ÖTE, unter Co-Regie von Esra Saydam und Malik Isasis gedreht, ist ein Liebesbrief an die einzigartige Magie des Solo-Travelings und ist jetzt auf SOONER verfügbar. Premiere feierte der Backpack Film auf dem Tribeca Filmfestival

Malik Isasis | Sooner Blog

Über die Magie des Solo-Travelings. Als PoC quer durch die Türkei.

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Der Film über Lelas Türkeireise feierte seine Premiere auf dem Tribeca Filmfestival.

Die Magie des Solo-Travelings in "ÖTE" - Der Regisseur im Interview mit SOONER

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Kaffee, wunderschöne Landschaften und spontane Begegnungen - Die New Yorkerin Lela reist mit Backpack und innerer Ruhe durch die Türkei, auf dem Weg nach Armenien. ÖTE, unter Co-Regie von Esra Saydam und Malik Isasis gedreht, ist ein Liebesbrief an die einzigartige Magie des Solo-Travelings und ist jetzt auf SOONER verfügbar.

ÖTE ist mehr als ein Film über das alleine Reisen; er feiert das Überschreiten von Grenzen, sowohl geografisch als auch persönlich, und präsentiert eine frische, ermutigende Erzählung, die den Geist der Erkundung und Entdeckung widerspiegelt. Im Gegensatz zu den typischen Geschichten über schwarze Frauen konzentriert sich ÖTE auf Lelas Reise, ohne in Klischees zu verfallen. In der neuen Folge des SOONERCAST geht ÖTE-Regisseur Malik Isasis auf die Bedeutung von vielfältigen filmischen Darstellungen des Lebens schwarzer Frauen - abseits des „Trauma-Porns“ - ein.

TROUBLE EVERY DAY: "Trouble Everyday ist sinnlich, aber die unauslöschlichen Bilder des Films sind verstörend." (Malik Isasis, Regisseur Öte)

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HEIKOS WELT: Eine ehrliche Geschichte aus dem Herzen Berlins. HEIKOS WELT begann als viraler Erfolg in einem Musikvideo. Im Herzen des Berliner Stadtteils Wedding entfaltet sich die authentische Atmosphäre von HEIKOS WELT. Der Film präsentiert eine einzigartige Perspektive auf die traditionelle Berliner Kneipenkultur, besonders durch die Darstellung echter Weddinger Lokalitäten.

Heikos Welt

HEIKOS WELT: Eine ehrliche Geschichte aus dem Herzen Berlins

HEIKOS WELT begann als viraler Erfolg in einem Musikvideo namens "Nettelbeckplatz" von Shacke One. Daraus entwickelte sich eine YouTube-Serie, die Hunderttausende von Zuschauern begeisterte und den Grundstein für etwas Größeres legte.

Die Geschichte des Films ist selbst bemerkenswert: Zunächst durch eine Crowdfunding-Kampagne mit fast 19.000 Euro von der Community unterstützt, wurde das Projekt unter der Regie von Dominik Galizia zu einem abendfüllenden Film von 108 Minuten. Schließlich wurde die authentische Darstellung des Berliner Kiezes beim Filmfest München gewürdigt, wo Hauptdarsteller Martin Rohde den Förderpreis Neues Deutsches Kino erhielt.

Von YouTube zum Kinohit: Der Weg von HEIKOS WELT

Die bemerkenswerte Reise von HEIKOS WELT startete ursprünglich als YouTube-Serie, die zehntausende Klicks generierte. Der Charakter Heiko, dargestellt von Martin Rohde, entwickelte sich schnell zu einer beliebten Berliner Kultfigur. In den kurzen Videos zeigte sich Heiko bei alltäglichen Aktivitäten - vom Currywurst essen bis zum Federballspielen.

Nachdem die Serie eine große Anhängerschaft aufgebaut hatte, entschied sich Regisseur Dominik Galizia für einen mutigen Schritt: Die Produktion eines abendfüllenden Spielfilms. Da das Projekt im deutschen Fördersystem vermutlich durch alle Raster gefallen wäre, wurde eine Crowdfunding-Kampagne initiiert. Diese erwies sich als durchschlagender Erfolg - fast 19.000 Euro kamen durch die Unterstützung der Community zusammen.

Der Film erzählt die Geschichte von Heiko, der in den Kneipen Berlins zu Hause ist. Als seine Mutter Belinda an einer seltenen Hornhauterkrankung zu erblinden droht, beginnt für ihn eine außergewöhnliche Mission. Um das Geld für ihre Operation aufzutreiben, tritt er gegen die besten Dartspieler der Stadt an.

Besonders bemerkenswert ist der unkonventionelle Stil des Films. Er verbindet geschickt verschiedene Genres - von Komödie über Großstadtmärchen bis hin zur Groteske. Der flotte Erzählrhythmus spiegelt dabei Galizias Erfahrung aus der Musikvideo- und Werbefilmproduktion wider.

Die Weltpremiere fand beim Filmfest München statt, wo Martin Rohde für seine authentische Darstellung mit dem Förderpreis Neues Deutsches Kino ausgezeichnet wurde. Seine schauspielerische Leistung überzeugte besonders dadurch, dass er der Figur des Heiko eine bemerkenswerte Tiefe verlieh, die über die reine Skurrilität hinausging.

Der Film präsentiert sich als eine Liebeserklärung an die Berliner Kneipenszene. Für die Dreharbeiten verbrachte das Team viel Zeit in echten Kneipen, um die authentische Atmosphäre einzufangen. Diese Authentizität macht HEIKOS WELT zu einem besonderen Zeitdokument der Berliner Kiezkultur.

Im Herzen des Berliner Stadtteils Wedding entfaltet sich die authentische Atmosphäre von HEIKOS WELT. Der Film präsentiert eine einzigartige Perspektive auf die traditionelle Berliner Kneipenkultur, besonders durch die Darstellung echter Weddinger Lokalitäten.

Die Dreharbeiten fanden an markanten Orten des Bezirks statt. Heiko genießt seine Currywurst an der Curry-Baude am Gesundbrunnen, verbringt Zeit im Bierbrunnen gegenüber und ist Stammgast "Beim Dicken" in der Bellermannstraße. Diese Locations sind nicht nur Kulissen, sondern lebendige Zeugen einer besonderen Kiezkultur.

Besonders bemerkenswert ist die Einbindung echter Wirte der Weddinger Eckkneipen. Diese authentischen Charaktere verleihen dem Film eine zusätzliche Ebene der Glaubwürdigkeit. Das warme Licht in den bescheidenen Räumlichkeiten erzählt mehr über die Würde des Prekariats als manch wohlmeinendes Milieudrama.

