Ivette Löcker hinterfragt in ihren Dokumentarfilmen nicht nur gesellschaftliche Strukturen, sondern schärft auch den Blick für die Komplexität menschlicher Beziehungen. Ihr neuester Film Unsere Zeit wird kommen feierte kürzlich Premiere auf der Berlinale. Der Film begleitet ein interkulturelles Paar in Wien, das mit den Herausforderungen lebt, die durch kulturelle Unterschiede entstehen -- auf dem Weg in eine gemeinsame Zukunft als Familie.

Ivette Löcker | SOONER BLOG

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Ivette Löcker: Über widersprüchliche Beziehungen, interkulturelle Liebe und das Übersehene

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Ivette Löcker hinterfragt in ihren Dokumentarfilmen nicht nur gesellschaftliche Strukturen, sondern schärft auch den Blick für die Komplexität menschlicher Beziehungen. Ihr neuester Film Unsere Zeit wird kommen feierte kürzlich Premiere auf der Berlinale. Der Film begleitet ein interkulturelles Paar in Wien, das mit den Herausforderungen lebt, die durch kulturelle Unterschiede entstehen -- auf dem Weg in eine gemeinsame Zukunft als Familie. Die Frage, wie Liebe über diese Grenzen hinweg gedeihen kann, steht im Zentrum des Films, während gesellschaftliche Diskriminierung, Rassismus und bürokratische Kämpfe ein stetiger Begleiter sind.

Ivettes Weg in das Filmemachen war alles andere als geradlinig. Ursprünglich in der Slawistik zuhause, führte sie ihr Studium von der Literatur zu den Geschichten von Menschen, die sich am Rand der Gesellschaft bewegen. Ihre Filme sind ein Experimentierfeld für unkonventionelle Erzählweisen und die Erforschung von Themen, die oft übersehen werden. Sei es das Leben eines heroinabhängigen Paares in Wenn es blendet, öffnet die Augen oder die Darstellung der Berliner Nacht in Nachtschichten – Ivette Löckers Blick bleibt stets feinfühlig und präzise, aber auch unerschrocken, wenn es darum geht, schwierige Themen anzusprechen und sie aus einer neuen Perspektive zu zeigen.

In unserem Gespräch gibt Ivette Löcker einen exklusiven Einblick in den kreativen Prozess hinter ihren Dokumentarfilmen und erklärt, warum es für sie immer wieder um die Frage geht: Wie gibt man übersehenen Lebensrealitäten eine Stimme?

Entdecke die kuratierte Filmauswahl von Ivette Löcker

DEFA Märchenfilm - Die DEFA-Märchenfilme gehören zu den erfolgreichsten Produktionen der deutschen Filmgeschichte, mit beeindruckenden Zuschauerzahlen

DEFA Märchenfilm

Die verborgene Geschichte der DEFA Märchenfilme: Was Sie noch nie wussten

Die DEFA-Märchenfilme gehören zu den erfolgreichsten Produktionen der deutschen Filmgeschichte, mit beeindruckenden Zuschauerzahlen von bis zu 12,9 Millionen Kinobesuchern für DIE GESCHICHTE VOM KLEINEN MUCK im Jahr 1953.

Tatsächlich war die DEFA das erste Filmstudio in den vier Besatzungszonen, das nach 1945 eine Lizenz erhielt. Mit der Produktion von DAS KALTE HERZ im Jahr 1950 begann eine neue Ära des deutschen Märchenfilms, die fast 9,8 Millionen Menschen in die Kinos lockte. Darüber hinaus wurden diese Filme für ihre handgearbeiteten Kostüme und innovativen Spezialeffekte bekannt.

Diese Märchenfilme, die oft auf den Geschichten der Brüder Grimm und Hans Christian Andersen basieren, sind bis heute fester Bestandteil des kulturellen Erbes und werden regelmäßig im Fernsehen ausgestrahlt. Besonders "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel" hat sich zu einem beliebten Weihnachtsklassiker entwickelt, der auf Schloss Moritzburg gedreht wurde.

Beruhend auf dem Märchen "Die Geschichte von dem kleinen Muck" von Wilhelm Hauff, erzählt Wolfgang Staudte die Geschichte des kleinen Jungen, der mit Zauberpantoffeln und einem magischen Stock auf der Suche nach dem Kaufmann ist, der das Glück zu verkaufen hat.

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Anfänglich zögerte die DEFA mit der Produktion von Märchenfilmen, da die Grimmschen Märchen in der sowjetischen Besatzungszone als zu illusionär-romantisch und mystisch galten. Allerdings änderte sich diese Haltung, als Wolff von Gordon 1948 eine Verfilmung des Märchens DAS KALTE HERZ vorschlug.

DAS KALTE HERZ wurde zum Meilenstein der deutschen Filmgeschichte. Die Produktion verschlang knapp 4 Millionen Mark und schuf in den Babelsberger Ateliers eine komplette Schwarzwald-Landschaft. Der Drehstab umfasste bis zu 50 Personen. Trotz der immensen Kosten erreichte der Film beeindruckende 9,8 Millionen Kinobesucher.

Paul Verhoeven verfilmte das Märchen von Wilhelm Hauff als ersten DEFA-Farbfilm. Dieser gilt als Beginn der DEFA Kinderfilm-Produktionen.

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Die technischen Herausforderungen der frühen DEFA-Märchenfilme waren beträchtlich:

•	Entwicklung der Agfacolor-Technologie

•	Aufwendige Tricktechnik für Spezialeffekte

Anschließend folgte 1953 "Die Geschichte vom kleinen Muck" unter der Regie von Wolfgang Staudte, der mit 12,9 Millionen Kinobesuchern zum erfolgreichsten Film der DDR wurde. Darüber hinaus erreichten die nachfolgenden Märchenproduktionen durchschnittlich vier bis fünf Millionen Zuschauer.

Ein bemerkenswerter Misserfolg war die Verfilmung "Das Kleid" nach Hans Christian Andersen, die 1961 als einziger DEFA-Märchenfilm verboten wurde. Dennoch setzte sich die Tradition des Märchenfilms erfolgreich fort, insbesondere mit Produktionen wie "Die goldene Gans" (1964) und "Wer reißt denn gleich vor'm Teufel aus" (1977).

In dieser Verfilmung des Grimmschen Märchen von Siegfried Hartmann bekommt ein Schuster eine golden Gans als Dank für seine barmherzigkeit.

Die technische Magie hinter den DEFA-Märchenfilmen entstand durch sorgfältige Handarbeit. Ernst Kunstmann, der führende Trickspezialist der DEFA, entwickelte die Trickabteilung zu einer wahren Manufaktur, wobei jeder Effekt speziell für den jeweiligen Film maßgeschneidert wurde.

Der Spiegeltrick wurde zu einer der wichtigsten Innovationen. Diese Technik ermöglichte es, zwei Objekte aus verschiedenen Teilen des Raums in einem Bild zusammenzubringen. Besonders eindrucksvoll zeigte sich dies in DAS KALTE HERZ, wo von etwa 400 Einstellungen etwa 80 mit aufwendigen Trickaufnahmen verbunden waren.

Darüber hinaus entwickelte das Team kreative Lösungen für besondere Effekte. In DAS KALTE HERZ wurde beispielsweise eine spezielle Palette mit zuckenden Herzen konstruiert, die mit roter Flüssigkeit gefüllt waren. Ein Mitarbeiter pumpte diese von hinten, um die dramatische Bewegung zu erzeugen.

Die Trickabteilung wuchs stetig. Anfangs bestand sie aus Kunstmann selbst, einem Bühnenarbeiter, einem Kameraassistenten und seiner Tochter Vera. Außerdem wurde 1964 die Abteilung Tricktechnik offiziell gegründet.

