Devid Striesow zählt zu den bemerkenswertesten Schauspielern der deutschen Film- und Theaterszene. Seine außergewöhnliche Wandlungsfähigkeit zeigt sich durch preisgekrönte Auftritte in Theater, Kino und Fernsehen, die sein künstlerisches Spektrum eindrucksvoll belegen.

Devid Striesow

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Warum Devid Striesow einer der vielseitigsten Schauspieler Deutschlands ist

Devid Striesow zählt zu den bemerkenswertesten Schauspielern der deutschen Film- und Theaterszene. Seine außergewöhnliche Wandlungsfähigkeit zeigt sich durch preisgekrönte Auftritte in Theater, Kino und Fernsehen, die sein künstlerisches Spektrum eindrucksvoll belegen. Der gebürtige Berliner hat sich durch seine präzise Charakterarbeit und authentische Darstellung einen festen Platz in der deutschen Unterhaltungsbranche gesichert.

Von der Theaterbühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg bis hin zu Oscar-prämierten Filmproduktionen wie "Die Fälscher" demonstriert Striesow seine vielseitige Expertise. Seine Bandbreite reicht von komplexen Charakterrollen in Independent-Filmen über die langjährige "Tatort"-Kommissarrolle bis hin zu musikalischen Darbietungen und innovativen Konzertlesungen. Diese facettenreiche Karriere macht ihn zu einem der vielseitigsten Künstler des deutschen Kulturbetriebs.

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Am Deutschen Schauspielhaus Hamburg hat sich Devid Striesow als einer der führenden Theaterschauspieler etabliert. Seine beeindruckende Darstellung in "Wer hat Angst vor Virginia Woolf?" als George zeigt seine außergewöhnliche Bühnenpräsenz. Das Hamburger Schauspielhaus bezeichnet er selbst als "die schönste Sprechbühne im deutschsprachigen Raum".

Erfolge am Deutschen Schauspielhaus Hamburg

Unter der Regie von Karin Beier brillierte Striesow in mehreren Produktionen, darunter "Ödipus" (2022-2023). Seine Darbietungen zeichnen sich durch ein "unglaublich hohes Energielevel" aus, wobei er besonders das "komische Potenzial in messerscharfen Dialogen" meisterhaft zur Geltung bringt.

Preisgekrönte Auftritte am Düsseldorfer Schauspielhaus

Am Schauspielhaus Düsseldorf legte Striesow wichtige Grundsteine seiner Karriere. Besonders hervorzuheben sind seine Auftritte in:

"Hamlet" unter der Regie von Jürgen Gosch (2001)

Zusammenarbeit mit renommierten Regisseuren

Die langjährige Zusammenarbeit mit Thorsten Lensing prägt Striesows Theaterkarriere maßgeblich. "Die Stücke werden über mehrere Jahre vorbereitet und zwei Jahre im Voraus geplant", was die Intensität dieser künstlerischen Partnerschaft unterstreicht. Ein Höhepunkt war die Produktion "Unendlicher Spaß", die 2019 zum Berliner Theatertreffen eingeladen wurde.

Besonders bemerkenswert ist Striesows Entwicklung in der Off-Theaterszene, die ihn bis zu den Salzburger Festspielen führte. Seine Arbeitsphilosophie spiegelt sich in seinem Zitat wider: "Die große Qualität unserer Arbeitsweise ist, dass wir niemals etwas falsch machen können". Diese künstlerische Freiheit ermöglicht es ihm, sich kontinuierlich weiterzuentwickeln und neue theatralische Ausdrucksformen zu erkunden.

Mit seiner Rolle im Film "Die Fälscher" gelang Devid Striesow 2007 der internationale Durchbruch. Der Film, der das größte Geldfälschungsprogramm der Nationalsozialisten thematisiert, wurde mit dem Oscar als bester fremdsprachiger Film ausgezeichnet.

Oscarprämiierte Rolle in 'Die Fälscher'

Für seine eindringliche Darstellung des SS-Offiziers Friedrich Herzog erhielt Striesow den Bundesfilmpreis in der Kategorie "Beste männliche Nebenrolle". Der Film basiert auf der wahren Geschichte des Holocaust-Überlebenden Adolf Burger und wurde von der Kritik als "bewegende Parabel über Moral und Ideale" gelobt.

Vielseitige Charakterdarstellungen in Independent-Filmen

Seine Vielseitigkeit bewies Striesow in der experimentellen Mockumentary "Fraktus", wo er sich 2012 in die fiktive Musikgeschichte der 80er-Jahre wagte. Die Produktion zeigte seine Bereitschaft, sich auch auf unkonventionelle Projekte einzulassen.

Mainstream-Erfolge wie 'Ich bin dann mal weg'

2015 übernahm Striesow die Hauptrolle in der Verfilmung von Hape Kerkelings Bestseller "Ich bin dann mal weg". Der Film, basierend auf einem Buch mit über fünf Millionen verkauften Exemplaren, wurde zu einem bemerkenswerten Publikumserfolg. Striesow's Herangehensweise an die Rolle war dabei besonders bemerkenswert: "Ich sollte ihn als Privatmensch zeigen, wie er dem Publikum bisher weitgehend unbekannt ist. Das Persönliche an der Figur im Film musste ich vornehmlich aus mir selbst herausholen".

Seine Bandbreite als Schauspieler zeigt sich auch in seiner jüngsten Arbeit. In "Im Westen nichts Neues" (2022) verkörperte er die Rolle des Generals Friedrich - eine Produktion, die mit vier Oscar-Auszeichnungen gekrönt wurde.

Striesows Wandlungsfähigkeit im Fernsehen

Im deutschen Fernsehen hat sich Devid Striesow durch seine außergewöhnliche Wandlungsfähigkeit einen Namen gemacht. Seine Vielseitigkeit zeigt sich besonders in der Bandbreite seiner Rollenauswahl und seiner Bereitschaft, sich auf experimentelle Formate einzulassen.