Die Kameraführung spielt dabei eine entscheidende Rolle. Sie gleitet geschmeidig durch die Kneipen und fängt sowohl die spannenden Dartszenen als auch Heikos gelegentliches Delirium in desorientierenden Bildern ein. Dadurch entsteht ein authentisches Porträt der Berliner Kneipenkultur, wie sie im Wedding noch überlebt.

Martin Rohde verkörpert als Heiko einen charakterstarken Tresensportler, der mit seinem Gespür für Komik und authentischer Persönlichkeit zum Berliner Kulturgut geworden ist. Seine Videos haben zusammen über eine Million Zuschauer begeistert. Mit einer Tulpe in der Hand versteht er es meisterhaft, den Menschen um ihn herum ein Lachen zu schenken und die Alltagssorgen vergessen zu machen.

Der Film bewahrt damit ein Stück Berliner Geschichte. Er zeigt die facettenreiche Welt der Menschen an den Theken und Tresen dieser Stadt, ohne sie zu glorifizieren oder ihrer Würde zu berauben. Ob beim Hochsee-Angeln in der Panke oder beim Feierabends-Plausch in kultigen Kneipen - HEIKOS WELT zeichnet ein liebevolles Porträt des authentischen Berlins.

Hinter dem Erfolg von HEIKOS WELT steht ein bemerkenswertes Team kreativer Köpfe. Der Regisseur Dominik Galizia, ursprünglich aus Trier stammend, brachte seine vielfältigen Erfahrungen in das Projekt ein. Nach seinem Umzug nach Berlin im Jahr 2010 entwickelte er sich vom Stuntman im Disneyland Paris zum gefeierten Filmemacher.

Martin Rohde, der die Hauptrolle des Heiko verkörpert, absolvierte zunächst eine Ausbildung als Steinmetz. Seine natürliche Darstellungsweise und kindliche Naivität machten ihn zur perfekten Besetzung. Für seine beeindruckende schauspielerische Leistung erhielt er beim Filmfest München 2021 den Förderpreis Neues Deutsches Kino als Bester Hauptdarsteller.

An seiner Seite glänzt Heike Hanold-Lynch in der Rolle der Mutter Belinda. Zusammen erschaffen sie ein herzliches und authentisches Mutter-Sohn-Verhältnis, das zu den besonderen Stärken des Films zählt. Darüber hinaus bereichert Franz Rogowski das Ensemble mit einem kurzen, dennoch bedeutsamen Cameo-Auftritt - eine Reminiszenz an seine Zusammenarbeit mit Galizia in "Figaros Wölfe" aus dem Jahr 2017.

Besonders bemerkenswert ist Galizias Entscheidung, mit vielen Laiendarstellern zu arbeiten. Diese spielen einfach sich selbst und verleihen dem Film dadurch eine besondere Authentizität. Außerdem wurden echte Wirte der Weddinger Eckkneipen in den Film eingebunden, die mit ihrer natürlichen Präsenz das charakteristische Flair der Berliner Kneipenkultur transportieren.

Die erfolgreiche Zusammenarbeit zwischen Galizia und Rohde setzt sich übrigens fort: In "Rock 'n' Roll Ringo", der am 5. September 2024 in die Kinos kam, übernimmt Rohde erneut die Hauptrolle. Diesmal verkörpert er einen Gerüstbauer, der sein Glück als Kirmesboxer versucht - ein weiteres Beispiel für die fruchtbare künstlerische Partnerschaft zwischen Regisseur und Hauptdarsteller.

HEIKOS WELT steht als beeindruckendes Beispiel dafür, wie authentisches Storytelling Menschen berühren kann. Der Weg von einer YouTube-Serie zum gefeierten Kinofilm zeigt deutlich die besondere Kraft dieser Geschichte.

Die gelungene Mischung aus verschiedenen Genres, gepaart mit der authentischen Darstellung der Berliner Kneipenkultur, macht den Film zu einem besonderen Zeitdokument. Besonders bemerkenswert ist dabei die Leistung von Martin Rohde, der seiner Figur eine außergewöhnliche Tiefe verleiht.

Gleichzeitig verdeutlicht der Erfolg der Crowdfunding-Kampagne die starke Verbindung zwischen dem Projekt und seiner Community. Diese Unterstützung ermöglichte es dem Team unter der Leitung von Dominik Galizia, ihre künstlerische Vision ohne Kompromisse umzusetzen.

HEIKOS WELT bewahrt nicht nur ein Stück Berliner Kiezkultur, sondern erzählt auch eine zeitlose Geschichte über Menschlichkeit, Familie und Zusammenhalt. Der Film beweist eindrucksvoll, dass authentische Geschichten aus dem Herzen Berlins auch über die Grenzen der Stadt hinaus Menschen begeistern können.

Q1. Wer ist Heiko und wie entstand die Figur? 

Heiko ist eine beliebte Berliner Kultfigur, dargestellt von Martin Rohde. Die Figur entstand ursprünglich in einem Musikvideo und entwickelte sich dann zu einer erfolgreichen YouTube-Serie, bevor sie zum Protagonisten eines Kinofilms wurde.

Q2. Wie wurde der Film HEIKOS WELT finanziert? 

Der Film wurde hauptsächlich durch eine erfolgreiche Crowdfunding-Kampagne finanziert. Die Community unterstützte das Projekt mit fast 19.000 Euro, was die Produktion des abendfüllenden Spielfilms ermöglichte.

Q3. Was macht den Film HEIKOS WELT so authentisch? 

Die Authentizität des Films liegt in der Darstellung echter Berliner Locations, insbesondere der Kneipenkultur im Wedding. Zudem wurden echte Wirte und Laiendarsteller eingebunden, die sich selbst spielen und so das wahre Berliner Kiezleben einfangen.

Q4. Welche Auszeichnungen hat der Film erhalten? 

Beim Filmfest München wurde Martin Rohde für seine Darstellung des Heiko mit dem Förderpreis Neues Deutsches Kino als Bester Hauptdarsteller ausgezeichnet.

Q5. Worum geht es in der Handlung von HEIKOS WELT? 

Der Film erzählt die Geschichte von Heiko, einem Stammgast in Berliner Kneipen, der versucht, Geld für die Augenoperation seiner Mutter aufzutreiben. Um dies zu erreichen, tritt er gegen die besten Dartspieler der Stadt an.

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Ein tiefgehendes Gespräch über Dekolonisierung und die Welt der Requisiten mit Susanne Weirich und Robert Bramkamp.