Ein bedeutender technischer Fortschritt war die Anschaffung der optischen Trickkopiermaschine OXBERRY, die neue gestalterische Möglichkeiten eröffnete. Dennoch blieb die handwerkliche Präzision im Vordergrund. Für DAS SINGENDE, KLINGENDE BÄUMCHEN (1957) entstanden beeindruckende Effekte: Ein Prinz verwandelte sich in einen Bären, ein Pferd versteinerte und ein Wasserfall gefror innerhalb von Sekunden zu Eis.

Mit dem Ende der 1980er Jahre stand die Trickabteilung vor neuen Herausforderungen. Das digitale Zeitalter begann die traditionellen Verfahren zu verdrängen. Zum Zeitpunkt des Mauerfalls zählte die Abteilung unter Uwe Fleischer 40 Mitarbeiter, die sich weiterhin der Titelgestaltung, dem Zeichentrick und optischen Tricks widmeten.

Francesco Stefanis Interpretation dieses Grimmschen Märchenfragments gilt als eine der besten Märchenproduktionen der DEFA-Filmgeschichte und wurde auch vom BBC gezeigt.

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Die internationale Reichweite der DEFA-Märchenfilme begann bereits 1957 mit der ersten Co-Produktion "Die Abenteuer des Till Ulenspiegel", die in Zusammenarbeit mit Frankreich entstand. Diese Kooperation, die durch die Vermittlung von Joris Ivens und Wladimir Pozner zustande kam, öffnete neue Türen für weitere internationale Projekte.

Besonders erfolgreich gestaltete sich die Zusammenarbeit mit den tschechoslowakischen Barrandov-Studios. Der bekannteste Film dieser Kooperation, "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel" (1973), wurde in den Prager Studios sowie an verschiedenen Drehorten in der DDR produziert. Darüber hinaus entstanden weitere erfolgreiche Produktionen wie "Der Katzenprinz" (1979), dessen Dreharbeiten sich über 51 Tage erstreckten und an verschiedenen Orten wie Göhren, dem Tierpark Berlin und dem Fasanenschlösschen in Moritzburg stattfanden.

Die Zusammenarbeit mit sozialistischen Ländern wurde durch spezielle Filmkonferenzen koordiniert. Außerdem entwickelte sich ein regelmäßiger Austausch zwischen den Filmschaffenden, der zur Gründung verschiedener internationaler Organisationen führte. Diese Kooperationen dienten nicht nur dem kulturellen Austausch, sondern auch der technischen Weiterentwicklung.

Die internationale Anerkennung der DEFA-Märchenfilme zeigt sich besonders in ihrer weltweiten Verbreitung. Dennoch gab es auch Herausforderungen: In Westdeutschland wurden die Filme zunächst kritisch geprüft, insbesondere beim Import aus sozialistischen Ländern. Die DEFA Film Library in den USA arbeitet eng mit dem Goethe-Institut zusammen und verbreitet die Märchenfilme im akademischen Kontext.

Bemerkenswerte internationale Erfolge waren:

•	Regelmäßige Präsenz auf internationalen Filmfestivals

•	Besondere Anerkennung für innovative Spezialeffekte und Tricktechnik

Die internationale Zusammenarbeit führte zu einer Bereicherung der Filmsprache, da sich die DEFA-Filmemacher mit ihren west- und osteuropäischen Kollegen austauschten und von Bewegungen wie der Nouvelle Vague in Frankreich beeinflusst wurden.

Hinter den Kulissen der DEFA-Märchenfilme verbergen sich faszinierende Geschichten von Filmemachern, deren Schicksale oft unerzählt blieben.

Gottfried Kolditz prägte als vielseitiger Regisseur das DEFA-Studio maßgeblich. Seine Filme erreichten beeindruckende Zuschauerzahlen: "Die schöne Lurette" lockte 2,8 Millionen, "Schneewittchen" 2,5 Millionen und "Spur des Falken" sogar 3,2 Millionen Besucher in die Kinos. Allerdings kämpfte er oft mit technischen Einschränkungen, besonders beim Farbfilmmaterial ORWO, das zu unempfindlich war und zu wenig Farbbrillanz besaß.

Karla Runkehl gehörte zu den vergessenen Talenten der DEFA. Sie spielte bereits mit 26 Jahren anspruchsvolle Charakterrollen. Außerdem verdient Christel Bodenstein besondere Erwähnung - sie wurde 1960 von den Lesern des Jugendmagazins "Neues Leben" zur beliebtesten Schauspielerin der DDR gewählt. Darüber hinaus brillierte sie in der Rolle der Prinzessin Tausendschön im DAS SINGENDE, KLINGENDE BÄUMCHEN.

Die DEFA-Geschichte ist auch von nicht realisierten Projekten geprägt. Besonders erwähnenswert sind:

"Einer zuviel im Lunakurier" nach Klaus Beuchler - scheiterte bereits in der Drehbuchphase

"Zimtpiraten" - ein geplanter Piratenfilm mit Gert Fröbe, der nach dem plötzlichen Tod von Gottfried Kolditz nicht realisiert wurde

"John Barleycorn" nach Jack London - blieb unvollendet

Dennoch gab es auch erfolgreiche Wendungen: Rudolf Jürschik setzte sich als Chefdramaturg intensiv für die Erweiterung künstlerischer Perspektiven ein. Seine detaillierten Erinnerungen gewähren einen tiefen Einblick in den Entstehungsprozess vieler Filme und die kulturpolitische Entwicklung in der DDR.

Wer reißt den gleich vor'm Teufel aus? (1977)

Egon Schlegel interpretiert das grimmsche Märchen „Der Teufel mit den drei goldenen Haaren“ mit einer komödiantischen Note.

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Der in der DDR entstandene DEFA-Film ist eine Adaption des Grimm'schen Märchens Rumpelstilzchen nach der Inszenierung des Hans Otto Theaters Potsdam.

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Die Verfilmung von Hans Christian Andersens Vorlage zählt zu den erfolgreichsten DEFA-Märchenfilme.

Der Prinz hinter den sieben Meeren (1982)

Ein DEFA-Märchenfilm nach dem Märchen der Gebrüdern Grimm über das Halten von Versprechen, Aufopferung und Treue unter der Regie von Walter Beck.

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Die DEFA-Märchenfilme stellen zweifellos einen bedeutenden Meilenstein der deutschen Filmgeschichte dar. Diese einzigartigen Produktionen haben nicht nur Millionen Menschen begeistert, sondern auch technische Innovationen vorangetrieben.

Besonders bemerkenswert erscheint die Tatsache, dass diese Filme trotz erheblicher technischer und politischer Herausforderungen entstanden sind. Die handgefertigten Spezialeffekte der Trickabteilung, die internationalen Kooperationen und das Engagement der Filmemacher haben gemeinsam ein faszinierendes Kapitel deutscher Filmkunst geschrieben.

Die Geschichte der DEFA-Märchenfilme zeigt deutlich, wie kreative Visionen auch unter schwierigen Bedingungen verwirklicht werden können. Während einige Projekte unvollendet blieben, haben andere wie "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel" oder DAS KALTE HERZ bis heute nichts von ihrer Strahlkraft verloren.

Diese Filme bleiben nicht nur wertvolle Zeitdokumente, sondern begeistern auch nachfolgende Generationen durch ihre zeitlose Magie und handwerkliche Qualität. Sie bezeugen eindrucksvoll, dass echte Filmkunst weder Grenzen noch Zeit kennt.

Q1. Was war die DEFA und wofür ist sie bekannt? 