Von 2013 bis 2019 verkörperte Striesow den Hauptkommissar Jens Stellbrink im Saarland-Tatort. Seine Interpretation des unkonventionellen Ermittlers, der mit roter Vespa und später schwarzem Motorrad zu seinen Einsätzen fuhr, brachte eine erfrischende Note in die Krimireihe. Stellbrink zeichnete sich durch seine meditative Art und unorthodoxe Ermittlungsmethoden aus, was anfänglich auf kritische Stimmen stieß, sich aber zu einem charakterstarken Ermittler entwickelte.

Herausfordernde Rollen in TV-Dramen und Miniserien

Besonders beeindruckend war sein Engagement in der Serie "Dignity" (2019), die sich mit der deutschen Sekte Colonia Dignidad in Chile auseinandersetzte. Die Dreharbeiten an Originalschauplätzen und die Begegnung mit noch dort lebenden deutschsprachigen Siedlern beschreibt Striesow als "sehr bedrückend, aber auch eindrucks- und reizvoll". Seine Arbeitsintensität ist bemerkenswert - in Spitzenzeiten drehte er bis zu zwölf Produktionen pro Jahr.

Improvisationstalent in experimentellen Formaten

In jüngster Zeit brilliert Striesow besonders in innovativen Improvisationsformaten. In Produktionen wie "Das Begräbnis" und "Das Fest der Liebe" demonstriert er sein außergewöhnliches Improvisationstalent. Diese Formate zeichnen sich durch ihre einzigartige Produktionsweise aus:

Über 50 Kameras filmen parallel das Geschehen

Die Schauspieler improvisieren ohne festes Drehbuch

Die gesamte Handlung entsteht spontan innerhalb weniger Stunden

Diese experimentellen Projekte unterstreichen Striesows Mut zum künstlerischen Risiko. "Es war wirklich ein sehr chaotischer Dreh und technisch unfassbar herausfordernd", beschreibt er die Arbeit an diesen innovativen Formaten. Seine Fähigkeit, sich auf solch anspruchsvolle Produktionsbedingungen einzulassen, zeigt seine außergewöhnliche Bandbreite als Schauspieler.

Musikalität und künstlerische Vielseitigkeit

Die musikalische Laufbahn von Devid Striesow begann bereits in seiner frühen Kindheit auf der Insel Rügen. Seine künstlerische Prägung verdankt er maßgeblich seiner Mutter, einer ehemaligen Sängerin, die sein musisches Talent früh erkannte und förderte [14].

Mit sechs Jahren begann Striesows musikalische Ausbildung am Konservatorium, wo er zunächst Geige lernte. Seine instrumentale Vielseitigkeit umfasst ein beeindruckendes Repertoire:

Klavier als Teil seiner musikalischen Ausbildung

In seiner Jugend in Rostock wandte er sich dem Folk-Punk zu und gründete die Band Fußvolk, die sich besonders der Interpretation von Pogues-Songs widmete.

Einsatz musikalischer Fähigkeiten in Schauspielrollen

Seine musikalische Expertise fließt regelmäßig in seine schauspielerische Arbeit ein. 2012 demonstrierte er sein musikalisches Verständnis in der Mockumentary "Fraktus", wo er einen Musikproduzenten verkörperte. Sein Schauspielkollege Ulrich Mühe beschreibt Striesows Darstellungskunst als "zart wie die frühe Liebe" und gleichzeitig "grob wie die Axt im Walde".

Besonders bemerkenswert ist Striesows Engagement im Podcast "Klassisch drastisch", den er seit 2018 gemeinsam mit Axel Ranisch moderiert. In über 50 Sendungen haben sie es sich zur Aufgabe gemacht, klassische Musik einem breiten Publikum zugänglich zu machen. "Wir suchen teilweise Komponisten aus, die kaum jemand noch kennt, die aber spektakuläre Biografien haben", erklärt Striesow das Konzept.

Eine innovative Verschmelzung von Literatur und Musik präsentiert er in seinen Konzertlesungen. Bei der Interpretation von Günter Grass' "Die Blechtrommel" arbeitet er mit dem Multipercussionisten Stefan Weinzierl zusammen. Dessen einzigartiges Klangspektrum von Vibraphon, Marimba und Live-Elektronik ergänzt Striesows intensive Textdarbietung. Diese Symbiose aus Sprache und Musik schafft ein "einzigartiges, intensives Text-Musik-Erlebnis".

Devid Striesows künstlerische Laufbahn zeichnet sich durch außergewöhnliche Vielseitigkeit aus. Seine preisgekrönten Darstellungen - vom Hamburger Schauspielhaus über Oscar-prämierte Filmproduktionen bis hin zu innovativen Fernsehformaten - belegen seine herausragende Position in der deutschen Kulturlandschaft. Diese bemerkenswerte Bandbreite, gepaart mit seiner musikalischen Begabung, macht ihn zu einem der facettenreichsten Künstler seiner Generation.

Seine Bereitschaft, künstlerische Risiken einzugehen und sich kontinuierlich weiterzuentwickeln, prägt die deutsche Theater-, Film- und Fernsehszene nachhaltig. Striesows authentische Darstellungskunst und sein Mut zu experimentellen Formaten inspirieren eine neue Generation von Künstlern. Entdecke Filme mit Devid Striesow und erlebe einen Schauspieler, dessen Wandlungsfähigkeit und Präzision die deutsche Unterhaltungsbranche maßgeblich bereichert haben.

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Auf dem Rückweg vom Manöver zur Kaserne bleibt der Rekrut Paul unbemerkt an einer Raststätte zurück. Die Kompanie fährt ab, und Paul fährt nach Hause, in den Bungalow seiner Eltern.

Sie sind verreist. Sein "Heimaturlaub" wird schnell kompliziert: Die Bundeswehr sucht ihn, seine Freundin Kerstin macht mit ihm Schluss und unerwartet taucht sein älterer Bruder Max mit seiner dänischen Freundin Lene auf.

Sophie flüchtet nach Marseille. Sie streift alleine fotografierend durch die Straßen. Je mehr sie sich der Stadt überlässt, desto unmöglicher erscheint ihr ihr bisheriges Leben...

Langsam entsteht Figuren, die sich zu einer Geschichte verknüpfen, dann folgt ein Schnitt, und Sophie ist zurück in Berlin.

Im Mittelpunkt steht die Beziehung zwischen den Regisseuren Bella und Andreas, die Themen wie Liebe, Sex, Freundschaft und Begehren beleuchten.