Robert Bramkamp und Susanne Weirich | SOONER BLOG

Kolonialismus überwinden - Film dekolonisieren. Hinter den Kulissen mit Robert Bramkamp und Susanne Weirich

Ein tiefgehendes Gespräch über Dekolonisierung und die Welt der Requisiten mit Susanne Weirich und Robert Bramkamp

Neue SOONER Podcast Folge: Ein Interview mit dem Regio-Duo von DIE AUSSTATTUNG DER WELT

In unserer neuesten SOONER Podcast Folge begrüßen wir die kreativen Köpfe hinter dem Doku-Fiction Film DIE AUSSTATTUNG DER WELT – Susanne Weirich und Robert Bramkamp. Das Duo hat mit Projekten wie dem Sci-Fi-Film ART GIRLS und DIE AUSSTATTUNG DER WELT die Grenzen zwischen Film und bildender Kunst verwischt. In unserem Gespräch erfahren wir mehr über ihre beeindruckende Zusammenarbeit und die künstlerische Synergie, die ihre Werke so einzigartig macht.

DIE AUSSTATTUNG DER WELT ist eine einzigartige Mischung aus Dokumentarfilm und Fiktion, die einen tiefen Einblick in die Welt der Requisitenhäuser und die Arbeit von Requisiteur*innen bietet. Der Film, der seine Premiere bei DOK Leipzig feierte, thematisiert auch die Dekolonisierung. Weirich und Bramkamp beleuchten, wie die Requisitenwelt als Spiegel der realen Welt fungiert und koloniale sowie rassistische Werte reflektiert. Die Regisseur*innen erklären, warum dieses Thema ihnen so am Herzen liegt und wie sie es in ihren Film integriert haben.

WHATEVER HAPPEND TO MY REVOLUTION: "Der Film nimmt Arbeit und die Diskussion darüber, was das inzwischen noch sein kann und welche Rolle die Liebe dabei spielen kann, sehr ernst." 

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Entdecke Susannes und Roberts kuratierten Channel!

Toni Karat, non-binäre Künstler*in und Filmemacher*in aus Berlin, erzählt von dem Weg in die Filmindustrie, inspiriert durch das feministische Pornfilmfestival

toni karat - meltingpoint images

Sich selbst lieben! Queeres Leben im Patriarchat in NARCISSISM von Toni Karat

Toni Karat, non-binäre Künstler*in und Filmemacher*in aus Berlin.

Toni erzählt von dem Weg in die Filmindustrie, inspiriert durch das feministische Pornfilmfestival.

Toni Karat, Künstler*in und Filmemacher*in, erzählt von dem Weg in die Filmindustrie, inspiriert durch das feministische Pornfilmfestival Berlin. Toni realisierte nach dem Besuch eigenständig den ersten Kurzfilm und eignete sich autodidaktisch Filmtechniken an, sukzessive alle auch für einen Langfilm nötigen Gewerke. In den eigenen Werken setzt they sich mit queeren Lebensrealitäten, Selbstliebe und Patriarchatskritik auseinander, wobei größtmögliche Authentizität und ein unverstellter Blick im Vordergrund stehen.

 In Tonis neuestem Film, NARCISSISM - The Auto-Erotic Images, wird der intime Blick in den Spiegel erforscht, begleitet von Interviews über Gender, Narzissmus und Selbstliebe. 2022 gewann der Film auf dem Pornfilmfestival Berlin den Best Documentary Award und 5 weitere Dokumentarfilmpreise. Toni diskutiert im exklusiven SOONER-Interview auch die Herausforderungen des Filmemachens in Deutschland, wie aktuell komplexe Förderstrukturen und bürokratische Hürden bei der Produktion des neuen Dokumentarfilms und wünscht sich generell mehr Unterstützung für mutigere, experimentellere Projekte, wie auch von marginalisierten Gemeinschaften, um Vielfalt und Gerechtigkeit in der Filmbranche zu fördern. Durch Tonis filmisches Schaffen werden das Engagement für Selbstausdruck und die Überwindung von kreativen Barrieren reflektiert. Mehr Infos: https://meltingpointimages.wordpress.com/

OUT IN OST-BERLIN: "wichtige filmische schwullesbische Geschichtsschreibung in Ostberlin - im Spannungsfeld Alltag, politischer Aktivismus und Stasibeobachtung." (Toni Karat)

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Tamara Denić, die als Kleinkind vor dem Krieg im ehemaligen Jugoslawien nach Deutschland fliehen musste, ist eine aufstrebende Regisseurin, deren Werke weit über Ländergrenzen hinausgehen.

Tamara Denić | Sooner Blog

Gewinnerin des Student-Oscars über Freiheit, Migration und die Gefahr von Rechts.

Feminismus, Flucht und Filmkunst: Into The Wild Mentee Tamara Denić im Interview

"Wir sind noch lange nicht bei den 50 Prozent angekommen."

Tamara Denić, die als Kleinkind vor dem Krieg im ehemaligen Jugoslawien nach Deutschland fliehen musste, ist eine aufstrebende Regisseurin, deren Werke weit über Ländergrenzen hinausgehen. Mit ihrem Film ISTINA, der 2023 einen Student*innen-Oscar gewann, bringt sie individuelle Geschichten mit universellem Charakter auf die Leinwand. Der Film, teils in Belgrad gedreht, erzählt die bewegende Geschichte einer Fotojournalistin, die vor rechter Gewalt fliehen muss. 

In der neuen Folge des SOONER Podcast sprechen wir mit Tamara Denić über ihre Erfahrungen im Into The Wild-Mentoring, einem Mentoringprogramm für junge Frauen aus der Filmbranche. Ihre Überzeugung, dass Feminismus weiterhin von großer Bedeutung ist und intersektional sein muss, spiegelt sich nicht nur in ihrem Blick auf die Filmbranche wider, sondern auch in ihren Filmen. Diese setzen sich einfühlsam mit der weiblichen Erfahrung von Gefahr und Bedrohung auseinander und sind ab jetzt gemeinsam mit Tamaras kuratierten Filmempfehlungen auf SOONER verfügbar.

YUGODIVAS: "Der Film hat mich sehr bewegt, denn auch ich bin mit meinen Eltern 1992 vor dem Krieg geflohen und verstehe sehr gut, wie heilsam der kreative Schaffensprozess sein kann." (Tamara Denić)

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Wir freuen uns, in unserer neuesten SOONER Podcast-Episode die zwei aufstrebende Talente der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF, Adam Frag und Mandy Peterat,  begrüßen zu dürfen. Wir sprechen mit ihnen über ihren Kurzfilm STAINED SKIN – Ein Märchen, das sich metaphorisch mit den Missständen in der Fast-Fashion-Industrie auseinandersetzt.

Adam Graf und Mandy Peterat | SOONER BLOG

STAINED SKIN – Fast-Fashion im Film - Wie Student*innen sich widersetzen 

STAINED SKIN führt in eine dystopische Textilfabrik, in der zwei junge Arbeiterinnen, Alba und Samy, in den rhythmischen Takt der Maschinen eingebunden sind.