Die DEFA (Deutsche Film AG) war das erste Filmstudio nach 1945 in den Besatzungszonen Deutschlands. Sie ist besonders für ihre Märchenfilme bekannt, die Millionen Zuschauer in die Kinos lockten und bis heute Teil des kulturellen Erbes sind.

Q2. Welcher DEFA-Märchenfilm war der erfolgreichste?

DIE GESCHICHTE VOM KLEINEN MUCK aus dem Jahr 1953 war mit 12,9 Millionen Kinobesuchern der erfolgreichste DEFA-Märchenfilm und zugleich der meistgesehene Film der DDR.

Q3. Wie wurden die Spezialeffekte in den DEFA-Märchenfilmen erstellt?

Die Spezialeffekte wurden hauptsächlich handgemacht. Die Trickabteilung der DEFA entwickelte innovative Techniken wie den Spiegeltrick und nutzte kreative Lösungen, um beeindruckende visuelle Effekte zu erzeugen.

Q4. Gab es internationale Zusammenarbeit bei den DEFA-Märchenfilmen?

Ja, die DEFA arbeitete international zusammen, besonders mit tschechoslowakischen Studios. Ein bekanntes Beispiel ist "Drei Haselnüsse für Aschenbrödel", der in Zusammenarbeit mit den Prager Barrandov-Studios entstand.

Q5. Wo wurden die DEFA-Märchenfilme gedreht?

Die DEFA-Märchenfilme wurden an verschiedenen Orten gedreht. Neben den Babelsberger Studios dienten auch Schlösser wie Moritzburg als Kulisse. Für "Dornröschen" wurde beispielsweise Schloss Hartenfels in eine märchenhafte Filmkulisse verwandelt.

Die Märchenfilme der DEFA gehören zu den Klassikern des deutschen Kinderfilms. Generationen sind mit diesen fantasievollen Geschichten aufgewachsen, die noch heute ihren Zauber bewahren. Jetzt kannst du viele dieser Filmklassiker bei Sooner entdecken. Von bekannten DEFA Märchensammlungen bis hin zu weniger bekannten Schätzen: Die Plattform bietet eine Auswahl an DDR Märchenfilmen, die sowohl Nostalgiker als auch neue Zuschauer in ihren Bann ziehen. Wer alte DDR Märchenfilme sucht, findet hier eine Liste beliebter Titel – alle als ganze Filme abrufbar. Ob du eine vollständige DDR Märchen Liste suchst oder einfach einen gemütlichen Filmabend mit den schönsten Märchen der DEFA verbringen möchtest – auf Sooner wirst du fündig. Tauche ein in die Welt klassischer DEFA Märchenfilme und erlebe zeitlose Geschichten voller Magie und Abenteuer.

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HEIKOS WELT: Eine ehrliche Geschichte aus dem Herzen Berlins. HEIKOS WELT begann als viraler Erfolg in einem Musikvideo. Im Herzen des Berliner Stadtteils Wedding entfaltet sich die authentische Atmosphäre von HEIKOS WELT. Der Film präsentiert eine einzigartige Perspektive auf die traditionelle Berliner Kneipenkultur, besonders durch die Darstellung echter Weddinger Lokalitäten.

Heikos Welt

HEIKOS WELT: Eine ehrliche Geschichte aus dem Herzen Berlins

HEIKOS WELT begann als viraler Erfolg in einem Musikvideo namens "Nettelbeckplatz" von Shacke One. Daraus entwickelte sich eine YouTube-Serie, die Hunderttausende von Zuschauern begeisterte und den Grundstein für etwas Größeres legte.

Die Geschichte des Films ist selbst bemerkenswert: Zunächst durch eine Crowdfunding-Kampagne mit fast 19.000 Euro von der Community unterstützt, wurde das Projekt unter der Regie von Dominik Galizia zu einem abendfüllenden Film von 108 Minuten. Schließlich wurde die authentische Darstellung des Berliner Kiezes beim Filmfest München gewürdigt, wo Hauptdarsteller Martin Rohde den Förderpreis Neues Deutsches Kino erhielt.

Von YouTube zum Kinohit: Der Weg von HEIKOS WELT

Die bemerkenswerte Reise von HEIKOS WELT startete ursprünglich als YouTube-Serie, die zehntausende Klicks generierte. Der Charakter Heiko, dargestellt von Martin Rohde, entwickelte sich schnell zu einer beliebten Berliner Kultfigur. In den kurzen Videos zeigte sich Heiko bei alltäglichen Aktivitäten - vom Currywurst essen bis zum Federballspielen.

Nachdem die Serie eine große Anhängerschaft aufgebaut hatte, entschied sich Regisseur Dominik Galizia für einen mutigen Schritt: Die Produktion eines abendfüllenden Spielfilms. Da das Projekt im deutschen Fördersystem vermutlich durch alle Raster gefallen wäre, wurde eine Crowdfunding-Kampagne initiiert. Diese erwies sich als durchschlagender Erfolg - fast 19.000 Euro kamen durch die Unterstützung der Community zusammen.

Der Film erzählt die Geschichte von Heiko, der in den Kneipen Berlins zu Hause ist. Als seine Mutter Belinda an einer seltenen Hornhauterkrankung zu erblinden droht, beginnt für ihn eine außergewöhnliche Mission. Um das Geld für ihre Operation aufzutreiben, tritt er gegen die besten Dartspieler der Stadt an.

Besonders bemerkenswert ist der unkonventionelle Stil des Films. Er verbindet geschickt verschiedene Genres - von Komödie über Großstadtmärchen bis hin zur Groteske. Der flotte Erzählrhythmus spiegelt dabei Galizias Erfahrung aus der Musikvideo- und Werbefilmproduktion wider.

Die Weltpremiere fand beim Filmfest München statt, wo Martin Rohde für seine authentische Darstellung mit dem Förderpreis Neues Deutsches Kino ausgezeichnet wurde. Seine schauspielerische Leistung überzeugte besonders dadurch, dass er der Figur des Heiko eine bemerkenswerte Tiefe verlieh, die über die reine Skurrilität hinausging.

Der Film präsentiert sich als eine Liebeserklärung an die Berliner Kneipenszene. Für die Dreharbeiten verbrachte das Team viel Zeit in echten Kneipen, um die authentische Atmosphäre einzufangen. Diese Authentizität macht HEIKOS WELT zu einem besonderen Zeitdokument der Berliner Kiezkultur.

Im Herzen des Berliner Stadtteils Wedding entfaltet sich die authentische Atmosphäre von HEIKOS WELT. Der Film präsentiert eine einzigartige Perspektive auf die traditionelle Berliner Kneipenkultur, besonders durch die Darstellung echter Weddinger Lokalitäten.

Die Dreharbeiten fanden an markanten Orten des Bezirks statt. Heiko genießt seine Currywurst an der Curry-Baude am Gesundbrunnen, verbringt Zeit im Bierbrunnen gegenüber und ist Stammgast "Beim Dicken" in der Bellermannstraße. Diese Locations sind nicht nur Kulissen, sondern lebendige Zeugen einer besonderen Kiezkultur.

Besonders bemerkenswert ist die Einbindung echter Wirte der Weddinger Eckkneipen. Diese authentischen Charaktere verleihen dem Film eine zusätzliche Ebene der Glaubwürdigkeit. Das warme Licht in den bescheidenen Räumlichkeiten erzählt mehr über die Würde des Prekariats als manch wohlmeinendes Milieudrama.

Die Kameraführung spielt dabei eine entscheidende Rolle. Sie gleitet geschmeidig durch die Kneipen und fängt sowohl die spannenden Dartszenen als auch Heikos gelegentliches Delirium in desorientierenden Bildern ein. Dadurch entsteht ein authentisches Porträt der Berliner Kneipenkultur, wie sie im Wedding noch überlebt.