Bekannt wurden das Regieduo durch den Dokumentarfilm SPRACHE:SEX. Auch hier gehen sie nah ran, um die Themen Liebe, Sex, Spontanität, Freundschaft und Begehren zu beleuchten.

Bella (Saskia Walker) und Andreas (Ralf Walker) leben seit Jahren in einer glücklichen, offenen Beziehung. Verabredungen mit anderen sind okay, und tatsächlich schläft Andreas gerne mit Männern. Gut, dass sie mit Daniel (Devid Striesow) befreundet sind, der offen für alles ist.

Der Kurzfilm von Corinne Le Hong wagt einen etwas anderen Blick auf auf das Leben in einer psychiatrischen Klinik.

Joachim (David Striesow) leidet an Halluzinationen. Leidet? Nein, eigentlich unterhalten ihn die Patrulls, kleine Papiermännchen, ganz vorzüglich und auch der Aufenthalt in der psychiatrischen Klinik gönnt ihm endlich Ruhe vor dem Trubel draußen. Bis Alma (Petra Schmidt-Schaller) in sein Leben tritt, deren feenhafte Erscheinung alles durcheinanderbringt.

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ÖTE, unter Co-Regie von Esra Saydam und Malik Isasis gedreht, ist ein Liebesbrief an die einzigartige Magie des Solo-Travelings und ist jetzt auf SOONER verfügbar. Premiere feierte der Backpack Film auf dem Tribeca Filmfestival

Malik Isasis | Sooner Blog

Über die Magie des Solo-Travelings. Als PoC quer durch die Türkei.

Der Film über Lelas Türkeireise feierte seine Premiere auf dem Tribeca Filmfestival.

Die Magie des Solo-Travelings in "ÖTE" - Der Regisseur im Interview mit SOONER

Kaffee, wunderschöne Landschaften und spontane Begegnungen - Die New Yorkerin Lela reist mit Backpack und innerer Ruhe durch die Türkei, auf dem Weg nach Armenien. ÖTE, unter Co-Regie von Esra Saydam und Malik Isasis gedreht, ist ein Liebesbrief an die einzigartige Magie des Solo-Travelings und ist jetzt auf SOONER verfügbar.

ÖTE ist mehr als ein Film über das alleine Reisen; er feiert das Überschreiten von Grenzen, sowohl geografisch als auch persönlich, und präsentiert eine frische, ermutigende Erzählung, die den Geist der Erkundung und Entdeckung widerspiegelt. Im Gegensatz zu den typischen Geschichten über schwarze Frauen konzentriert sich ÖTE auf Lelas Reise, ohne in Klischees zu verfallen. In der neuen Folge des SOONERCAST geht ÖTE-Regisseur Malik Isasis auf die Bedeutung von vielfältigen filmischen Darstellungen des Lebens schwarzer Frauen - abseits des „Trauma-Porns“ - ein.

TROUBLE EVERY DAY: "Trouble Everyday ist sinnlich, aber die unauslöschlichen Bilder des Films sind verstörend." (Malik Isasis, Regisseur Öte)

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Vom Fußballverein, über die Bühne im Theater, hinter die Kamera. Die Hamburger Regisseurin Justina Jürgensen spricht im SOONER-Interview über ihren beeindruckenden Werdegang zur Regisseurin

Justina Jürgensen - Into the Wild Mentoring

Bayern München und Feminismus. Als Frau im Fußball und in der Filmwelt mit Justina Jürgensen

Die Hamburger Regisseurin Justina Jürgensen spricht im SOONER-Interview über ihren beeindruckenden Werdegang zur Regisseurin.

Vom Fußballverein, über die Bühne im Theater, hinter die Kamera.

Vom Fußballverein, über die Bühne im Theater, hinter die Kamera. Die Hamburger Regisseurin Justina Jürgensen spricht im SOONER-Interview über ihren beeindruckenden Werdegang zur Regisseurin und über Sexismus und Heteronormativität - nicht nur im Fußball. 2006 während der WM packte die junge Justina das Fußballfieber. Eine Mädchenmannschaft gab es nicht, also spielte sie mit den Jungs im Verein. Als junge Erwachsene gestand sie sich ein, dass es im Profifußball für Frauen nicht besonders rosig aussieht - und so fokussierte sie sich auf ihre andere große Leidenschaft: das Schauspiel und Theater. Als Regieassistentin im Theater packte sie der Wunsch, selbst einmal die Geschichten zu erzählen. Der Traum wurde Realität: 2017 begann sie ihr Studium an der Hochschule für Fernsehen und Film München und arbeitet an ihren eigenen Filmen als Regisseurin und Autorin.

Ihr Film WHAT THE FUCK IS GOING ON BETWEEN US, FUCK?, der auch auf SOONER zur Verfügung steht, spielt im Kosmos des Frauenfußballs und handelt von einer lesbischen Liebesbeziehung in der Mannschaft. Wieder war es die Fußballweltmeisterschaft, die sie inspirierte, sodass sie aktuell eine Serie über die Welt des Frauenfussballs entwickelt. Diesmal aber geht sie mit dem Sport härter ins Gericht: Die sexistischen Strukturen, findet sie, gehören auf den Scheiterhaufen. Diese gibt es leider nicht nur im Sport, sondern auch in der Filmbranche. Dagegen setzt sich das Into The Wild Mentoring Programm ein. Durch die gezielte Förderung von weiblichen Nachwuchstalenten aus der Branche, wie auch Justina, soll für mehr Vielfalt und Gerechtigkeit in der Industrie gesorgt werden. Justina ist dankbar für das Mentoring, da hier dazu aufgerufen wird, sich gegenseitig zu unterstützen und Banden zu bilden, statt sich mit Ellenbogen durchzukämpfen. Denn wie Fußball ist auch Film ein Teamsport! Justina ist ein politischer Mensch. Einer ihrer Lieblingsfilme ist der DEFA-Film DIE MÖRDER SIND UNTER UNS - ein Nachkriegsfilm, in dem die Filmschaffenden schon kurz nach Ende des Zweiten Weltkrieges verstanden und reflektiert haben, welche Grausamkeiten geschehen sind und sich im zertrümmerten Berlin mit der deutschen Kriegsschuldfrage befasst haben. Der Rechtsruck besorgt sie, und sie sieht eine Verantwortung unter Künstler*innen, sich dagegen einzusetzen. Das gesamte Interview ist für euch ab jetzt verfügbar, genauso wie Justinas kuratierten Filmempfehlungen. Jetzt reinhören!