Neue SOONER Podcast Folge: Ein Interview mit dem Regio-Duo von STAINED SKIN

Wir freuen uns, in unserer neuesten SOONER Podcast-Episode zwei aufstrebende Talente der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF begrüßen zu dürfen: Adam Graf und Mandy Peterat. Adam, geboren 1995 in Österreich, hat sich als Kameramann bereits international einen Namen gemacht, während Mandy, 1993 in Berlin geboren, aus einer traditionsreichen Schneidersfamilie stammt und ihre Leidenschaft für bildende Kunst und Raumgestaltung in die Welt des Films überträgt. Gemeinsam haben sie den Kurzfilm STAINED SKIN geschaffen, der nun auf Sooner verfügbar ist.

STAINED SKIN führt in eine dystopische Textilfabrik, in der zwei junge Arbeiterinnen, Alba und Samy, in den rhythmischen Takt der Maschinen eingebunden sind. Die Geschichte nimmt eine mystische Wendung, als Alba beginnt, die Geschichte von Nanami zu erzählen, einem Mädchen, das am Meeresgrund lebt und versucht, sich aus der Versklavung zu befreien. Der Film verschmilzt Realität und Märchen und setzt sich metaphorisch mit den Missständen in der Fast-Fashion-Industrie auseinander. Adam und Mandy haben in ihrer ersten gemeinsamen Regiearbeit die Grenzen ihrer bisherigen Rollen als Kameramann und Szenenbildnerin überschritten und gemeinsam mit den magischen Animationen von Andrei Ebinca eine visuell beeindruckende und tiefgründige Erzählung geschaffen. 

In unserem Podcast sprechen wir mit Adam und Mandy über ihren Weg zum Filmemachen, die Entstehung und die Herausforderungen bei der Produktion von "Stained Skin" und ihre Erfahrungen an der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF. Sie geben spannende Einblicke in ihre kreative Zusammenarbeit und teilen ihre Einblicke in die Filmbranche. Hört rein und lernt die beiden Regisseur*innen hinter den Kulissen kennen!

Einem der Hotspots für die nächste Generation von Filmschaffenden für innovatives und begeisterndes Kino.

Entdecke in unserem Filmuni Channel noch mehr Talente

Ayla Yildiz hat mit ihrem Dokumentarfilm Me Time eine bewegende Dokumentation geschaffen, die kinderfreies Leben, idealisierte Mutterrollen und den gesellschaftlichen Druck auf Frauen offen anspricht. In unserer SOONERCAST-Folge beschreibt Ayla den Film mit einem Wort: "Selbstbestimmung".

Ayla Yildiz | SOONER BLOG

Im SOONER-Podcast spricht Ayla Yildiz über die Entstehung von ME TIME und warum das Thema Selbstbestimmung ihr so wichtig ist.

Kinderfrei und glücklich: Die unbequeme Wahrheit hinter ME TIME

Ayla Yildiz hat mit ihrem Dokumentarfilm ME TIME eine bewegende Dokumentation geschaffen, die kinderfreies Leben, idealisierte Mutterrollen und den gesellschaftlichen Druck auf Frauen offen anspricht. In unserer SOONERCAST-Folge beschreibt Ayla den Film mit einem Wort: "Selbstbestimmung". Dieses zentrale Thema zieht sich wie ein roter Faden durch die Geschichten der sechs Protagonist*innen, die über persönliche Erlebnisse rund um Schwangerschaftsabbruch, ungewollte Schwangerschaft, Sterilisation, Regretting Motherhood und das Leben ohne Kinder berichten.

Me Time hebt sich durch seine ehrliche Herangehensweise ab. Als erster Kinofilm überhaupt, der das Tabuthema Regretting Motherhood behandelt, hat er viele Diskussionen ausgelöst und wurde mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet, darunter Best Director – Documentary beim Berlin Indie Film Festival und Best Cinematography beim New York International Women Festival.

SOONER Podcast über Tabubrüche, Selbstbestimmung und den komplexen Zusammenhang von Familie und Gender Equality

Im SOONER-Podcast spricht Ayla Yildiz über die Entstehung von ME TIME und warum das Thema Selbstbestimmung ihr so wichtig ist. Sie erklärt, wie die Wortwahl – "kinderlos" vs. "kinderfrei" – die öffentliche Wahrnehmung stark beeinflussen kann und warum es wichtig ist, Themen wie Regretting Motherhood zu enttabuisieren.

Ayla betont, dass sie mit Me Time nicht nur eine Debatte anstoßen, sondern auch Raum für Reflexion schaffen möchte: über die Freiheiten und Rechte, die Frauen in Bezug auf ihre eigenen Lebensentscheidungen haben sollten. Besonders in Zeiten, in denen konservative Wählerströme zunehmen, sieht sie es als notwendig an, die Selbstbestimmung von Frauen weiter zu stärken. Zudem teilt Ayla im Podcast ihre Leseempfehlungen zum Thema und stellt ihren kuratierten SOONER-Channel vor.

Entdecke die kuratierte Filmauswahl von Ayla Yildiz

Ainara Vera, Regisseurin und Editorin aus Spanien, hat sich schnell als aufstrebende Persönlichkeit im Filmemachen etabliert. In dem SOONER Podcast besprechen wir Ainara’s Langfilm-Debüt POLARIS.

Ainara Vera | Sooner Blog

Die Kapitänin im Eismeer und ihre kleine Schwester. POLARIS von Ainara Vera. 

Mütter und Schwestern im Fokus: POLARIS-Regisseurin Ainara Vera im SOONER Podcast

Das intime Porträt zweier Schwestern zwischen der Hohen See der Arktis und Südfrankreich hatte seine Premiere auf dem Cannes Filmfestival

Ainara Vera, Regisseurin und Editorin aus Spanien, hat sich schnell als aufstrebende Persönlichkeit im Filmemachen etabliert. Im SOONER Podcast besprechen wir Ainaras Langfilm-Debüt POLARIS. Der Dokumentarfilm erzählt die Geschichte von Hayat und ihrer Schwestern Leila. Die ältere Schwester ist erfahrene Kapitänin, die durch die Arktis segelt und dabei weit entfernt von Menschen und ihrer schwierigen Jugend in Frankreich navigiert. Als ihre kleine Schwester Leila ein Baby zur Welt bringt, verspricht dies einen Neuanfang für ihre Familie - eine Chance auf eine bessere Zukunft für die nächste Generation. Wir erleben, wie sich die Welten der Schwestern auf den Kopf stellen, jede auf einer tief persönlichen Reise. Ainara offenbart im Interview mit SOONER wie sie das Vertrauen der Schwestern gewann, um sie in den intimsten Momenten ihres Lebens begleiten zu dürfen.