Martin Rohde verkörpert als Heiko einen charakterstarken Tresensportler, der mit seinem Gespür für Komik und authentischer Persönlichkeit zum Berliner Kulturgut geworden ist. Seine Videos haben zusammen über eine Million Zuschauer begeistert. Mit einer Tulpe in der Hand versteht er es meisterhaft, den Menschen um ihn herum ein Lachen zu schenken und die Alltagssorgen vergessen zu machen.

Der Film bewahrt damit ein Stück Berliner Geschichte. Er zeigt die facettenreiche Welt der Menschen an den Theken und Tresen dieser Stadt, ohne sie zu glorifizieren oder ihrer Würde zu berauben. Ob beim Hochsee-Angeln in der Panke oder beim Feierabends-Plausch in kultigen Kneipen - HEIKOS WELT zeichnet ein liebevolles Porträt des authentischen Berlins.

Hinter dem Erfolg von HEIKOS WELT steht ein bemerkenswertes Team kreativer Köpfe. Der Regisseur Dominik Galizia, ursprünglich aus Trier stammend, brachte seine vielfältigen Erfahrungen in das Projekt ein. Nach seinem Umzug nach Berlin im Jahr 2010 entwickelte er sich vom Stuntman im Disneyland Paris zum gefeierten Filmemacher.

Martin Rohde, der die Hauptrolle des Heiko verkörpert, absolvierte zunächst eine Ausbildung als Steinmetz. Seine natürliche Darstellungsweise und kindliche Naivität machten ihn zur perfekten Besetzung. Für seine beeindruckende schauspielerische Leistung erhielt er beim Filmfest München 2021 den Förderpreis Neues Deutsches Kino als Bester Hauptdarsteller.

An seiner Seite glänzt Heike Hanold-Lynch in der Rolle der Mutter Belinda. Zusammen erschaffen sie ein herzliches und authentisches Mutter-Sohn-Verhältnis, das zu den besonderen Stärken des Films zählt. Darüber hinaus bereichert Franz Rogowski das Ensemble mit einem kurzen, dennoch bedeutsamen Cameo-Auftritt - eine Reminiszenz an seine Zusammenarbeit mit Galizia in "Figaros Wölfe" aus dem Jahr 2017.

Besonders bemerkenswert ist Galizias Entscheidung, mit vielen Laiendarstellern zu arbeiten. Diese spielen einfach sich selbst und verleihen dem Film dadurch eine besondere Authentizität. Außerdem wurden echte Wirte der Weddinger Eckkneipen in den Film eingebunden, die mit ihrer natürlichen Präsenz das charakteristische Flair der Berliner Kneipenkultur transportieren.

Die erfolgreiche Zusammenarbeit zwischen Galizia und Rohde setzt sich übrigens fort: In "Rock 'n' Roll Ringo", der am 5. September 2024 in die Kinos kam, übernimmt Rohde erneut die Hauptrolle. Diesmal verkörpert er einen Gerüstbauer, der sein Glück als Kirmesboxer versucht - ein weiteres Beispiel für die fruchtbare künstlerische Partnerschaft zwischen Regisseur und Hauptdarsteller.

HEIKOS WELT steht als beeindruckendes Beispiel dafür, wie authentisches Storytelling Menschen berühren kann. Der Weg von einer YouTube-Serie zum gefeierten Kinofilm zeigt deutlich die besondere Kraft dieser Geschichte.

Die gelungene Mischung aus verschiedenen Genres, gepaart mit der authentischen Darstellung der Berliner Kneipenkultur, macht den Film zu einem besonderen Zeitdokument. Besonders bemerkenswert ist dabei die Leistung von Martin Rohde, der seiner Figur eine außergewöhnliche Tiefe verleiht.

Gleichzeitig verdeutlicht der Erfolg der Crowdfunding-Kampagne die starke Verbindung zwischen dem Projekt und seiner Community. Diese Unterstützung ermöglichte es dem Team unter der Leitung von Dominik Galizia, ihre künstlerische Vision ohne Kompromisse umzusetzen.

HEIKOS WELT bewahrt nicht nur ein Stück Berliner Kiezkultur, sondern erzählt auch eine zeitlose Geschichte über Menschlichkeit, Familie und Zusammenhalt. Der Film beweist eindrucksvoll, dass authentische Geschichten aus dem Herzen Berlins auch über die Grenzen der Stadt hinaus Menschen begeistern können.

Q1. Wer ist Heiko und wie entstand die Figur? 

Heiko ist eine beliebte Berliner Kultfigur, dargestellt von Martin Rohde. Die Figur entstand ursprünglich in einem Musikvideo und entwickelte sich dann zu einer erfolgreichen YouTube-Serie, bevor sie zum Protagonisten eines Kinofilms wurde.

Q2. Wie wurde der Film HEIKOS WELT finanziert? 

Der Film wurde hauptsächlich durch eine erfolgreiche Crowdfunding-Kampagne finanziert. Die Community unterstützte das Projekt mit fast 19.000 Euro, was die Produktion des abendfüllenden Spielfilms ermöglichte.

Q3. Was macht den Film HEIKOS WELT so authentisch? 

Die Authentizität des Films liegt in der Darstellung echter Berliner Locations, insbesondere der Kneipenkultur im Wedding. Zudem wurden echte Wirte und Laiendarsteller eingebunden, die sich selbst spielen und so das wahre Berliner Kiezleben einfangen.

Q4. Welche Auszeichnungen hat der Film erhalten? 

Beim Filmfest München wurde Martin Rohde für seine Darstellung des Heiko mit dem Förderpreis Neues Deutsches Kino als Bester Hauptdarsteller ausgezeichnet.

Q5. Worum geht es in der Handlung von HEIKOS WELT? 

Der Film erzählt die Geschichte von Heiko, einem Stammgast in Berliner Kneipen, der versucht, Geld für die Augenoperation seiner Mutter aufzutreiben. Um dies zu erreichen, tritt er gegen die besten Dartspieler der Stadt an.

Der Dokumentarfilm beleuchtet das persönliche Leben von Max Herzberg, seinen Aufstieg als "Adlersson" und die Auswirkungen seiner Inhalte auf das Publikum und den breiteren gesellschaftlichen Kontext. Spätere Abschnitte erforschen die dystopische Realität, mit der die moderne Jugend konfrontiert ist, die von Figuren wie Herzberg und seinem Umfeld, darunter Simon Peter, beeinflusst wird. Durch eine Mischung aus offenen Interviews und ungeschnittenen Momenten zeichnet "Lord of the Toys" das Porträt einer Generation, die sich im
Spannungsfeld zwischen Erwachsensein und Erwachsensein, zwischen Realität und virtueller Präsenz bewegt. Diese Erkundung des soziokulturellen Kontextes, der Influencer wie Herzberg umgibt, bietet einen aufschlussreichen Kommentar zu der Macht digitaler Plattformen, die das Gefüge der zeitgenössischen Jugendkultur formen und manchmal auch verzerren.

Warum Lord of the Toys eine Must-Watch Documentary ist

In einer Ära, die von Social Media Influencern und sich schnell verändernden kulturellen Landschaften dominiert wird, ist "Lord of the Toys" ein Dokumentarfilm, der Aufmerksamkeit verlangt. Im Mittelpunkt steht Max "Adlersson" Herzberg, eine Figur, die für Kontroversen und freimütige Äußerungen der Jugendkultur steht. Der Film erforscht die Komplexität von Identität, Einfluss und die dunkleren Unterströmungen des Online-Ruhms. Er bietet einen schonungslosen, ungefilterten Einblick in das Leben von Herzberg und seinem Umfeld und zieht den Vorhang zurück für eine Welt, die zwischen der alltäglichen Realität und den dystopischen Rändern der digitalen Existenz oszilliert.