I KILLED MY MOTHER (Xavier Dolan): "Was für ein furioses Debut! Zart und kraftvoll zugleich." (Justina Jürgensen)

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'Soul Kitchen' von Fatih Akin steht als Meilenstein des deutschen Kinos des 21. Jahrhunderts. Der Film prägte 2009 nicht nur die deutsche Filmlandschaft, sondern setzte auch neue Maßstäbe für das Genre der Komödie. Diese Geschichte eines Hamburger Restaurants entwickelte sich schnell zu einem der bedeutendsten deutschen Filme seiner Zeit.

Wie 'Soul Kitchen' von Fatih Akin die deutsche Filmszene revolutionierte

Wie 'Soul Kitchen' die deutsche Filmszene revolutionierte

'Soul Kitchen' steht als Meilenstein des deutschen Kinos des 21. Jahrhunderts. Der Film prägte 2009 nicht nur die deutsche Filmlandschaft, sondern setzte auch neue Maßstäbe für das Genre der Komödie. Diese Geschichte eines Hamburger Restaurants entwickelte sich schnell zu einem der bedeutendsten deutschen Filme seiner Zeit.

Regisseur Fatih Akin schuf mit 'Soul Kitchen' ein einzigartiges Werk, das technische Innovation mit kultureller Vielfalt verbindet. Der Film zeichnet sich durch seine außergewöhnliche Besetzung und seinen authentischen Blick auf das moderne Hamburg aus. Diese Elemente trugen maßgeblich dazu bei, dass Soul Kitchen zu einem wegweisenden Projekt der deutschen Filmgeschichte wurde.

Die Entstehungsgeschichte von 'Soul Kitchen'

Die Geschichte von Soul Kitchen begann bereits 2003/2004, als Fatih Akin das Projekt ursprünglich als Nachfolger von Gegen die Wand konzipierte. Der Entstehungsprozess nahm einen überraschenden Anfang: Akin experimentierte mit einem neuen Textprogramm und schrieb ohne konkrete Vision drauflos. Inspiration fand er in der persönlichen Krise seines Freundes Adam Bousdoukos, der zu dieser Zeit sowohl private als auch berufliche Herausforderungen meisterte.

Nach dem Erfolg von Gegen die Wand legte Akin das Projekt zunächst auf Eis - eine "rotzige Komödie" schien den hohen Erwartungen nicht mehr zu entsprechen. Erst der Tod seines Produktionspartners Andreas Thiel führte zu einem Umdenken. Thiels Ermutigung "Ist doch scheißegal, was die Leute sagen" wurde zum Leitmotiv der Wiederaufnahme des Projekts.

Die zweijährige Produktionsphase wurde von bedeutenden Erfolgen gekrönt:

Spezialpreis der Jury bei den 66. Filmfestspielen von Venedig

Art Cinema Award beim Hamburger Filmfest 2009

Norddeutscher Filmpreis 2009 für das beste Drehbuch

Bemerkenswert ist auch, dass Hauptdarsteller Moritz Bleibtreu für Soul Kitchen sogar eine Rolle in Quentin Tarantinos Inglourious Basterds ausschlug - ein Zeichen für die besondere Bedeutung des Projekts.

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Kneipenbesitzer Zinos ist vom Pech verfolgt: erst zieht seine Freundin Nadine für einen neuen Job nach Shanghai, dann erleidet er einen Bandscheibenvorfall. Als er in seiner Not den exzentrischen Spitzenkoch Shayn engagiert, bleiben auf einmal auch noch die ohnehin schon wenigen Stammgäste aus. Und als wäre das nicht schon genug, taucht auch noch sein leicht krimineller Bruder Illias auf und bittet ihn um Hilfe.

1915: Der Armenier Nazaret lebt mit Frau und Töchtern glücklich in Mardin. Bis ihn türkische Truppen nachts aus dem Haus zerren und zum Straßenbau zwingen und die Situation eskaliert. Ihm und Mitgefangenen wird die Kehle durchgeschnitten. Doch Nazaret überlebt, er kann flüchten, findet in einem Camp in der Wüste aber nur noch Sterbende vor.

Die außergewöhnliche Besetzung erwies sich als einer der wichtigsten Erfolgsfaktoren von Soul Kitchen. Fatih Akin setzte dabei auf ein bewährtes Ensemble aus seinen früheren Produktionen, was seine Filmfirma treffend als "Best-of-Cast" bezeichnete.

Zentrale Rollen wurden mit vertrauten Gesichtern besetzt:

Moritz Bleibtreu (Im Juli, Solino) als Illias Kazantsakis

Birol Ünel (Gegen die Wand) als exzentrischer Koch Shayn

Adam Bousdoukos (Kurz und schmerzlos) als Zinos

Besonders bemerkenswert war die intensive Vorbereitung der Schauspieler auf ihre Rollen. Birol Ünel erhielt für seine Darstellung des Küchenchefs spezielles Coaching von Spitzenkoch Ali Güngörmüs und dem Experten Joern Martens. Diese Detailgenauigkeit spiegelte sich in der Authentizität der Darstellung wider.

Die Chemie zwischen den Darstellern überzeugte auch die Kritiker. Das Publikum in Venedig war von der komisch-rührenden Atmosphäre begeistert, die maßgeblich durch das harmonische Zusammenspiel der Schauspieler entstand. Anna Bederke als Lucia und Pheline Roggan als Nadine rundeten das Ensemble perfekt ab und trugen zur lebendigen Atmosphäre des Films bei.

Technische Brillanz kennzeichnet Fatih Akins Arbeit bei Soul Kitchen in verschiedenen Aspekten. Der Regisseur nutzte innovative Drehtechniken, um das authentische Hamburg abseits der Touristenpfade einzufangen. Ein Paradebeispiel dafür ist die kreative Nutzung des Museumsschiffs Rickmer Rickmers, das im Film eine Reise von Beirut nach Kuba simuliert – ohne je den Hamburger Hafen zu verlassen.

