. Und sie tut es mit der Klarheit des Geistes und der formalen Kühnheit, die man sich von vielen Künstler*innen wünscht.“ (cineuropa.org)</video:description>
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    <video:title>Yalda - Trailer</video:title>
    <video:description>YALDA stellt eine verurteilte junge Frau ins Zentrum eines öffentlichen Rituals, das zugleich uralt und erschreckend gegenwärtig wirkt. Maryam muss Mona, der Tochter des Mannes, den sie getötet hat, in einer Live-Sendung gegenübertreten, die auf Geständnis, Tränen und Zustimmung des Publikums setzt. Mit jeder verstrichenen Minute wird aus der privaten Tat ein Spektakel, in dem Vergebung öffentlich verhandelt wird.

Maryam hat nur eine Stunde, um ihr Leben zu retten, nachdem sie ihren deutlich älteren Ehemann im Affekt getötet hat. Jede Frage der Moderation, jede Regung im Studio und jede SMS der Zuschauer kann das Kräfteverhältnis verschieben. Der Film hält die Konfrontation eng und unruhig, bewegt sich zwischen Bühne, Nebenräumen und stillen Momenten, in denen sich Gefühle eher verhärten als lösen.

Aus diesem Setup entwickelt YALDA ein hartes Drama über Schuld, Rache, Vergebung und Manipulation. Der Fernsehrahmen ist modern, doch die Kräfte dahinter sind alt: familiärer Druck, mütterliche Autorität, öffentliches Urteil und die Frage, welchen Preis ein Leben haben kann. Bakhshi nutzt die Mittel des Thrillers, um zu zeigen, wie schnell Mitgefühl zum sozialen Prüfstein wird.

Vor dem Hintergrund des persischen Wintersonnenwendefests blickt YALDA auch auf eine Gesellschaft, in der Tradition, mediale Inszenierung und materielles Kalkül aufeinanderprallen. Der Film zeigt, wie eine schwarz gekleidete Frau und eine verängstigte Angeklagte gegensätzliche Vorstellungen von Gerechtigkeit verkörpern, während ein Chor von Nebenfiguren kommentiert, zögert und urteilt.</video:description>
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