Max "Adlersson" Herzberg, eine prominente Persönlichkeit aus Dresden, wählte einen einzigartigen Weg, der von der traditionellen Beschäftigung abwich. Stattdessen hat er sich eine Nische auf YouTube geschaffen, wo er Messer und andere Produkte bewertet, limitierte Fan-Editionen von Gangsta-Rap-Alben auspackt und seinen unverblümten Lebensstil teilt. Sein Kanal umfasst nicht nur Produktrezensionen, sondern auch Vlogs und Instagram-Posts, die manchmal kontroverse und grenzüberschreitende Inhalte enthalten. Dieser Ansatz hat die Zuschauer nicht nur in seinen Bann gezogen, sondern auch polarisiert und sowohl Kritik als auch Bewunderung hervorgerufen.

Mit nur 20 Jahren ist Max Herzberg zu einem umstrittenen Einflussnehmer in der digitalen Kultur geworden. Seine Aktivitäten reichen von öffentlicher Trunkenheit bis hin zu politisch unkorrekten Witzen, was zu Debatten über den Einfluss solcher Inhalte auf ein junges Publikum geführt hat. Trotz der Kontroversen hat Herzberg eine große Fangemeinde mit über 400.000 Abonnenten auf YouTube, was seinen Einfluss auf die Plattform unterstreicht.

Herzbergs Aufstieg zu YouTube-Ruhm ist geprägt von seiner unverblümten Persönlichkeit und der rohen, ungefilterten Art seiner Inhalte. Er und seine Freunde, die als "Pfandangels" bekannt sind, teilen oft Videos, die unzüchtiges Verhalten und den Konsum von Alkohol beinhalten, was bei einem jugendlichen Publikum Anklang findet, das in Herzberg sowohl Unterhaltung als auch eine Figur der nachvollziehbaren Rebellion findet. Sein Ansatz hat erfolgreich eine große Fangemeinde gewonnen und ihn zu einer bemerkenswerten, wenn auch umstrittenen, Berühmtheit in seiner Generation gemacht.

Die Inhalte von Max Herzberg haben eine bedeutende Debatte über die Rolle von Influencern bei der Gestaltung der Jugendkultur ausgelöst. Seine ungefilterte und manchmal kontroverse Herangehensweise hat nicht nur eine große Fangemeinde angezogen, sondern auch die Kritik, problematische Verhaltensweisen zu fördern. Herzberg und seine Gruppe, die oft in der Öffentlichkeit mit Trunkenheit und beleidigendem Humor zu sehen sind, sind zu einem Streitpunkt geworden.

Die Reaktionen auf Herzbergs Inhalte sind gemischt. Während er eine große Fangemeinde hat, haben seine Aktionen und die Art seiner Videos Diskussionen und Kontroversen ausgelöst. Die Premiere von "Lord of the Toys" bei Dok Leipzig löste eine bedeutende Debatte in den sozialen Medien aus, die die polarisierten Ansichten des Publikums widerspiegelte. Einige Zuschauer kritisierten, dass der Dokumentarfilm eine Plattform für rechtsextreme Parolen biete, was zu Aufrufen zu Protesten und Diskussionen auf Stadtratsebene führte.

Herzbergs Einfluss reicht weit in jüngere Bevölkerungsschichten hinein, insbesondere in Sachsen, wo sein Stil und seine Sprache die Schulhöfe durchdrungen haben. Die Nachahmung seines Verhaltens durch Kinder und Jugendliche verdeutlicht die wirkungsvolle, aber potenziell schädliche Reichweite seiner Inhalte. Diese Normalisierung respektloser und aufrührerischer Rhetorik wirft ernsthafte Bedenken hinsichtlich der Werte auf, die unter den beeinflussbaren jungen Zuschauern verbreitet werden.

Die dystopische Realität der modernen Jugend - Leben ohne Internet?

"Lord of the Toys" zeichnet ein dystopisches Bild der ersten Generation junger Erwachsener, die noch nie eine Welt ohne Internet erlebt haben. Der Dokumentarfilm begleitet Max "Adlersson" Herzberg und seine Altersgenossen einen Sommer lang bei ihren Versuchen, das Leben durch die digitale Brille zu sehen. Der Film stellt ihre digitale Existenz in krassem Gegensatz zu früheren Generationen, die zwar auch rebellische Aktivitäten unternahmen, ihr Leben aber nicht öffentlich machten. Herzbergs unverhohlene Zurschaustellung seines Lebensstils dient nicht nur der Unterhaltung, sondern auch dem Lebensunterhalt und veranschaulicht den starken Einfluss der sozialen Medien auf gesellschaftliche Normen. Identitätsfindung im öffentlichen und privaten Raum Die Rolle privater Räume im Leben junger Menschen, wie z. B. Schlafzimmer oder Social-Media-Profile, ist von entscheidender Bedeutung, da sie oft als Bühne für die Erforschung der Identität und die soziale Interaktion dienen. Der Dokumentarfilm zeigt, wie junge Menschen, darunter auch Herzberg und seine Gruppe, diese Räume nutzen, um ihre öffentliche Persönlichkeit zu definieren und gleichzeitig mit ihrer privaten Identität zu ringen. Die verschwimmenden Grenzen zwischen diesen Räumen spiegeln einen bedeutenden Wandel in der Wahrnehmung von Identität und Gemeinschaft wider, der stark von der Allgegenwart der Medien beeinflusst wird. Diese Verschiebung wird besonders in Herzbergs Leben deutlich, wo seine Online-Aktionen und seine Persona tiefgreifende Auswirkungen auf sein Publikum und die breitere Jugendkultur haben, die manchmal kontrovers sind.

Der soziokulturelle Kontext - Der deutsche Osten vs. Westen

Die soziokulturelle Landschaft Deutschlands weist einen starken Kontrast zwischen Ost und West auf, ein Erbe der geteilten Geschichte der Nation. In Ostdeutschland förderte der Einfluss des sozialistischen Systems eine kollektive Mentalität und ein starkes soziales Wohlfahrtssystem, während im Westen Individualismus und Kapitalismus gefördert wurden. Dieser historische Hintergrund hat unterschiedliche gesellschaftliche Werte und Einstellungen zu Autorität und Ehrgeiz geprägt, die auch die heutigen Generationen beeinflussen. Die Erfahrungen des Ostens mit dem Kommunismus haben auch zu einer Reihe einzigartiger kultureller Normen geführt, wie z. B. einer höheren Prävalenz des Atheismus und einer besonderen Einstellung zu persönlichem Stil und Konsumverhalten .

Das Verschwimmen von Online- und Offline-Welten ist ein wichtiger Aspekt der modernen soziokulturellen Dynamik, der besonders im Leben von Digital Natives wie Max Herzberg und seinen Anhängern deutlich wird. T.L. Taylors Untersuchung der Online-Spielkultur zeigt, dass die Grenzen zwischen diesen beiden Welten zunehmend "unordentlich" und miteinander verwoben sind. Im Kontext von "Lord of the Toys" wird diese Verschmelzung sichtbar, wenn junge Erwachsene wie Herzberg ihre Identitäten und sozialen Interaktionen sowohl in der digitalen Welt als auch in physischen Räumen navigieren. Der Dokumentarfilm unterstreicht, wie soziale Medienplattformen nicht nur als Bühne für die Übertragung des persönlichen Lebens dienen, sondern auch soziale Verhaltensweisen und Erwartungen maßgeblich prägen.