Die musikalische Untermalung des Films wurde zu einem technischen Meisterwerk eigener Art. Der Soundtrack entwickelte sich zu einem bemerkenswerten Erfolg:

Top-3-Platzierung in den griechischen Charts

Innovative Mischung aus Soul-Klassikern und multikulturellen Klängen

Besonders bemerkenswert war Akins technischer Ansatz zur Komödie, die er selbst als "höchste Disziplin" bezeichnete. Die kulinarischen Szenen wurden durch Isabel Allendes Kochbuch "Aphrodite" inspiriert, was zu einer einzigartigen visuellen Darstellung der Gerichte führte. Die technische Umsetzung dieser Sequenzen trug maßgeblich zur authentischen Atmosphäre des Films bei.

Die Bildsprache des Films zeigt ein Hamburg fernab der üblichen Hochglanz-Aufnahmen. Akin setzte dabei bewusst auf Locations in Wilhelmsburg und auf der Veddel, die er mit seiner charakteristischen Handschrift in Szene setzte. Diese technische Herangehensweise schuf eine einzigartige Verschmelzung von Realismus und künstlerischer Vision.

Der gesellschaftliche Einfluss von 'Soul Kitchen'

Als kulturelles Phänomen entwickelte sich Soul Kitchen zu einem wichtigen Kommentar über städtischen Wandel und gesellschaftliche Veränderung. Der Film thematisiert die Gentrifizierung in Hamburg-Wilhelmsburg und wurde von Kritikern als moderner "Heimatfilm" bezeichnet - eine zeitgemäße Interpretation eines klassischen deutschen Genres.

Fatih Akin nutzte die Geschichte des Soul Kitchen als Metapher für den Kampf um kulturelle Identität in einer sich wandelnden Stadt. Der Film zeigt eindrucksvoll die Transformation eines Arbeiterviertels:

Von einer einfachen Imbissbude zum hippen Szenelokal

Vom Arbeiterviertel zum Spekulationsobjekt

Von lokaler Gemeinschaft zur urbanen Trenddestination

Besonders bemerkenswert ist Akins Darstellung des modernen Hamburgs als multikultureller Schmelztiegel. Der Regisseur setzte sich bewusst für den Erhalt historischer Stadtteile ein, wie etwa des Gängeviertels, und nutzte seinen Film als Plattform für kulturellen Aktivismus. Die Geschichte des Soul Kitchen wurde damit zu einem Symbol für den Widerstand gegen die Auflösung gewachsener Stadtstrukturen.

Der Film entwickelte sich zu einer tragikomischen Liebeserklärung an Hamburg und seine Bewohner. Er thematisiert die Bedeutung von "Heimat" in einer zunehmend globalisierten Welt und zeigt, wie wichtige soziale Räume als Schutzzone für Modernisierungsverlierer dienen können.

Soul Kitchen steht als beeindruckendes Beispiel dafür, wie deutsches Kino kulturelle Vielfalt, technische Innovation und authentisches Storytelling meisterhaft vereinen kann. Der Film präsentiert nicht nur ein lebendiges Porträt des modernen Hamburgs, sondern erzählt auch eine universelle Geschichte über Heimat, Identität und gesellschaftlichen Wandel. Fatih Akins geschickte Regie, gepaart mit dem außergewöhnlichen Ensemble und der technischen Brillanz, erschuf ein Werk, das die deutsche Filmlandschaft nachhaltig prägte.

Diese einzigartige Mischung aus Komödie und sozialer Beobachtung macht Soul Kitchen zu einem zeitlosen Dokument städtischer Transformation und kultureller Evolution. Der Film inspiriert auch heute noch neue Generationen von Filmemachern und Zuschauern gleichermaßen - schau dir Soul Kitchen von Fatih Akin auf Sooner.de an! Seine Bedeutung als Meilenstein des deutschen Kinos bleibt unbestritten, während seine Botschaft über Gemeinschaft, Veränderung und den Wert kultureller Räume aktueller erscheint denn je.

Der beeindruckende Weg von Joana Mallwitz, einer der führenden Dirigentinnen Europas, zur Chefdirigentin des Konzerthausorchesters Berlin.

Joana Mallwitz | SOONER BLOG

Joana Mallwitz gehört heute zu den bemerkenswertesten Persönlichkeiten der klassischen Musikszene.

Joana Mallwitz: Dirigentin mit Leidenschaft und Antrieb

Seit August 2023 ist sie Chefdirigentin des Konzerthausorchesters Berlin, und ihre Karriere verzeichnet eine beeindruckende Liste an Meilensteinen: Mit nur 27 Jahren wurde sie zur jüngsten Generalmusikdirektorin Europas ernannt und hat seither auf renommierten Bühnen in ganz Europa dirigiert, darunter München, Paris und Salzburg.

Der Dokumentarfilm Joana Mallwitz – Momentum bietet nun einen eindrucksvollen Blick hinter die Kulissen ihres Lebens und Wirkens, ihre Probenarbeit mit Orchestern und die Herausforderungen einer Dirigentin in einem männlich dominierten Berufsfeld.

In der Doku wird Joana Mallwitz über zwei Jahre hinweg begleitet und zeigt nicht nur ihre Professionalität und Musikalität, sondern auch die privaten Herausforderungen, die mit ihrem Lebensweg verbunden sind. Mit der Geburt ihres Sohnes stand sie und ihr Mann vor der Aufgabe, die Arbeit und Familie zu koordinieren – eine Aufgabe, die sie mit großem Engagement und viel Unterstützung meistern.

könnt ihr nun exklusiv bei Sooner streamen!

Ein tiefgehendes Gespräch über Dekolonisierung und die Welt der Requisiten mit Susanne Weirich und Robert Bramkamp.