Der Film feierte seine Weltpremiere im Rahmen des ACID-Programms auf dem Cannes Film Festival 2022 und fängt die Ängste und Herausforderungen ein, denen Frauen in einer von Männern dominierten Welt gegenüberstehen. Der Film macht die schwierigen Situationen deutlich, mit denen Hayat konfrontiert ist, wenn sie als Frau wochenlang auf einem Boot mit Männern zusammenlebt. Letztendlich ist POLARIS aber eine Liebesgeschichte, nicht nur zwischen den zwei Schwestern, sondern auch zur weiblichen Kraft und Durchsetzungsfähigkeit.

Zu ihren Filmtipps gehören THE NIGHT OF THE KINGS und BROTHERS KEEPER, die jeweils auf ihre eigene Weise die menschliche Erfahrung und die Suche nach Wahrheit und Gerechtigkeit einfangen.

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DEFA Märchenfilm - Die DEFA-Märchenfilme gehören zu den erfolgreichsten Produktionen der deutschen Filmgeschichte, mit beeindruckenden Zuschauerzahlen

DEFA Märchenfilm

Die verborgene Geschichte der DEFA Märchenfilme: Was Sie noch nie wussten

Die DEFA-Märchenfilme gehören zu den erfolgreichsten Produktionen der deutschen Filmgeschichte, mit beeindruckenden Zuschauerzahlen von bis zu 12,9 Millionen Kinobesuchern für DIE GESCHICHTE VOM KLEINEN MUCK im Jahr 1953.

Tatsächlich war die DEFA das erste Filmstudio in den vier Besatzungszonen, das nach 1945 eine Lizenz erhielt. Mit der Produktion von DAS KALTE HERZ im Jahr 1950 begann eine neue Ära des deutschen Märchenfilms, die fast 9,8 Millionen Menschen in die Kinos lockte. Darüber hinaus wurden diese Filme für ihre handgearbeiteten Kostüme und innovativen Spezialeffekte bekannt.

Diese Märchenfilme, die oft auf den Geschichten der Brüder Grimm und Hans Christian Andersen basieren, sind bis heute fester Bestandteil des kulturellen Erbes und werden regelmäßig im Fernsehen ausgestrahlt. Besonders "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel" hat sich zu einem beliebten Weihnachtsklassiker entwickelt, der auf Schloss Moritzburg gedreht wurde.

Beruhend auf dem Märchen "Die Geschichte von dem kleinen Muck" von Wilhelm Hauff, erzählt Wolfgang Staudte die Geschichte des kleinen Jungen, der mit Zauberpantoffeln und einem magischen Stock auf der Suche nach dem Kaufmann ist, der das Glück zu verkaufen hat.

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Anfänglich zögerte die DEFA mit der Produktion von Märchenfilmen, da die Grimmschen Märchen in der sowjetischen Besatzungszone als zu illusionär-romantisch und mystisch galten. Allerdings änderte sich diese Haltung, als Wolff von Gordon 1948 eine Verfilmung des Märchens DAS KALTE HERZ vorschlug.

DAS KALTE HERZ wurde zum Meilenstein der deutschen Filmgeschichte. Die Produktion verschlang knapp 4 Millionen Mark und schuf in den Babelsberger Ateliers eine komplette Schwarzwald-Landschaft. Der Drehstab umfasste bis zu 50 Personen. Trotz der immensen Kosten erreichte der Film beeindruckende 9,8 Millionen Kinobesucher.

Paul Verhoeven verfilmte das Märchen von Wilhelm Hauff als ersten DEFA-Farbfilm. Dieser gilt als Beginn der DEFA Kinderfilm-Produktionen.

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Die technischen Herausforderungen der frühen DEFA-Märchenfilme waren beträchtlich:

•	Entwicklung der Agfacolor-Technologie

•	Aufwendige Tricktechnik für Spezialeffekte

Anschließend folgte 1953 "Die Geschichte vom kleinen Muck" unter der Regie von Wolfgang Staudte, der mit 12,9 Millionen Kinobesuchern zum erfolgreichsten Film der DDR wurde. Darüber hinaus erreichten die nachfolgenden Märchenproduktionen durchschnittlich vier bis fünf Millionen Zuschauer.

Ein bemerkenswerter Misserfolg war die Verfilmung "Das Kleid" nach Hans Christian Andersen, die 1961 als einziger DEFA-Märchenfilm verboten wurde. Dennoch setzte sich die Tradition des Märchenfilms erfolgreich fort, insbesondere mit Produktionen wie "Die goldene Gans" (1964) und "Wer reißt denn gleich vor'm Teufel aus" (1977).

In dieser Verfilmung des Grimmschen Märchen von Siegfried Hartmann bekommt ein Schuster eine golden Gans als Dank für seine barmherzigkeit.

Die technische Magie hinter den DEFA-Märchenfilmen entstand durch sorgfältige Handarbeit. Ernst Kunstmann, der führende Trickspezialist der DEFA, entwickelte die Trickabteilung zu einer wahren Manufaktur, wobei jeder Effekt speziell für den jeweiligen Film maßgeschneidert wurde.

Der Spiegeltrick wurde zu einer der wichtigsten Innovationen. Diese Technik ermöglichte es, zwei Objekte aus verschiedenen Teilen des Raums in einem Bild zusammenzubringen. Besonders eindrucksvoll zeigte sich dies in DAS KALTE HERZ, wo von etwa 400 Einstellungen etwa 80 mit aufwendigen Trickaufnahmen verbunden waren.

Darüber hinaus entwickelte das Team kreative Lösungen für besondere Effekte. In DAS KALTE HERZ wurde beispielsweise eine spezielle Palette mit zuckenden Herzen konstruiert, die mit roter Flüssigkeit gefüllt waren. Ein Mitarbeiter pumpte diese von hinten, um die dramatische Bewegung zu erzeugen.

Die Trickabteilung wuchs stetig. Anfangs bestand sie aus Kunstmann selbst, einem Bühnenarbeiter, einem Kameraassistenten und seiner Tochter Vera. Außerdem wurde 1964 die Abteilung Tricktechnik offiziell gegründet.

Ein bedeutender technischer Fortschritt war die Anschaffung der optischen Trickkopiermaschine OXBERRY, die neue gestalterische Möglichkeiten eröffnete. Dennoch blieb die handwerkliche Präzision im Vordergrund. Für DAS SINGENDE, KLINGENDE BÄUMCHEN (1957) entstanden beeindruckende Effekte: Ein Prinz verwandelte sich in einen Bären, ein Pferd versteinerte und ein Wasserfall gefror innerhalb von Sekunden zu Eis.

Mit dem Ende der 1980er Jahre stand die Trickabteilung vor neuen Herausforderungen. Das digitale Zeitalter begann die traditionellen Verfahren zu verdrängen. Zum Zeitpunkt des Mauerfalls zählte die Abteilung unter Uwe Fleischer 40 Mitarbeiter, die sich weiterhin der Titelgestaltung, dem Zeichentrick und optischen Tricks widmeten.