Während dieser Erkundung von "Lord of the Toys" sind wir in die rohe und ungefilterte Welt von Max "Adlersson" Herzberg eingetaucht, einer Figur, die für eine Generation steht, die sich an der unbeständigen Grenze zwischen digitaler Omnipräsenz und realen Konsequenzen bewegt. Der Dokumentarfilm ist eine ergreifende Untersuchung der Jugendkultur, die durch die Linse des Einflusses der sozialen Medien vergrößert wird, wobei Herzberg und sein Gefolge zu Avataren für die weitreichenden Auswirkungen der Online-Berühmtheit werden. Der Film beleuchtet das Paradox des digitalen Ruhms und zeigt, wie er Identitäten und Verhaltensweisen formt, während er gleichzeitig die Konturen des öffentlichen und privaten Lebens im digitalen Zeitalter unter die Lupe nimmt. Diese Erzählung unterstreicht nicht nur Herzbergs tiefgreifenden Einfluss auf sein Publikum und den gesellschaftlichen Diskurs über die digitale Kultur, sondern hebt auch die Rolle des Dokumentarfilms bei der Förderung einer kritischen Diskussion über die Dynamik von Einfluss, Identität und Jugend in der heutigen Gesellschaft hervor. Die Bedeutung von "Lord of the Toys" geht über sein Thema hinaus und bietet einen wichtigen Kommentar zur Überschneidung von Online-Kultur und realen Handlungen und dem dystopischen Schatten, den sie auf die moderne Jugend wirft. Der Film verdeutlicht die Herausforderungen und die Komplexität des Lebens unter dem unerbittlichen Blick des Internets und regt zum Nachdenken über die Werte und Verhaltensweisen an, die über digitale Plattformen vermittelt werden. Indem der Dokumentarfilm Herzbergs Weg und die Rezeption seiner Inhalte nachzeichnet, hält er der Gesellschaft einen Spiegel vor und lädt die Zuschauer dazu ein, über die breiteren gesellschaftlichen Auswirkungen und die zukünftige Entwicklung unseres digitalen Zusammenlebens nachzudenken. Lord of the Toys" ist nicht nur ein Film, sondern auch ein Aufruf, die Auswirkungen digitaler Influencer und der von ihnen bewohnten Räume kritisch zu bewerten und die kulturellen Paradigmen, die im digitalen Zeitalter geformt werden, neu zu untersuchen.

Yony Leyser: Pionier der Queeren Gegenkultur und Rebellisches Filmemachen

Yony Leyser | SOONER BLOG

In der neuesten Folge des Sooner Podcasts haben wir den in den USA geborenen Filmemacher Yony Leyser zu Gast, der mit seinen mutigen und unkonventionellen Arbeiten die Filmwelt immer wieder überrascht. Bekannt durch seinen Dokumentarfilm WILLIAM S. BURROUGHS: A MAN WITHIN (2010), Queercore: How to Punk A Revolution (2017) und den queeren Underground-Film DESIRE WILL SET YOU FREE (2015), geht Yony in seinen Projekten stets gegen den Strom und beschäftigt sich mit Themen wie LGBTQ+ Identitäten und der subversiven Kraft der Gegenkultur.

In unserem Gespräch spricht Yony über seine Reise in die Filmwelt, von seiner Jugend in den USA bis zu seiner Entscheidung, nach Berlin zu ziehen – eine Stadt, die als Zentrum für queere und subkulturelle Bewegungen bekannt ist. Yony erklärt, wie er durch Punk und DIY-Kultur geprägt wurde und warum er die Freiheit der Improvisation und die Unvorhersehbarkeit in seinen Filmen so schätzt.

Die Folge ist nicht nur ein exklusiver Einblick in Yonys Leben und Werk, sondern auch eine Diskussion über den Einfluss von Burroughs und anderen rebellischen Vorbildern auf sein Schaffen. Besonders spannend wird es, wenn Yony über die Herausforderungen spricht, mit denen junge Filmemacher heute konfrontiert sind, und welche Rolle Subkulturen in der kreativen Szene spielen.

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Berlinale Programm ist Online! Entdecke den Werdegang der Berlinale-Talente mit Sooner
Die Berlinale steht vor der Tür, und mit ihr eine Reihe von Filmen und Regisseur:innen, die nicht nur im Wettbewerb um die begehrten Preise kämpfen, sondern auch auf der Sooner-Plattform zu finden sind. Diese spannende Schnittstelle zwischen einem der größten Filmfestivals der Welt und der kuratierten Auswahl von Sooner bietet Filmliebhaber*innen eine exklusive Möglichkeit, mehr zu entdecken und das Festival-Erlebnis zu vertiefen. In diesem Blogbeitrag zeigen wir dir, welche faszinierenden Überschneidungen es gibt und wie du die Berlinale-Atmosphäre auf Sooner verlängern kannst.

Berlinale Programm ist Online! Entdecke den Werdegang der Berlinale-Talente mit Sooner

Entdecke den Werdegang der Berlinale-Talente mit Sooner

Die Berlinale steht vor der Tür, und mit ihr eine Reihe von Filmen und Regisseur:innen, die nicht nur im Wettbewerb um die begehrten Preise kämpfen, sondern auch auf der Sooner-Plattform zu finden sind. Diese spannende Schnittstelle zwischen einem der größten Filmfestivals der Welt und der kuratierten Auswahl von Sooner bietet Filmliebhaber*innen eine exklusive Möglichkeit, mehr zu entdecken und das Festival-Erlebnis zu vertiefen. In diesem Blogbeitrag zeigen wir dir, welche faszinierenden Überschneidungen es gibt und wie du die Berlinale-Atmosphäre auf Sooner verlängern kannst.

Berlinale Competition: "The Blue Trail" und "Time Stamp"

Ein besonders aufregendes Highlight des Berlinale Programm ist der Wettbewerb, in dem Regisseur Gabriel Mascaro mit "The Blue Trail" vertreten ist. Dieser Film fügt sich perfekt in die Reihe herausragender Werke ein, die unter anderem auch Mascaros frühere Filme NEON BULL und DIVINE LOVE umfassen. Beide Werke sind auf Sooner verfügbar und bieten einen tiefen Einblick in Mascaros einzigartige Erzählweise und visuelle Ästhetik. Wer sich dieses Jahr die hochkarätigen Filme im Berlinale Palast ansieht, kann sich auf eine unvergessliche Leinwand-Erfahrung freuen.

Ebenfalls im Wettbewerb vertreten ist "Time Stamp" von Kateryna Gornostai, die bereits mit ihrem preisgekrönten Film STOP-ZEMLIA für Aufsehen sorgte. "Time Stamp" ist ein weiteres Beispiel für Gornostais Talent, komplexe menschliche Beziehungen in einem dokumentarischen, fast schon intimen Stil zu beleuchten. Auf Sooner findest du zudem STOP-ZEMLIA – ein Film, der die Coming-of-Age-Erfahrungen einer Jugendlichen in der Ukraine auf eindrucksvolle Weise einfängt.

Berlinale Panorama: "Delicious", "Other People’s Money" und "Paul"

Auch die Panorama-Sektion der Berlinale bietet spannende Entdeckungen. Ein besonderes Highlight im Berlinale Programm ist "Delicious", der Debütfilm der Schauspielerin Nele Mueller-Stöfen als Regisseurin. Nele, die auf Sooner in ALL MY LOVING eine beeindruckende Schauspielperformance liefert, zeigt in ihrem eigenen Film ihre Fähigkeit, zwischen den Rollen als Schauspielerin und Regisseurin zu wechseln. "Delicious" wird die Berlinale sicher bereichern, und wer Nele bereits auf Sooner erlebt hat, wird ihren Debütfilm mit noch mehr Begeisterung erwarten. Wer diese Premiere im Berlinale Palast verfolgt, darf sich auf eine unvergessliche Erfahrung freuen, wenn das Filmteam mit Applaus und Anerkennung begrüßt wird.