Robert Bramkamp und Susanne Weirich | SOONER BLOG

Kolonialismus überwinden - Film dekolonisieren. Hinter den Kulissen mit Robert Bramkamp und Susanne Weirich

Ein tiefgehendes Gespräch über Dekolonisierung und die Welt der Requisiten mit Susanne Weirich und Robert Bramkamp

Neue SOONER Podcast Folge: Ein Interview mit dem Regio-Duo von DIE AUSSTATTUNG DER WELT

In unserer neuesten SOONER Podcast Folge begrüßen wir die kreativen Köpfe hinter dem Doku-Fiction Film DIE AUSSTATTUNG DER WELT – Susanne Weirich und Robert Bramkamp. Das Duo hat mit Projekten wie dem Sci-Fi-Film ART GIRLS und DIE AUSSTATTUNG DER WELT die Grenzen zwischen Film und bildender Kunst verwischt. In unserem Gespräch erfahren wir mehr über ihre beeindruckende Zusammenarbeit und die künstlerische Synergie, die ihre Werke so einzigartig macht.

DIE AUSSTATTUNG DER WELT ist eine einzigartige Mischung aus Dokumentarfilm und Fiktion, die einen tiefen Einblick in die Welt der Requisitenhäuser und die Arbeit von Requisiteur*innen bietet. Der Film, der seine Premiere bei DOK Leipzig feierte, thematisiert auch die Dekolonisierung. Weirich und Bramkamp beleuchten, wie die Requisitenwelt als Spiegel der realen Welt fungiert und koloniale sowie rassistische Werte reflektiert. Die Regisseur*innen erklären, warum dieses Thema ihnen so am Herzen liegt und wie sie es in ihren Film integriert haben.

WHATEVER HAPPEND TO MY REVOLUTION: "Der Film nimmt Arbeit und die Diskussion darüber, was das inzwischen noch sein kann und welche Rolle die Liebe dabei spielen kann, sehr ernst." 

Entdecke Susannes und Roberts kuratierten Channel!

Toni Karat, non-binäre Künstler*in und Filmemacher*in aus Berlin, erzählt von dem Weg in die Filmindustrie, inspiriert durch das feministische Pornfilmfestival

toni karat - meltingpoint images

Sich selbst lieben! Queeres Leben im Patriarchat in NARCISSISM von Toni Karat

Toni Karat, non-binäre Künstler*in und Filmemacher*in aus Berlin.

Toni erzählt von dem Weg in die Filmindustrie, inspiriert durch das feministische Pornfilmfestival.

Toni Karat, Künstler*in und Filmemacher*in, erzählt von dem Weg in die Filmindustrie, inspiriert durch das feministische Pornfilmfestival Berlin. Toni realisierte nach dem Besuch eigenständig den ersten Kurzfilm und eignete sich autodidaktisch Filmtechniken an, sukzessive alle auch für einen Langfilm nötigen Gewerke. In den eigenen Werken setzt they sich mit queeren Lebensrealitäten, Selbstliebe und Patriarchatskritik auseinander, wobei größtmögliche Authentizität und ein unverstellter Blick im Vordergrund stehen.

 In Tonis neuestem Film, NARCISSISM - The Auto-Erotic Images, wird der intime Blick in den Spiegel erforscht, begleitet von Interviews über Gender, Narzissmus und Selbstliebe. 2022 gewann der Film auf dem Pornfilmfestival Berlin den Best Documentary Award und 5 weitere Dokumentarfilmpreise. Toni diskutiert im exklusiven SOONER-Interview auch die Herausforderungen des Filmemachens in Deutschland, wie aktuell komplexe Förderstrukturen und bürokratische Hürden bei der Produktion des neuen Dokumentarfilms und wünscht sich generell mehr Unterstützung für mutigere, experimentellere Projekte, wie auch von marginalisierten Gemeinschaften, um Vielfalt und Gerechtigkeit in der Filmbranche zu fördern. Durch Tonis filmisches Schaffen werden das Engagement für Selbstausdruck und die Überwindung von kreativen Barrieren reflektiert. Mehr Infos: https://meltingpointimages.wordpress.com/

OUT IN OST-BERLIN: "wichtige filmische schwullesbische Geschichtsschreibung in Ostberlin - im Spannungsfeld Alltag, politischer Aktivismus und Stasibeobachtung." (Toni Karat)

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Tamara Denić, die als Kleinkind vor dem Krieg im ehemaligen Jugoslawien nach Deutschland fliehen musste, ist eine aufstrebende Regisseurin, deren Werke weit über Ländergrenzen hinausgehen.

Tamara Denić | Sooner Blog

Gewinnerin des Student-Oscars über Freiheit, Migration und die Gefahr von Rechts.

Feminismus, Flucht und Filmkunst: Into The Wild Mentee Tamara Denić im Interview

"Wir sind noch lange nicht bei den 50 Prozent angekommen."

Tamara Denić, die als Kleinkind vor dem Krieg im ehemaligen Jugoslawien nach Deutschland fliehen musste, ist eine aufstrebende Regisseurin, deren Werke weit über Ländergrenzen hinausgehen. Mit ihrem Film ISTINA, der 2023 einen Student*innen-Oscar gewann, bringt sie individuelle Geschichten mit universellem Charakter auf die Leinwand. Der Film, teils in Belgrad gedreht, erzählt die bewegende Geschichte einer Fotojournalistin, die vor rechter Gewalt fliehen muss. 

In der neuen Folge des SOONER Podcast sprechen wir mit Tamara Denić über ihre Erfahrungen im Into The Wild-Mentoring, einem Mentoringprogramm für junge Frauen aus der Filmbranche. Ihre Überzeugung, dass Feminismus weiterhin von großer Bedeutung ist und intersektional sein muss, spiegelt sich nicht nur in ihrem Blick auf die Filmbranche wider, sondern auch in ihren Filmen. Diese setzen sich einfühlsam mit der weiblichen Erfahrung von Gefahr und Bedrohung auseinander und sind ab jetzt gemeinsam mit Tamaras kuratierten Filmempfehlungen auf SOONER verfügbar.

YUGODIVAS: "Der Film hat mich sehr bewegt, denn auch ich bin mit meinen Eltern 1992 vor dem Krieg geflohen und verstehe sehr gut, wie heilsam der kreative Schaffensprozess sein kann." (Tamara Denić)

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In unserem Podcast spricht Paul über den Weg zum Film, das Studium an der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF, die Inspiration für den Film "ALLES HAT EIN ENDE" und die kreative Arbeit mit dem Kollektiv Lunchbox Candy. Hört rein, um mehr zu erfahren!