Francesco Stefanis Interpretation dieses Grimmschen Märchenfragments gilt als eine der besten Märchenproduktionen der DEFA-Filmgeschichte und wurde auch vom BBC gezeigt.

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Die internationale Reichweite der DEFA-Märchenfilme begann bereits 1957 mit der ersten Co-Produktion "Die Abenteuer des Till Ulenspiegel", die in Zusammenarbeit mit Frankreich entstand. Diese Kooperation, die durch die Vermittlung von Joris Ivens und Wladimir Pozner zustande kam, öffnete neue Türen für weitere internationale Projekte.

Besonders erfolgreich gestaltete sich die Zusammenarbeit mit den tschechoslowakischen Barrandov-Studios. Der bekannteste Film dieser Kooperation, "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel" (1973), wurde in den Prager Studios sowie an verschiedenen Drehorten in der DDR produziert. Darüber hinaus entstanden weitere erfolgreiche Produktionen wie "Der Katzenprinz" (1979), dessen Dreharbeiten sich über 51 Tage erstreckten und an verschiedenen Orten wie Göhren, dem Tierpark Berlin und dem Fasanenschlösschen in Moritzburg stattfanden.

Die Zusammenarbeit mit sozialistischen Ländern wurde durch spezielle Filmkonferenzen koordiniert. Außerdem entwickelte sich ein regelmäßiger Austausch zwischen den Filmschaffenden, der zur Gründung verschiedener internationaler Organisationen führte. Diese Kooperationen dienten nicht nur dem kulturellen Austausch, sondern auch der technischen Weiterentwicklung.

Die internationale Anerkennung der DEFA-Märchenfilme zeigt sich besonders in ihrer weltweiten Verbreitung. Dennoch gab es auch Herausforderungen: In Westdeutschland wurden die Filme zunächst kritisch geprüft, insbesondere beim Import aus sozialistischen Ländern. Die DEFA Film Library in den USA arbeitet eng mit dem Goethe-Institut zusammen und verbreitet die Märchenfilme im akademischen Kontext.

Bemerkenswerte internationale Erfolge waren:

•	Regelmäßige Präsenz auf internationalen Filmfestivals

•	Besondere Anerkennung für innovative Spezialeffekte und Tricktechnik

Die internationale Zusammenarbeit führte zu einer Bereicherung der Filmsprache, da sich die DEFA-Filmemacher mit ihren west- und osteuropäischen Kollegen austauschten und von Bewegungen wie der Nouvelle Vague in Frankreich beeinflusst wurden.

Hinter den Kulissen der DEFA-Märchenfilme verbergen sich faszinierende Geschichten von Filmemachern, deren Schicksale oft unerzählt blieben.

Gottfried Kolditz prägte als vielseitiger Regisseur das DEFA-Studio maßgeblich. Seine Filme erreichten beeindruckende Zuschauerzahlen: "Die schöne Lurette" lockte 2,8 Millionen, "Schneewittchen" 2,5 Millionen und "Spur des Falken" sogar 3,2 Millionen Besucher in die Kinos. Allerdings kämpfte er oft mit technischen Einschränkungen, besonders beim Farbfilmmaterial ORWO, das zu unempfindlich war und zu wenig Farbbrillanz besaß.

Karla Runkehl gehörte zu den vergessenen Talenten der DEFA. Sie spielte bereits mit 26 Jahren anspruchsvolle Charakterrollen. Außerdem verdient Christel Bodenstein besondere Erwähnung - sie wurde 1960 von den Lesern des Jugendmagazins "Neues Leben" zur beliebtesten Schauspielerin der DDR gewählt. Darüber hinaus brillierte sie in der Rolle der Prinzessin Tausendschön im DAS SINGENDE, KLINGENDE BÄUMCHEN.

Die DEFA-Geschichte ist auch von nicht realisierten Projekten geprägt. Besonders erwähnenswert sind:

"Einer zuviel im Lunakurier" nach Klaus Beuchler - scheiterte bereits in der Drehbuchphase

"Zimtpiraten" - ein geplanter Piratenfilm mit Gert Fröbe, der nach dem plötzlichen Tod von Gottfried Kolditz nicht realisiert wurde

"John Barleycorn" nach Jack London - blieb unvollendet

Dennoch gab es auch erfolgreiche Wendungen: Rudolf Jürschik setzte sich als Chefdramaturg intensiv für die Erweiterung künstlerischer Perspektiven ein. Seine detaillierten Erinnerungen gewähren einen tiefen Einblick in den Entstehungsprozess vieler Filme und die kulturpolitische Entwicklung in der DDR.

Wer reißt den gleich vor'm Teufel aus? (1977)

Egon Schlegel interpretiert das grimmsche Märchen „Der Teufel mit den drei goldenen Haaren“ mit einer komödiantischen Note.

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Der in der DDR entstandene DEFA-Film ist eine Adaption des Grimm'schen Märchens Rumpelstilzchen nach der Inszenierung des Hans Otto Theaters Potsdam.

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Die Verfilmung von Hans Christian Andersens Vorlage zählt zu den erfolgreichsten DEFA-Märchenfilme.

Der Prinz hinter den sieben Meeren (1982)

Ein DEFA-Märchenfilm nach dem Märchen der Gebrüdern Grimm über das Halten von Versprechen, Aufopferung und Treue unter der Regie von Walter Beck.

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Die DEFA-Märchenfilme stellen zweifellos einen bedeutenden Meilenstein der deutschen Filmgeschichte dar. Diese einzigartigen Produktionen haben nicht nur Millionen Menschen begeistert, sondern auch technische Innovationen vorangetrieben.

Besonders bemerkenswert erscheint die Tatsache, dass diese Filme trotz erheblicher technischer und politischer Herausforderungen entstanden sind. Die handgefertigten Spezialeffekte der Trickabteilung, die internationalen Kooperationen und das Engagement der Filmemacher haben gemeinsam ein faszinierendes Kapitel deutscher Filmkunst geschrieben.

Die Geschichte der DEFA-Märchenfilme zeigt deutlich, wie kreative Visionen auch unter schwierigen Bedingungen verwirklicht werden können. Während einige Projekte unvollendet blieben, haben andere wie "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel" oder DAS KALTE HERZ bis heute nichts von ihrer Strahlkraft verloren.

Diese Filme bleiben nicht nur wertvolle Zeitdokumente, sondern begeistern auch nachfolgende Generationen durch ihre zeitlose Magie und handwerkliche Qualität. Sie bezeugen eindrucksvoll, dass echte Filmkunst weder Grenzen noch Zeit kennt.

Q1. Was war die DEFA und wofür ist sie bekannt? 

Die DEFA (Deutsche Film AG) war das erste Filmstudio nach 1945 in den Besatzungszonen Deutschlands. Sie ist besonders für ihre Märchenfilme bekannt, die Millionen Zuschauer in die Kinos lockten und bis heute Teil des kulturellen Erbes sind.