Weiterhin dürfen wir "Other People’s Money" von Jan Schomburg hervorheben, das ebenfalls in der Panorama-Sektion zu sehen ist. Jan Schomburg ist ein kreativer Geist, dessen Filme in ihrer emotionalen Tiefe und stilistischen Raffinesse faszinieren. Auf Sooner findest du gleich zwei seiner Werke: ÜBER UNS DAS ALL mit Sandra Hüller in der Hauptrolle – und der ebenso bewegende Film VERGISS MEIN ICH, in dem Sandra Hüller, Ronald Zehrfeld und Johannes Krisch mitspielen.

Ein weiterer beeindruckender Film im Panorama ist "Paul" von Denis Côté, der in seiner Erkundung der menschlichen Psyche tief eintaucht. Für Côté-Fans bietet Sooner ebenfalls die Möglichkeit, mehr von ihm zu entdecken – etwa in THAT KIND OF SUMMER, einem Film, der ebenfalls seine charakteristische Mischung aus poetischer Erzählweise und tiefgehender Analyse der menschlichen Natur zeigt.

Berlinale Forum: "Ancestral Visions of the Future" und "The Kiss of the Grasshopper"

Das Berlinale Forum ist bekannt für seine avantgardistischen und tiefgründigen Filme, die oft neue Perspektiven auf die Welt eröffnen. Ein besonders bemerkenswerter Film in dieser Sektion ist "Ancestral Visions of the Future" von Lemohang Jeremiah Mosese, dessen früheres Werk MOTHER, I AM SUFFOCATING. THIS IS MY LAST FILM ABOUT YOU ebenfalls auf Sooner verfügbar ist. Mosese gelingt es, universelle Themen wie Heimat und Verlust auf eine zutiefst persönliche und dennoch globale Weise zu verhandeln.

Ein weiteres faszinierendes Werk im Forum ist "The Kiss of the Grasshopper" von Elmar Imanov, der für seine eindrucksvolle Bildsprache und emotionalen Erzählungen bekannt ist. Imanov ist bereits mit THE SWING OF THE COFFIN MAKER auf Sooner vertreten – ein Film, der auf poetische Weise die Themen Tod und Leben miteinander verwebt.

Nicht zu vergessen ist der Film "Eighty Plus" von Želimir Žilnik, der die Herausforderungen des Lebens im Alter thematisiert und dabei eine bemerkenswerte Tiefe erreicht. Auch von ihm gibt es bereits einen auf Sooner verfügbaren Film: THE MOST BEAUTIFUL COUNTRY IN THE WORLD, der einen gleichermaßen bewegenden und sozialkritischen Blick auf die jugoslawische Gesellschaft bietet.

Berlinale Palast – Hollywood-Feeling und mehr

Ob im Kiez Kino oder im Berlinale Palast – das Gefühl, Teil des weltgrößten Filmfestivals zu sein, ist unbeschreiblich. Besonders der rote Teppich vor dem Berlinale Palast bietet für die Besucher*innen ein wahres Hollywood-Feeling und sorgt für unvergessliche Erinnerungen. Aber auch für diejenigen, die nicht vor Ort sein können, bietet Sooner eine fantastische Möglichkeit, die Berlinale zu erleben, indem sie die Filme der diesjährigen Veranstaltung bequem von zu Hause aus entdecken. So kannst du das Flair des Berlinale Palasts und die vielen magischen Momente direkt in Ihrem Wohnzimmer genießen.

Mit diesen faszinierenden Überschneidungen bietet die Berlinale 2025 nicht nur spannende Premieren und Weltaufführungen, sondern auch eine Möglichkeit, auf Sooner tiefer in die Werke von Regisseur*innen und Schauspieler*innen einzutauchen, die bei beiden Veranstaltungen vertreten sind. Wer das Berlinale Programm durchstöbert und nach besonderen Filmen sucht, kann viele dieser Werke direkt bei Sooner entdecken und so das Festival-Erlebnis auf ganz neue Weise verlängern. Die Berlinale und Sooner – eine perfekte Kombination für Filmfans, die mehr wollen.

Proteste, Exil und Strukturwandel: Jasmin Astaki Bardeh über Dokumentarfilm und Journalismus

Jasmin Astaki Bardeh | SOONER BLOG

In unserer aktuellen Podcastfolge haben wir mit der Dokumentarfilm-Regisseurin und Journalistin Jasmin Astaki Bardeh gesprochen. Ihre facettenreiche Karriere zwischen Dokumentarfilm und journalistischer Berichterstattung eröffnet eine ganz besondere Themenviefalt – von ihrer Arbeit an politischen Dokumentarfilmen bis hin zu atmosphärischen soziologischen Beobachtungen. Jasmin teilte ihre Einblicke in kreative Prozesse, Herausforderungen des politischen Filmemachens und ihre Perspektive auf aktuelle gesellschaftliche Debatten.

Die richtige Balance finden: Zwischen Dokumentarfilm und Journalismus

Jasmin beschrieb ihre Arbeit als ständigen Wechsel zwischen zwei Welten: der langfristigen und oft persönlichen Arbeit am Dokumentarfilm und der schnelllebigen Aktualität des Journalismus. Ihr aktuelles Projekt „If we burn, you burn with us“, ein Film über die Protestbewegung in Hongkong, zeigt, wie sich Geschichten über Jahre hinweg entwickeln können.

Politisches Engagement und die Kunst des Dokumentarfilms

Ein zentrales Thema unseres Gesprächs war Jasmins Fähigkeit, durch ihre Filme gesellschaftliche und politische Spannungsfelder zu beleuchten. In „Zwischentage“, ihrem auf Sooner verfügbaren Dokumentarfilm, setzt sie sich mit dem Strukturwandel im Ruhrgebiet auseinander. Mit einem besonderen Augenmerk auf die Ästhetik und Symbolik der ehemaligen Bergbauwelt schuf sie ein Werk, das sowohl die persönliche Betroffenheit der Menschen als auch größere gesellschaftliche Zusammenhänge thematisiert.

Jasmin betonte, dass Dokumentarfilme durch ihre subjektive Perspektive und emotionale Kraft eine einzigartige Möglichkeit bieten, Geschichten zu erzählen. Gleichzeitig sprach sie über die ethische Verantwortung, die sie als Filmemacherin empfindet, wenn sie intime und verletzliche Momente mit der Kamera einfängt.

Empowerment durch Netzwerke: Das „Into the Wild“-Mentoring

Ein weiteres Highlight unseres Gesprächs war Jasmins Erfahrung im „Into the Wild“-Mentoring-Programm, das Frauen in der Filmbranche unterstützt. Jasmin hob die Bedeutung von Solidarität und Netzwerken hervor, die ihr nicht nur berufliche Orientierung, sondern auch persönliche Bestärkung gaben. Diese Erfahrung hat sie dazu inspiriert, auch anderen Frauen in der Branche Unterstützung zu bieten.

Wir freuen uns, dass Jasmins Arbeiten auch auf Sooner ein Zuhause gefunden haben. Ihre Filme wie „Zwischentage“ und „Anwärter“ sind ebenso auf unserer Plattform verfügbar wie ihr kuratierter Channel mit ausgewählten Filmempfehlungen.

Entdecke den Channel von Jasmin Astaki Bardeh

Devid Striesow zählt zu den bemerkenswertesten Schauspielern der deutschen Film- und Theaterszene. Seine außergewöhnliche Wandlungsfähigkeit zeigt sich durch preisgekrönte Auftritte in Theater, Kino und Fernsehen, die sein künstlerisches Spektrum eindrucksvoll belegen.