PAUL SCHEUFLER | SOONER BLOG

Regisseur* und Student* an der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF

Auf SOONER läuft Pauls neuester Film "ALLES HAT EIN ENDE"

Zwischen der Filmuni Babelsberg und dem queeren Berlin

Paul Scheufler, geboren 1998 in Graz, Österreich, ist ein aufstrebender Regisseur*, der derzeit an der renommierten Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF studiert. Schon früh zeigte Paul eine Leidenschaft für das Filmemachen und konnte während einer Ausbildung in Film & MultimediaArt als Autor* und Regisseur* mehrere fiktionale und dokumentarische Kurzfilme realisieren. Diese vielseitigen Talente führten Paul auch auf die Bühne, als Schauspieler* in Jugendtheatern in Graz.

Auf SOONER läuft Pauls neuester Film "ALLES HAT EIN ENDE", der seine Premiere beim Bundesfestival junger Film 2022 feierte und im Studium an der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF entstand. Der Film erzählt die Geschichte von Helen, einer mittelalten Frau, die Bratwürste aus einem mobilen Bauchladen verkauft. Die Kundschaft ignoriert sie jedoch, bis sie beschließt, aus ihrer Rolle auszubrechen. Der Film behandelt Themen wie prekäre Arbeitssituationen und den Druck, den gesellschaftliche Erwartungen ausüben. Paul beschreibt den Film als einen Aufruf, auch mal etwas falsch zu machen und intuitiv auf die eigenen Bedürfnisse zu hören. „Go Helen!“ ist dabei nicht nur ein Slogan, sondern ein Aufruf zur Selbstermächtigung.

Next Generation: Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF

Entdecke weitere Talente der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF

Wir freuen uns, in unserer neuesten SOONER Podcast-Episode die zwei aufstrebende Talente der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF, Adam Frag und Mandy Peterat,  begrüßen zu dürfen. Wir sprechen mit ihnen über ihren Kurzfilm STAINED SKIN – Ein Märchen, das sich metaphorisch mit den Missständen in der Fast-Fashion-Industrie auseinandersetzt.

Adam Graf und Mandy Peterat | SOONER BLOG

STAINED SKIN – Fast-Fashion im Film - Wie Student*innen sich widersetzen 

STAINED SKIN führt in eine dystopische Textilfabrik, in der zwei junge Arbeiterinnen, Alba und Samy, in den rhythmischen Takt der Maschinen eingebunden sind.

Neue SOONER Podcast Folge: Ein Interview mit dem Regio-Duo von STAINED SKIN

Wir freuen uns, in unserer neuesten SOONER Podcast-Episode zwei aufstrebende Talente der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF begrüßen zu dürfen: Adam Graf und Mandy Peterat. Adam, geboren 1995 in Österreich, hat sich als Kameramann bereits international einen Namen gemacht, während Mandy, 1993 in Berlin geboren, aus einer traditionsreichen Schneidersfamilie stammt und ihre Leidenschaft für bildende Kunst und Raumgestaltung in die Welt des Films überträgt. Gemeinsam haben sie den Kurzfilm STAINED SKIN geschaffen, der nun auf Sooner verfügbar ist.

STAINED SKIN führt in eine dystopische Textilfabrik, in der zwei junge Arbeiterinnen, Alba und Samy, in den rhythmischen Takt der Maschinen eingebunden sind. Die Geschichte nimmt eine mystische Wendung, als Alba beginnt, die Geschichte von Nanami zu erzählen, einem Mädchen, das am Meeresgrund lebt und versucht, sich aus der Versklavung zu befreien. Der Film verschmilzt Realität und Märchen und setzt sich metaphorisch mit den Missständen in der Fast-Fashion-Industrie auseinander. Adam und Mandy haben in ihrer ersten gemeinsamen Regiearbeit die Grenzen ihrer bisherigen Rollen als Kameramann und Szenenbildnerin überschritten und gemeinsam mit den magischen Animationen von Andrei Ebinca eine visuell beeindruckende und tiefgründige Erzählung geschaffen. 

In unserem Podcast sprechen wir mit Adam und Mandy über ihren Weg zum Filmemachen, die Entstehung und die Herausforderungen bei der Produktion von "Stained Skin" und ihre Erfahrungen an der Filmuni Babelsberg KONRAD WOLF. Sie geben spannende Einblicke in ihre kreative Zusammenarbeit und teilen ihre Einblicke in die Filmbranche. Hört rein und lernt die beiden Regisseur*innen hinter den Kulissen kennen!

Einem der Hotspots für die nächste Generation von Filmschaffenden für innovatives und begeisterndes Kino.

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Ayla Yildiz hat mit ihrem Dokumentarfilm Me Time eine bewegende Dokumentation geschaffen, die kinderfreies Leben, idealisierte Mutterrollen und den gesellschaftlichen Druck auf Frauen offen anspricht. In unserer SOONERCAST-Folge beschreibt Ayla den Film mit einem Wort: "Selbstbestimmung".

Ayla Yildiz | SOONER BLOG

Im SOONER-Podcast spricht Ayla Yildiz über die Entstehung von ME TIME und warum das Thema Selbstbestimmung ihr so wichtig ist.

Kinderfrei und glücklich: Die unbequeme Wahrheit hinter ME TIME

Ayla Yildiz hat mit ihrem Dokumentarfilm Me Time eine bewegende Dokumentation geschaffen, die kinderfreies Leben, idealisierte Mutterrollen und den gesellschaftlichen Druck auf Frauen offen anspricht. In unserer SOONERCAST-Folge beschreibt Ayla den Film mit einem Wort: "Selbstbestimmung". Dieses zentrale Thema zieht sich wie ein roter Faden durch die Geschichten der sechs Protagonist*innen, die über persönliche Erlebnisse rund um Schwangerschaftsabbruch, ungewollte Schwangerschaft, Sterilisation, Regretting Motherhood und das Leben ohne Kinder berichten.