Q2. Welcher DEFA-Märchenfilm war der erfolgreichste?

DIE GESCHICHTE VOM KLEINEN MUCK aus dem Jahr 1953 war mit 12,9 Millionen Kinobesuchern der erfolgreichste DEFA-Märchenfilm und zugleich der meistgesehene Film der DDR.

Q3. Wie wurden die Spezialeffekte in den DEFA-Märchenfilmen erstellt?

Die Spezialeffekte wurden hauptsächlich handgemacht. Die Trickabteilung der DEFA entwickelte innovative Techniken wie den Spiegeltrick und nutzte kreative Lösungen, um beeindruckende visuelle Effekte zu erzeugen.

Q4. Gab es internationale Zusammenarbeit bei den DEFA-Märchenfilmen?

Ja, die DEFA arbeitete international zusammen, besonders mit tschechoslowakischen Studios. Ein bekanntes Beispiel ist "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel", der in Zusammenarbeit mit den Prager Barrandov-Studios entstand.

Q5. Wo wurden die DEFA-Märchenfilme gedreht?

Die DEFA-Märchenfilme wurden an verschiedenen Orten gedreht. Neben den Babelsberger Studios dienten auch Schlösser wie Moritzburg als Kulisse. Für "Dornröschen" wurde beispielsweise Schloss Hartenfels in eine märchenhafte Filmkulisse verwandelt.

Die Märchenfilme der DEFA gehören zu den Klassikern des deutschen Kinderfilms. Generationen sind mit diesen fantasievollen Geschichten aufgewachsen, die noch heute ihren Zauber bewahren. Jetzt kannst du viele dieser Filmklassiker bei Sooner entdecken. Von bekannten DEFA Märchensammlungen bis hin zu weniger bekannten Schätzen: Die Plattform bietet eine Auswahl an DDR Märchenfilmen, die sowohl Nostalgiker als auch neue Zuschauer in ihren Bann ziehen. Wer alte DDR Märchenfilme sucht, findet hier eine Liste beliebter Titel – alle als ganze Filme abrufbar. Ob du eine vollständige DDR Märchen Liste suchst oder einfach einen gemütlichen Filmabend mit den schönsten Märchen der DEFA verbringen möchtest – auf Sooner wirst du fündig. Tauche ein in die Welt klassischer DEFA Märchenfilme und erlebe zeitlose Geschichten voller Magie und Abenteuer.

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Vom Fußballverein, über die Bühne im Theater, hinter die Kamera. Die Hamburger Regisseurin Justina Jürgensen spricht im SOONER-Interview über ihren beeindruckenden Werdegang zur Regisseurin

Justina Jürgensen - Into the Wild Mentoring

Bayern München und Feminismus. Als Frau im Fußball und in der Filmwelt mit Justina Jürgensen

Die Hamburger Regisseurin Justina Jürgensen spricht im SOONER-Interview über ihren beeindruckenden Werdegang zur Regisseurin.

Vom Fußballverein, über die Bühne im Theater, hinter die Kamera.

Vom Fußballverein, über die Bühne im Theater, hinter die Kamera. Die Hamburger Regisseurin Justina Jürgensen spricht im SOONER-Interview über ihren beeindruckenden Werdegang zur Regisseurin und über Sexismus und Heteronormativität - nicht nur im Fußball. 2006 während der WM packte die junge Justina das Fußballfieber. Eine Mädchenmannschaft gab es nicht, also spielte sie mit den Jungs im Verein. Als junge Erwachsene gestand sie sich ein, dass es im Profifußball für Frauen nicht besonders rosig aussieht - und so fokussierte sie sich auf ihre andere große Leidenschaft: das Schauspiel und Theater. Als Regieassistentin im Theater packte sie der Wunsch, selbst einmal die Geschichten zu erzählen. Der Traum wurde Realität: 2017 begann sie ihr Studium an der Hochschule für Fernsehen und Film München und arbeitet an ihren eigenen Filmen als Regisseurin und Autorin.

Ihr Film WHAT THE FUCK IS GOING ON BETWEEN US, FUCK?, der auch auf SOONER zur Verfügung steht, spielt im Kosmos des Frauenfußballs und handelt von einer lesbischen Liebesbeziehung in der Mannschaft. Wieder war es die Fußballweltmeisterschaft, die sie inspirierte, sodass sie aktuell eine Serie über die Welt des Frauenfussballs entwickelt. Diesmal aber geht sie mit dem Sport härter ins Gericht: Die sexistischen Strukturen, findet sie, gehören auf den Scheiterhaufen. Diese gibt es leider nicht nur im Sport, sondern auch in der Filmbranche. Dagegen setzt sich das Into The Wild Mentoring Programm ein. Durch die gezielte Förderung von weiblichen Nachwuchstalenten aus der Branche, wie auch Justina, soll für mehr Vielfalt und Gerechtigkeit in der Industrie gesorgt werden. Justina ist dankbar für das Mentoring, da hier dazu aufgerufen wird, sich gegenseitig zu unterstützen und Banden zu bilden, statt sich mit Ellenbogen durchzukämpfen. Denn wie Fußball ist auch Film ein Teamsport! Justina ist ein politischer Mensch. Einer ihrer Lieblingsfilme ist der DEFA-Film DIE MÖRDER SIND UNTER UNS - ein Nachkriegsfilm, in dem die Filmschaffenden schon kurz nach Ende des Zweiten Weltkrieges verstanden und reflektiert haben, welche Grausamkeiten geschehen sind und sich im zertrümmerten Berlin mit der deutschen Kriegsschuldfrage befasst haben. Der Rechtsruck besorgt sie, und sie sieht eine Verantwortung unter Künstler*innen, sich dagegen einzusetzen. Das gesamte Interview ist für euch ab jetzt verfügbar, genauso wie Justinas kuratierten Filmempfehlungen. Jetzt reinhören!

I KILLED MY MOTHER (Xavier Dolan): "Was für ein furioses Debut! Zart und kraftvoll zugleich." (Justina Jürgensen)

Ivette Löcker hinterfragt in ihren Dokumentarfilmen nicht nur gesellschaftliche Strukturen, sondern schärft auch den Blick für die Komplexität menschlicher Beziehungen. Ihr neuester Film Unsere Zeit wird kommen feierte kürzlich Premiere auf der Berlinale. Der Film begleitet ein interkulturelles Paar in Wien, das mit den Herausforderungen lebt, die durch kulturelle Unterschiede entstehen -- auf dem Weg in eine gemeinsame Zukunft als Familie.