Devid Striesow

Warum Devid Striesow einer der vielseitigsten Schauspieler Deutschlands ist

Devid Striesow zählt zu den bemerkenswertesten Schauspielern der deutschen Film- und Theaterszene. Seine außergewöhnliche Wandlungsfähigkeit zeigt sich durch preisgekrönte Auftritte in Theater, Kino und Fernsehen, die sein künstlerisches Spektrum eindrucksvoll belegen. Der gebürtige Berliner hat sich durch seine präzise Charakterarbeit und authentische Darstellung einen festen Platz in der deutschen Unterhaltungsbranche gesichert.

Von der Theaterbühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg bis hin zu Oscar-prämierten Filmproduktionen wie "Die Fälscher" demonstriert Striesow seine vielseitige Expertise. Seine Bandbreite reicht von komplexen Charakterrollen in Independent-Filmen über die langjährige "Tatort"-Kommissarrolle bis hin zu musikalischen Darbietungen und innovativen Konzertlesungen. Diese facettenreiche Karriere macht ihn zu einem der vielseitigsten Künstler des deutschen Kulturbetriebs.

Schau dir die Filme von Devid Striesow auf Sooner.de!

Am Deutschen Schauspielhaus Hamburg hat sich Devid Striesow als einer der führenden Theaterschauspieler etabliert. Seine beeindruckende Darstellung in "Wer hat Angst vor Virginia Woolf?" als George zeigt seine außergewöhnliche Bühnenpräsenz. Das Hamburger Schauspielhaus bezeichnet er selbst als "die schönste Sprechbühne im deutschsprachigen Raum".

Erfolge am Deutschen Schauspielhaus Hamburg

Unter der Regie von Karin Beier brillierte Striesow in mehreren Produktionen, darunter "Ödipus" (2022-2023). Seine Darbietungen zeichnen sich durch ein "unglaublich hohes Energielevel" aus, wobei er besonders das "komische Potenzial in messerscharfen Dialogen" meisterhaft zur Geltung bringt.

Preisgekrönte Auftritte am Düsseldorfer Schauspielhaus

Am Schauspielhaus Düsseldorf legte Striesow wichtige Grundsteine seiner Karriere. Besonders hervorzuheben sind seine Auftritte in:

"Hamlet" unter der Regie von Jürgen Gosch (2001)

Zusammenarbeit mit renommierten Regisseuren

Die langjährige Zusammenarbeit mit Thorsten Lensing prägt Striesows Theaterkarriere maßgeblich. "Die Stücke werden über mehrere Jahre vorbereitet und zwei Jahre im Voraus geplant", was die Intensität dieser künstlerischen Partnerschaft unterstreicht. Ein Höhepunkt war die Produktion "Unendlicher Spaß", die 2019 zum Berliner Theatertreffen eingeladen wurde.

Besonders bemerkenswert ist Striesows Entwicklung in der Off-Theaterszene, die ihn bis zu den Salzburger Festspielen führte. Seine Arbeitsphilosophie spiegelt sich in seinem Zitat wider: "Die große Qualität unserer Arbeitsweise ist, dass wir niemals etwas falsch machen können". Diese künstlerische Freiheit ermöglicht es ihm, sich kontinuierlich weiterzuentwickeln und neue theatralische Ausdrucksformen zu erkunden.

Mit seiner Rolle im Film "Die Fälscher" gelang Devid Striesow 2007 der internationale Durchbruch. Der Film, der das größte Geldfälschungsprogramm der Nationalsozialisten thematisiert, wurde mit dem Oscar als bester fremdsprachiger Film ausgezeichnet.

Oscarprämiierte Rolle in 'Die Fälscher'

Für seine eindringliche Darstellung des SS-Offiziers Friedrich Herzog erhielt Striesow den Bundesfilmpreis in der Kategorie "Beste männliche Nebenrolle". Der Film basiert auf der wahren Geschichte des Holocaust-Überlebenden Adolf Burger und wurde von der Kritik als "bewegende Parabel über Moral und Ideale" gelobt.

Vielseitige Charakterdarstellungen in Independent-Filmen

Seine Vielseitigkeit bewies Striesow in der experimentellen Mockumentary "Fraktus", wo er sich 2012 in die fiktive Musikgeschichte der 80er-Jahre wagte. Die Produktion zeigte seine Bereitschaft, sich auch auf unkonventionelle Projekte einzulassen.

Mainstream-Erfolge wie 'Ich bin dann mal weg'

2015 übernahm Striesow die Hauptrolle in der Verfilmung von Hape Kerkelings Bestseller "Ich bin dann mal weg". Der Film, basierend auf einem Buch mit über fünf Millionen verkauften Exemplaren, wurde zu einem bemerkenswerten Publikumserfolg. Striesow's Herangehensweise an die Rolle war dabei besonders bemerkenswert: "Ich sollte ihn als Privatmensch zeigen, wie er dem Publikum bisher weitgehend unbekannt ist. Das Persönliche an der Figur im Film musste ich vornehmlich aus mir selbst herausholen".

Seine Bandbreite als Schauspieler zeigt sich auch in seiner jüngsten Arbeit. In "Im Westen nichts Neues" (2022) verkörperte er die Rolle des Generals Friedrich - eine Produktion, die mit vier Oscar-Auszeichnungen gekrönt wurde.

Striesows Wandlungsfähigkeit im Fernsehen

Im deutschen Fernsehen hat sich Devid Striesow durch seine außergewöhnliche Wandlungsfähigkeit einen Namen gemacht. Seine Vielseitigkeit zeigt sich besonders in der Bandbreite seiner Rollenauswahl und seiner Bereitschaft, sich auf experimentelle Formate einzulassen.

Von 2013 bis 2019 verkörperte Striesow den Hauptkommissar Jens Stellbrink im Saarland-Tatort. Seine Interpretation des unkonventionellen Ermittlers, der mit roter Vespa und später schwarzem Motorrad zu seinen Einsätzen fuhr, brachte eine erfrischende Note in die Krimireihe. Stellbrink zeichnete sich durch seine meditative Art und unorthodoxe Ermittlungsmethoden aus, was anfänglich auf kritische Stimmen stieß, sich aber zu einem charakterstarken Ermittler entwickelte.

Herausfordernde Rollen in TV-Dramen und Miniserien

Besonders beeindruckend war sein Engagement in der Serie "Dignity" (2019), die sich mit der deutschen Sekte Colonia Dignidad in Chile auseinandersetzte. Die Dreharbeiten an Originalschauplätzen und die Begegnung mit noch dort lebenden deutschsprachigen Siedlern beschreibt Striesow als "sehr bedrückend, aber auch eindrucks- und reizvoll". Seine Arbeitsintensität ist bemerkenswert - in Spitzenzeiten drehte er bis zu zwölf Produktionen pro Jahr.

Improvisationstalent in experimentellen Formaten

In jüngster Zeit brilliert Striesow besonders in innovativen Improvisationsformaten. In Produktionen wie "Das Begräbnis" und "Das Fest der Liebe" demonstriert er sein außergewöhnliches Improvisationstalent. Diese Formate zeichnen sich durch ihre einzigartige Produktionsweise aus:

Über 50 Kameras filmen parallel das Geschehen

Die Schauspieler improvisieren ohne festes Drehbuch

Die gesamte Handlung entsteht spontan innerhalb weniger Stunden

Diese experimentellen Projekte unterstreichen Striesows Mut zum künstlerischen Risiko. "Es war wirklich ein sehr chaotischer Dreh und technisch unfassbar herausfordernd", beschreibt er die Arbeit an diesen innovativen Formaten. Seine Fähigkeit, sich auf solch anspruchsvolle Produktionsbedingungen einzulassen, zeigt seine außergewöhnliche Bandbreite als Schauspieler.

Musikalität und künstlerische Vielseitigkeit

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