Me Time hebt sich durch seine ehrliche Herangehensweise ab. Als erster Kinofilm überhaupt, der das Tabuthema Regretting Motherhood behandelt, hat er viele Diskussionen ausgelöst und wurde mit verschiedenen Preisen ausgezeichnet, darunter Best Director – Documentary beim Berlin Indie Film Festival und Best Cinematography beim New York International Women Festival.

SOONER Podcast über Tabubrüche, Selbstbestimmung und den komplexen Zusammenhang von Familie und Gender Equality

Im SOONER-Podcast spricht Ayla Yildiz über die Entstehung von Me Time und warum das Thema Selbstbestimmung ihr so wichtig ist. Sie erklärt, wie die Wortwahl – "kinderlos" vs. "kinderfrei" – die öffentliche Wahrnehmung stark beeinflussen kann und warum es wichtig ist, Themen wie Regretting Motherhood zu enttabuisieren.

Ayla betont, dass sie mit Me Time nicht nur eine Debatte anstoßen, sondern auch Raum für Reflexion schaffen möchte: über die Freiheiten und Rechte, die Frauen in Bezug auf ihre eigenen Lebensentscheidungen haben sollten. Besonders in Zeiten, in denen konservative Wählerströme zunehmen, sieht sie es als notwendig an, die Selbstbestimmung von Frauen weiter zu stärken. Zudem teilt Ayla im Podcast ihre Leseempfehlungen zum Thema und stellt ihren kuratierten SOONER-Channel vor.

Entdecke die kuratierte Filmauswahl von Ayla Yildiz

Im SOONERCAST spricht Laetitia Masson mit Sebastian Urzendowsky über ihre Arbeit und ihren neuen Film SUMMER FROST (mit Clémence Poésy), der bald auf SOONER zu sehen sein wird und ein außergewöhnliches Filmerlebnis verspricht.

Laetitia Masson | SOONER BLOG

Im SOONERCAST spricht Laetitia Masson mit Sebastian Urzendowsky über ihre Arbeit.

Laetitia Massons neuer Film SUMMER FROST (mit Clémence Poésy) wird bald auf SOONER zu sehen sein.

SUMMER FROST: Die Liebe in Zeiten der Klimakatastrophe. Laetitia Massons Climate SciFi.

Laetitia Massons neuer Film SUMMER FROST (mit Clémence Poésy) wird bald auf SOONER zu sehen sein und verspricht ein außergewöhnliches Filmerlebnis. Der Film zeigt auf poetische und visuell beeindruckende Weise, wie zehn Fremde während einer ungewöhnlichen Kälteperiode im Sommer in Frankreich aufeinandertreffen. Diese Begegnungen, durchdrungen von intensiven Emotionen und Selbstreflexion, zeichnen ein eindringliches Porträt der menschlichen Seele. In episodischer Struktur verwebt Masson Themen wie Einsamkeit, Liebe und die Suche nach Verbundenheit vor einer surrealen Kulisse.

Im SOONERCAST spricht Masson mit Sebastian Urzendowsky über ihre Arbeit. Das Gespräch fand auf Französisch statt, die untertitelte Version ist auf Youtube zu sehen. Sie sieht ihre Filme weniger als politische Statements, sondern als tiefgehende Erkundung des menschlichen Wesens. Obwohl sie sich nicht als feministische Filmemacherin versteht, sind ihre Charaktere oft einsame Figuren auf der Suche nach Liebe, die sie mit Bindung verwechseln. Ein zentrales Motiv in ihren Filmen ist der Dreiklang aus Liebe, Arbeit und Geld. SUMMER FROST (mit Clémence Poésy) verkörpert diese tiefgründigen Themen eindrucksvoll.

Am 09.09. wird SUMMER FROST in Anwesenheit von Laetitia Masson im Cinema Paris gezeigt. Diese besondere Vorführung bietet die seltene Gelegenheit, den Film auf der großen Leinwand zu erleben und die Regisseurin persönlich zu treffen. Hört das vollständige Interview im SOONERCAST, um mehr über die Hintergründe dieses faszinierenden Werks und Massons Gedankenwelt zu erfahren. Bleibt dran, wenn SUMMER FROST bald auf SOONER startet.

Entdecke die kuratierte Filmauswahl von Laetitia Massons

Bevor Denis Villeneuve mit DUNE die Kinowelt eroberte, schuf er einzigartige Indie-Meisterwerke, die du jetzt nur auf Sooner sehen kannst.

Denis Villeneuve

Denis Villeneuve: Bevor Denis Villeneuve mit DUNE die Kinowelt eroberte, schuf er einzigartige Indie-Meisterwerke, die du jetzt nur auf Sooner sehen kannst.

Denis Villeneuve zählt zu den größten Regisseur*innen unserer Zeit. Mit Filmen wie DUNE: DER WÜSTENPLANET, BLADE RUNNER 2049 und ARRIVAL hat er Kino-Geschichte geschrieben. Aber wusstest du, dass seine Karriere mit beeindruckenden Indie-Filmen begann? Erlebe jetzt exklusiv auf Sooner diese außergewöhnlichen Filme von Denis Villeneuve – eine einmalige Gelegenheit, die Anfänge seiner beeindruckenden Karriere zu entdecken.

Von kleinen Indie-Filmen zu großen Blockbustern

Schon in seinen frühen Filmen zeigt sich Villeneuves unverwechselbarer Stil: außergewöhnlich, tiefgründig und voller faszinierender Bilder. Auf Sooner erwarten dich drei seiner frühen Werke, die seinen Weg in die Welt des großen Kinos ebneten – echte Highlights für Fans von Denis Villeneuve Filmen:

Entdecke die Filme von Denis Villeneuve auf Sooner.de!

Ein poetischer Film über Schuld, Vergebung und die unvorhersehbaren Wendungen des Lebens – erzählt aus der Perspektive eines sprechenden Fisches.

Villeneuves erster Spielfilm. Eine ruhige, nachdenkliche Geschichte über Leben und Tod – und darüber, was am Ende wirklich zählt.

Schau dir "Der 32. August auf Erden" jetzt an!

Eine Sammlung außergewöhnlicher Kurzfilme, darunter Villeneuves Beitrag, der die Vielfalt menschlicher Beziehungen feiert.

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