Ivette Löcker | SOONER BLOG

Ivette Löcker: Über widersprüchliche Beziehungen, interkulturelle Liebe und das Übersehene

Ivette Löcker hinterfragt in ihren Dokumentarfilmen nicht nur gesellschaftliche Strukturen, sondern schärft auch den Blick für die Komplexität menschlicher Beziehungen. Ihr neuester Film Unsere Zeit wird kommen feierte kürzlich Premiere auf der Berlinale. Der Film begleitet ein interkulturelles Paar in Wien, das mit den Herausforderungen lebt, die durch kulturelle Unterschiede entstehen -- auf dem Weg in eine gemeinsame Zukunft als Familie. Die Frage, wie Liebe über diese Grenzen hinweg gedeihen kann, steht im Zentrum des Films, während gesellschaftliche Diskriminierung, Rassismus und bürokratische Kämpfe ein stetiger Begleiter sind.

Ivettes Weg in das Filmemachen war alles andere als geradlinig. Ursprünglich in der Slawistik zuhause, führte sie ihr Studium von der Literatur zu den Geschichten von Menschen, die sich am Rand der Gesellschaft bewegen. Ihre Filme sind ein Experimentierfeld für unkonventionelle Erzählweisen und die Erforschung von Themen, die oft übersehen werden. Sei es das Leben eines heroinabhängigen Paares in WENN ES BLENDET, ÖFFNE DIE AUGEN oder die Darstellung der Berliner Nacht in NACHTSCHICHTEN – Ivette Löckers Blick bleibt stets feinfühlig und präzise, aber auch unerschrocken, wenn es darum geht, schwierige Themen anzusprechen und sie aus einer neuen Perspektive zu zeigen.

In unserem Gespräch gibt Ivette Löcker einen exklusiven Einblick in den kreativen Prozess hinter ihren Dokumentarfilmen und erklärt, warum es für sie immer wieder um die Frage geht: Wie gibt man übersehenen Lebensrealitäten eine Stimme?

Entdecke die kuratierte Filmauswahl von Ivette Löcker

Berlinale Programm ist Online! Entdecke den Werdegang der Berlinale-Talente mit Sooner
Die Berlinale steht vor der Tür, und mit ihr eine Reihe von Filmen und Regisseur:innen, die nicht nur im Wettbewerb um die begehrten Preise kämpfen, sondern auch auf der Sooner-Plattform zu finden sind. Diese spannende Schnittstelle zwischen einem der größten Filmfestivals der Welt und der kuratierten Auswahl von Sooner bietet Filmliebhaber*innen eine exklusive Möglichkeit, mehr zu entdecken und das Festival-Erlebnis zu vertiefen. In diesem Blogbeitrag zeigen wir dir, welche faszinierenden Überschneidungen es gibt und wie du die Berlinale-Atmosphäre auf Sooner verlängern kannst.

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Entdecke den Werdegang der Berlinale-Talente mit Sooner

Die Berlinale steht vor der Tür, und mit ihr eine Reihe von Filmen und Regisseur:innen, die nicht nur im Wettbewerb um die begehrten Preise kämpfen, sondern auch auf der Sooner-Plattform zu finden sind. Diese spannende Schnittstelle zwischen einem der größten Filmfestivals der Welt und der kuratierten Auswahl von Sooner bietet Filmliebhaber*innen eine exklusive Möglichkeit, mehr zu entdecken und das Festival-Erlebnis zu vertiefen. In diesem Blogbeitrag zeigen wir dir, welche faszinierenden Überschneidungen es gibt und wie du die Berlinale-Atmosphäre auf Sooner verlängern kannst.

Berlinale Competition: "The Blue Trail" und "Time Stamp"

Ein besonders aufregendes Highlight des Berlinale Programm ist der Wettbewerb, in dem Regisseur Gabriel Mascaro mit "The Blue Trail" vertreten ist. Dieser Film fügt sich perfekt in die Reihe herausragender Werke ein, die unter anderem auch Mascaros frühere Filme NEON BULL und DIVINE LOVE umfassen. Beide Werke sind auf Sooner verfügbar und bieten einen tiefen Einblick in Mascaros einzigartige Erzählweise und visuelle Ästhetik. Wer sich dieses Jahr die hochkarätigen Filme im Berlinale Palast ansieht, kann sich auf eine unvergessliche Leinwand-Erfahrung freuen.

Ebenfalls im Wettbewerb vertreten ist "Time Stamp" von Kateryna Gornostai, die bereits mit ihrem preisgekrönten Film STOP-ZEMLIA für Aufsehen sorgte. "Time Stamp" ist ein weiteres Beispiel für Gornostais Talent, komplexe menschliche Beziehungen in einem dokumentarischen, fast schon intimen Stil zu beleuchten. Auf Sooner findest du zudem STOP-ZEMLIA – ein Film, der die Coming-of-Age-Erfahrungen einer Jugendlichen in der Ukraine auf eindrucksvolle Weise einfängt.

Berlinale Panorama: "Delicious", "Other People’s Money" und "Paul"

Auch die Panorama-Sektion der Berlinale bietet spannende Entdeckungen. Ein besonderes Highlight im Berlinale Programm ist "Delicious", der Debütfilm der Schauspielerin Nele Mueller-Stöfen als Regisseurin. Nele, die auf Sooner in ALL MY LOVING eine beeindruckende Schauspielperformance liefert, zeigt in ihrem eigenen Film ihre Fähigkeit, zwischen den Rollen als Schauspielerin und Regisseurin zu wechseln. "Delicious" wird die Berlinale sicher bereichern, und wer Nele bereits auf Sooner erlebt hat, wird ihren Debütfilm mit noch mehr Begeisterung erwarten. Wer diese Premiere im Berlinale Palast verfolgt, darf sich auf eine unvergessliche Erfahrung freuen, wenn das Filmteam mit Applaus und Anerkennung begrüßt wird.

Weiterhin dürfen wir "Other People’s Money" von Jan Schomburg hervorheben, das ebenfalls in der Panorama-Sektion zu sehen ist. Jan Schomburg ist ein kreativer Geist, dessen Filme in ihrer emotionalen Tiefe und stilistischen Raffinesse faszinieren. Auf Sooner findest du gleich zwei seiner Werke: ÜBER UNS DAS ALL mit Sandra Hüller in der Hauptrolle – und der ebenso bewegende Film VERGISS MEIN ICH, in dem Sandra Hüller, Ronald Zehrfeld und Johannes Krisch mitspielen.

Ein weiterer beeindruckender Film im Panorama ist "Paul" von Denis Côté, der in seiner Erkundung der menschlichen Psyche tief eintaucht. Für Côté-Fans bietet Sooner ebenfalls die Möglichkeit, mehr von ihm zu entdecken – etwa in THAT KIND OF SUMMER, einem Film, der ebenfalls seine charakteristische Mischung aus poetischer Erzählweise und tiefgehender Analyse der menschlichen Natur zeigt.

Berlinale Forum: "Ancestral Visions of the Future" und "The Kiss of the Grasshopper"

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